ARTES ESCÉNICAS
CUBETA
De Katia Castañeda (MX)

Cubeta es un proyecto para todo público, integrado por cinco adultos y un niño. Es una pieza coreográfica para video que surge de premisas sencillas a las que se les van sumando capas de complejidad. La propuesta se articula alrededor de la intención de ocupar el espacio público para abrir espacios a la imaginación y al encuentro espontáneo, a través de dinámicas que involucran la coreografía y otros lenguajes interdisciplinarios.
La cubeta es un objeto accesible que se encuentra en casi cualquier lado. Un objeto de bajo presupuesto, que a su vez ha sido primordial en algunas catástrofes. Y, de alguna manera, es un objeto que, en contextos específicos, apela a acciones colectivas en casos de emergencia. En este proyecto nos interesa jugar con la idea de lo que es aparentemente nimio, pero, a la vez, imprescindible. Apelamos a la capacidad de encontrar en nuestra cotidianidad espacios y elementos para seguir explorando corporalidades y dinámicas de encuentros distintos.
Los integrantes del equipo son Toztli Abril de Dios, James Tiosh Glover, Thelma Ascencio, Alberto Montzi, Julia Barrios, Mitzy Dávalos y Katia Castañeda.
El resultado será tres cápsulas de video de alrededor de siete minutos cada una.

¿Cuándo?
Sábado 30 de octubre | 12:30

¿Dónde?
Transmisión por YouTube/CasadelLagoUNAM


Digital
ARTES ESCÉNICAS
Construir un mundo de pedazos de cuerpo*
De Manuel Estrella (MX)

“Nadie hasta ahora ha determinado lo que puede un cuerpo” es la frase del filósofo Spinoza que ha inspirado a Manuel Estrella para desarrollar este proyecto, que busca reflexionar sobre las posibilidades y contingencias espaciales, anímicas y estéticas de los cuerpos en la actual situación de pandemia. Manuel Estrella concibe la escena —aunque sea en este caso grabada en video— como un espacio de recepción sensible para observar trayectos, sonidos, colores, texturas y tiempos de los cuerpos que la habitan, y propone un trabajo audiovisual que dirige la mirada del espectador a las sutilezas y la poética emanadas de los micropaisajes en movimiento, que se relacionan con los objetos de la vida diaria y con los cuerpos afectados por un nuevo cotidiano. El proyecto se materializa en un videoperformance que recoge las “acciones poéticas en confinamiento”, que el artista realizó entre marzo y junio de este año y que define como “ejercicios poéticos para convivir con mis alegrías y tristezas experimentadas en un aislamiento físico voluntario”. Por otro lado, Estrella propone una “partitura performática” para que otras personas realicen y reproduzcan las piezas, con la idea de que se documenten y compartan los resultados.

Manuel Estrella (Mérida, Yucatán, México, 1983) es performer y artista interdisciplinar, músico especializado en artes escénicas, dramaturgo sonoro y constructor de dispositivos sonoros mecánicos a partir de viejas tecnologías. Dirige mmmmmmm sonido.escena, un proyecto artístico de creación, investigación y experimentación centrado en la relación entre el sonido y el cuerpo en escena. Desde 2010 su trabajo se ha presentado en múltiples festivales de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos.

*Creación para el FIT 2020

Créditos:
Director – performer – diseño sonoro | Manuel Estrella
Diseño de arte y diseño gráfico | Arturo Lugo
Video | Roger Herrera
Asesoría de iluminación | Jésica Elizondo
Duración: 20 minutos

¿Cuándo?
Estreno: sábado 9 de octubre, 12:00
Del sábado 9 de octubre al 7 de noviembre

¿Dónde?
Transmisión: YouTube/CasadelLagoUNAM


Artes escénicas | Experiencia sonora
Ahora el mundo entero es un acantilado de la compañía La laura palmer

Experiencia sonora en la que una pareja de artistas, que han compartido más de 10 años de vida y trabajo, invita a un grupo de colegas de diferentes partes del mundo a investigar sobre la crisis, desde el lugar que habitan y desde su presente. Lo que al principio parecía una obra sobre el particular momento que estamos viviendo como sociedad fue transformándose en un espejo para revisar la crisis personal, las decisiones de la mitad de la vida, pensar el trabajo como sustituto del amor, transitar la desilusión y abrazar la incertidumbre. Lázaro desde Tijuana, Luisa desde Yucu Ñi’i, Daniel desde Lima y Pablo desde Sicilia ensayan una respuesta, nunca completa, a una pregunta que los directores de la obra ni siquiera sabían que querían hacerse: ¿seguir o no seguir?

De fondo, suenan las sirenas de las ambulancias, el bombardeo de información y un encierro mundial que nos obliga a mirarnos de cerca.

Nada de lo que aquí se dice es cierto. Que quede claro.

Dirección y dramaturgia: Pilar Ronderos e Ítalo Gallardo | Voces y textos: Luisa Pardo, Lázaro Rodríguez, Pablo Fidalgo, Daniel Amaru Silva, Pilar Ronderos e Ítalo Gallardo | Diseño sonoro: Daniel Marabolí | Producción de sonido: Jorge Silva | Producción general: Ítalo Gallardo | Producción asociada y residencia artística: José Carrasco | Coproducción: La Laura Palmer, Casa del Lago UNAM (MX), Centro Cultural GAM (CL) y Británico Cultural (PE).

La laura palmer es un colectivo multidisciplinario fundado en 2008 y dirigido por Pilar Ronderos e Italo Gallardo.

Modifican su formación y convocan a diferentes personas de acuerdo con las necesidades de cada proyecto. A partir del año 2012 se han especializado en diferentes formas de poner en escena la realidad, trabajando con archivos, documentos y biografías. Su trabajo busca poner en fricción, cuestionar y esclarecer lo que se encuentra oculto. Ponen en tensión la historia oficial a partir de las historias anónimas, trabajando los movimientos subterráneos que la oficialidad no percibe, revelando una versión vulnerable de los seres humanos.

Desde el 2013 han estrenado 9 documentales escénicos:

A este lado del río, solo el silencio (2020, Guadalajara)
Animales invisibles (2019, Santiago)
Exhumación: ensayo performativo sobre Isidora Aguirre (2019, Santiago)
Amanecerá con escombros sobre el suelo (2019, Concepción)
Esto (no) es un testamento (2017, Santiago)
Hija de tigre (2016, Santiago)
Los que vinieron antes (2016, Santiago)
Límites (2015, Santiago)
Juan Cristóbal, casi al llegar a Zapadores (2013, Santiago)

Sus obras han tenido funciones en diferentes lugares de Chile, México, España y Brasil. Algunas de las instituciones y festivales con los que han colaborado son: Festival Espacios Revelados, Festival Fira Tàrrega, Festival Santiago a Mil, Festival Santiago Off, Festival Cielos del Infinito, Casa del Lago UNAM, Centro de Artes de Guanajuato, Goethe-Institut México, Fundación Siemens-Stiftung, New York Theatre Workshop, Fira Tàrrega, Sesc São Paulo, Centro Cultural Británico de Lima, Teatro Nacional Chileno, Teatro Bíobío, Centro cultural GAM, Teatro ICTUS, NAVE centro de creación y residencia, Teatro La Memoria, Matucana 100, Teatro Camilo Henríquez, Universidad Finis Terrae y Universidad Mayor.

9, 10 y 11 de junio, 20:00
Registro previo: http://bit.ly/ExperienciaSonoraAcantilado

¿Cuándo?
3, 4, 9, 10 y 11 de junio, 20:00

¿Dónde?
Transmisión por Youtube/CasadelLagoUNAM


Artes escénicas
DB: 72 horas de coreografía web
Dirección: Julia Barrios (MX)

Dinámicas Blandas es un proyecto de investigación coreográfica que explora la relación performática de agencias entre cuerpos humanos y no humanos, así como la potencia estética de sus afectaciones en un tiempo/espacio específico.

¿Cómo habitar el pensamiento y quehacer escénico de Dinámicas Blandas en un plano digital? ¿Cómo un espacio sin materia, una burbuja de tiempo, ceros y unos articulados en una danza, pueden contener un encuentro de afectaciones humanas y no humanas?

DB: 72 hrs. de coreografía web se activa en un lienzo digital redimensionable, que traza alineaciones constantes de ventanas audio-visuales-textuales de la vida cotidiana, y nos invita a navegar y habitar la escucha, la atención y el cambio.

El equipo creativo se conformó en 2019 para desarrollar Dinámicas Blandas versión escénica. Sin embargo, la pandemia canalizó las reflexiones a esta propuesta digital, en la que las miradas se fusionan de manera transdisciplinar, y cada uno aporta elementos desde su experiencia cotidiana con diversos formatos (sonido, imagen, video, dibujo, texto) y desde distintas metodologías de exploración (corporales, audiovisuales, digitales).

Participan:

Julia Barrios | Dirección, gestión y colaboración creativa desde la mirada de las artes performáticas y coreográficas
Karim Raziel | Colaboración creativa desde la mirada del arte escénico
Roberto González | Colaboración creativa desde el diseño y desarrollo web
Aarón Escobar | Colaboración creativa desde las artes sonoras, la programación y la producción de contenidos digitales
Odalis Retano | Colaboración creativa desde la mirada dancística
Sonia Gil | Colaboración creativa desde el pensamiento coreográfico y audiovisual
Flor Firvida | Colaboración creativa y conceptual, desde un hacer y pensar performático, coreográfico y de la escena expandida.
Fermín Martínez | Colaboración creativa desde la mirada de diseño y ejecución coreo-sonora, desde el pensamiento crítico y reflexivo en torno al campo somático-performático.
Jésica Elizondo | Colaboración creativa desde la mirada de la composición visual, espacio/tiempo/materiando
Mariana Villeda | Colaboración creativa desde mirada de la moda, el vestuario y la composición visual

¿Cuándo?
Del martes 11, 17:00 al viernes 14 de mayo, 17:00

¿Dónde?
Foro Alicia Urreta Virtual


Artes escénicas
Dunkelkammer Sessions
6ª entrega Merging E-motions | Fusionando e-mociones
Aura Arreola (MX) y Samer Alkurdi (SYR/AT)
Curaduría: Gabriela Gordillo y Fernando Vigueras

Dunkelkammer Sessions es una plataforma de improvisación virtual que explora las relaciones intersubjetivas en un diálogo articulado desde la danza, el performance y el arte sonoro. El formato reúne dos artistas en contextos y locaciones distantes, para realizar una pieza performática, con el audio como único medio de comunicación en tiempo real. El sonido y la invisibilidad revelan al otro a partir del eco, la voz, el silencio y la comunicación no verbal, definiendo nuevos campos de significado donde caben abstracción, telepatía e intimidad.
Fusionando e-mociones muestra paisajes de la vida cotidiana con diferentes entornos, en distintos países y zonas horarias donde, en una situación común, dos artistas que apenas se conocen comparten su mundo exterior-interior y sus transformaciones en un contexto cambiado. Sus cuerpos habitan un trayecto íntimo a través de diferentes estados, simulados por el instante poderoso de escuchar el cuerpo del otro. La conexión entre ambos se da por el sonido que llega como llamado de supervivencia, un trance-delirio-salvaje donde la memoria, la imaginación y la afección difuminan sus límites.

¿Cuándo?
Jueves 22 de abril | 19:00

¿Dónde?
Transmisión: YouTube/CasadelLagoUNAM


Dunkelkammer Sessions
5ª Sesión Ri’nawi Abalar
Con Mariana Arteaga (MX) y Marta PCampos (ES)
Curaduría: Gabriela Gordillo y Fernando Vigueras
Artes escénicas

Dunkelkammer Sessions es una plataforma de improvisación virtual que explora las relaciones intersubjetivas en un diálogo articulado desde la danza, el performance y el arte sonoro. El formato reúne dos artistas en contextos y locaciones distantes, para realizar una pieza performática, con el audio como único medio de comunicación en tiempo real. El sonido y la invisibilidad revelan al otro a partir del eco, la voz, el silencio y la comunicación no verbal, definiendo nuevos campos de significado donde caben abstracción, telepatía e intimidad.
Ri’nawi Abalar parte de un anhelo provocado por el confinamiento en estos meses, evocando sonoramente ecosistemas en un intento por traer dentro lo de fuera y verter fuera paisajes interiores.

¿Cuándo?
Jueves 8 de abril | 19:00

¿Dónde?
Transmisión: YouTube/CasadelLagoUNAM


Danza
Dunkelkammer Sessions
4ta. Sesión
Hello, can you listen to your animal? | Hola, ¿puedes escuchar a tu animal?
Con Manuel Estrella (MX) y Sebastian Six (AT)
Curaduría: Gabriela Gordillo y Fernando Vigueras

Dunkelkammer Sessions es una plataforma de improvisación virtual que explora las relaciones intersubjetivas en un diálogo articulado desde la danza, el performance y el arte sonoro. El formato reúne dos artistas en contextos y locaciones distantes, para realizar una pieza performática, con el audio como único medio de comunicación en tiempo real. El sonido y la invisibilidad revelan al otro a partir del eco, la voz, el silencio y la comunicación no verbal, definiendo nuevos campos de significado donde caben abstracción, telepatía e intimidad.

En esta entrega, se plantean una serie de preguntas a resolver ¿Cómo puede funcionar una relación sonora a larga distancia con otra persona? ¿Es posible conectar a dos extraños con una situación de vida distinta a nivel sonoro?

Manuel Raúl Estrella Chi (Mérida, Yucatán, México, 1983)
Artista interdisciplinario, músico especializado en diseño sonoro para artes escénicas y performer. Es egresado de la licenciatura en Artes Musicales de la Escuela Superior de Artes de Yucatán. En 2007 comienza sus estudios en danza e improvisación de movimiento. Su interés se centra en la investigación del sonido y el cuerpo en la escena. Su trabajo se ha presentado en Alemania, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, España, Estados Unidos, Suecia, Uruguay y Panamá, así como en numerosos foros y festivales de la República Mexicana.
<https://www.mm-m-mmmmm.com/>

Sebastian Six
Es un artista multidisciplinario enfocado en experimentos acústicos, montajes escultóricos, intervenciones procedimentales y el componente físico del sonido como elementos centrales de sus composiciones musicales y visuales. En su trabajo las pequeñas intervenciones suelen desencadenar procesos cuyo resultado no siempre es seguro. Centra sus actuaciones acústicas y artísticas en las diferentes formas de crear sonidos. Esto abarca desde objetos cotidianos hasta instrumentos hechos por él mismo. De esta manera crea música improvisada de filigrana, que oscila entre el experimento, el evento y el concepto. Desde 2004 trabaja junto con Clemens Mairhofer y Lucas Norer en el colectivo de artistas FAXEN. Es cofundador de la galería de artistas bb15, Linz.
<https://sebastiansix.net>
<http://bb15.at/>
<http://faxen-collective.net/>

Colaboración: Linz Kultur, DORF TV y servus.at.
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¿Cuándo?
Jueves 25 de marzo | 19:00

¿Dónde?
Foro Alicia Urreta Virtual
Transmisión: YouTube/CasadelLagoUNAM


Danza
Dunkelkammer Sessions
3ra. Sesión
Echo | Eco
Con Galia Eibenschutz (MX) y Bernadette Laimbauer (AT)
Curaduría: Gabriela Gordillo y Fernando Vigueras

Dunkelkammer Sessions es una plataforma de improvisación virtual que explora las relaciones intersubjetivas en un diálogo articulado desde la danza, el performance y el arte sonoro. El formato reúne dos artistas en contextos y locaciones distantes, para realizar una pieza performática, con el audio como único medio de comunicación en tiempo real. El sonido y la invisibilidad revelan al otro a partir del eco, la voz, el silencio y la comunicación no verbal, definiendo nuevos campos de significado donde caben abstracción, telepatía e intimidad.

Galia y Bernadette buscan una nueva forma de comunicación más allá de la visual, casi como la telepatía y con un interés común en “la voz”.

Galia Eibenschutz
Su trabajo se genera a partir de un diálogo entre el dibujo y el movimiento, para establecer una plataforma entre el arte escénico y el arte visual. El registro del movimiento y del paso del tiempo, la presencia escénica del cuerpo y su proyección en la arquitectura son el eje principal de sus proyectos.
Entre sus performances destacados están: Dibujos efímeros, Dibujo de transmisión y Terreno vulnerable, activaciones vinculadas a la exposición individual: Moverse para nombrar, Museo de Arte Carrillo Gil; Fold. Unfold. Trace. Track. Landscape., The Cedar Cultural Center, Minneapolis, Minnesota; Los dibujos son torbellinos en la superficie de la corriente del tiempo (J. Berger), Teatro de la Danza; Solo con batería, en colaboración con Armando Rosales Rivero, Teatro de la Danza; Trazos para cello, en colaboración con Natalia Pérez Turner, MACO, Oaxaca. Fue seleccionada como coreógrafa del 2019 por la Fundación Mcknight, Minneapolis. En 2016 su proyecto Laboratorio de Dibujo y Movimiento fue seleccionado por Ceprodac-INBA. En 2012 fue beneficiaria del Programa de Estímulos de la Danza Nacional Eprodanza-CND/INBA, México. Recibió apoyo para producción por parte de la Fundación Jumex en 2005 y 2011. Actualmente es miembro, por segunda ocasión, del Sistema Nacional de Creadores del Arte, Fonca.
www.galiaeibenschutz.art

Bernadette Laimbauer
Vive en Linz donde estudia arte experimental con énfasis en el arte performativo en su amplia gama que, en su caso, abarca desde la presentación uno-a-uno o para una pequeña audiencia hasta colaboraciones en grupos y con niños, a veces en solitario, usando la voz sin cantar y el resto del cuerpo sin bailar, creando objetos performativos, dibujos y rituales. Sus últimos espectáculos han sido vistos en el festival Stille Nacht. The city never sleeps, Hallein, Austria; la exposición “Traurige Tropen-Bunte Tüten”, WHA Galerie de Linz, Austria; “Future Rituals”, Arnolfini, Bristol, Reino Unido. Su trabajo se desarrolla en el campo de las artes escénicas, las artes vivas, la danza contemporánea y tal vez también en la música o mezclas no categorizadas entre artes visuales y escénicas.
[bernadettelaimbauer.com]

Colaboración: Linz Kultur, DORF TV y servus.at.

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¿Cuándo?
Jueves 11 de marzo | 19:00

¿Dónde?
Foro Alicia Urreta Virtual
Transmisión: YouTube/CasadelLagoUNAM


Danza
Dunkelkammer Sessions
II: Let’s talk about sonic sensibilities
Esthel Vogrig (MX) y Yoh Morishita (AT)
Gestión y curaduría: Fernando Vigueras y Gabriela Gordillo

Nos imaginamos lo que hace un cuerpo a partir de la escucha de su sonido. Cada uno de nosotros está afectado por lo que otro cuerpo se imagina y por los sonidos que produce en acción. En el acto simultáneo de escucha, movimiento y habla, emerge una conversación particular entre palabras y oraciones que sucede entre los sonidos y el movimiento. En esta improvisación, la línea entre lo que se mueve y lo que es movido, se vuelve borrosa.

Esthel Vogrig Nardini (Italia, 1978). Trabaja en CDMX desde 2001 transitando entre la coreografía expandida, el video experimental y los procesos colaborativos. Aborda la creación desde una perspectiva coreográfico/performativa centrada en la simbiosis de ideas y la construcción de significado en los espacios intermedios entre saberes, medios y personas involucradas. Es licenciada en Coreografía por el Cenart y maestra en Artes por Concordia University. Entre sus obras destacan: Mi última foto, El hipergesto, Sin imagen, The Mountain the Parsley and the Soil y el proyecto de cine colaborativo Criaturas fantásticas. Ha impartido cursos y talleres de composición coreográfica, intermedialidad escénica, programación de interfaces, experimentación artística y estrategias colaborativas.

Yoh Morishita (Japón, 1992). Performer y coreógrafa radicada en Austria. Tiene licenciatura en Arquitectura y Arte por del Instituto de Tecnología de Kyoto y estudió danza escénica contemporánea y estudios de movimiento en el Instituto de las Artes Dancísticas de Linz, Austria. Basado en la arquitectura, el enfoque artístico de Yoh se centra en la relación entre la gente y el espacio. ¿Qué hay dentro del espacio? Objetos, sonidos/música, luz, olor, calor… ¿Cómo se relaciona nuestro cuerpo con esos materiales? ¿Cómo reacciona a ellos físicamente, emocionalmente? Al presenciarlos, ¿cómo puede el público experimentar esos elementos conscientemente? Los textos conceptuales o los factores físicos pueden funcionar como impulso para diseñar movimientos.

Realizado con el apoyo de Linz Kultur, Casa del Lago UNAM en cooperación con DORFTV y servus.at.

¿Cuándo?
Jueves 25 de febrero | 19:00

¿Dónde?
Foro Alicia Urreta Virtual

Transmisión: YouTube/CasadelLagoUNAM


Danza
Dunkelkammer Sessions
I: Te espero porque veo que vas mucho más lenta que yo
Katia Castañeda (MX) e Iris Heitzinger (AT)
Gestión y curaduría: Fernando Vigueras y Gabriela Gordillo

En mi imaginario te imagino.
Voy, sigo, continúo, me paro y te espero
en la misma silla donde estuviste sentada hace un momento.
La intención de estar contigo en las diferencias,
Telepatía.

Dunkelkammer Sessions es una plataforma de improvisación virtual que explora las relaciones intersubjetivas en un diálogo articulado desde la danza, el performance y el arte sonoro. El formato reúne dos artistas en contextos y locaciones distantes, para realizar una pieza performática, con el audio como único medio de comunicación en tiempo real. El sonido y la invisibilidad revelan al otro a partir del eco, la voz, el silencio y la comunicación no verbal, definiendo nuevos campos de significado donde caben abstracción, telepatía e intimidad.
Para este encuentro en el marco de DKS, Katia e Iris proponen un diálogo íntimo a distancia, un performance de dos mujeres conectadas por la escucha recíproca. La hipótesis para este experimento es: Yo bailo aquí contigo./Tú bailas ahí conmigo./¿Bailamos juntas?

Katia Castañeda.
Creadora, performer y docente. Se interesa en explorar y proponer relaciones expansivas con el cuerpo/movimiento y conformar equipos de trabajo diversos. Es licenciada en Teatro por la Universidad Veracruzana. Fue artista en residencia en Movement Research, Nueva York 2012-2014 y becaria del programa Jóvenes Creadores 2009-2010. Actualmente es becaria del programa Creadores Escénicos en la modalidad Interdisciplina, del Fonca. Es integrante del colectivo de neuroperformance TACo, Transdisciplina, Arte y Cognición.

Iris Heitzinger.
Bailarina independiente, performer y docente. Artista asociada en tanz_house Salzburg (AT) y RedSapata Linz (AT). Ha colaborado con el Grupo LaBolsa & Thomas Hauert, Guillermo Weickert, Natalia Jiménez, Jeremy Wade, Ted Stoffer, Vincent Dance Theatre y Editta Braun, entre otros artistas. Imparte clases y talleres de danza contemporánea, improvisación y composición en Europa, Canadá y Japón. Su trabajo gira alrededor de las colaboraciones interdisciplinarias e interculturales que investigan el potencial creativo-espontáneo del cuerpo dentro de los sistemas de composición en vivo y de creación en tiempo real.

Realizado con el apoyo de Linz Kultur, Casa del Lago UNAM en cooperación con DORFTV y servus.at.

¿Cuándo?
Jueves 11 de febrero | 19:00

¿Dónde?
Foro Alicia Urreta Virtual

Transmisión: YouTube/CasadelLagoUNAM


Artes escénicas
Festivo ritual colectivo que retoma antiguos saberes y experiencias contemporáneas para construir un juego sorpresivo entre lo humano y lo animal. Las bestias (títeres experimentales que se arman frente al espectador y se desplazan por el espacio), se acompañan por músicos locales y titiriteros profesionales que lideran una gran manada de niños y jóvenes que con cantos, máscaras y criaturas creadas por ellos mismos que culminan en una potente fiesta animal.

Colaboración: FONCA y La liga. Teatro elástico
Explanada


Tocada coreográfica
Proyecto en colaboración con la banda Mixanteña de Santa Cecilia
Dirección: Katia Castañeda
Asistente: Gibran Valencia

Proyecto que pretende vincular el movimiento, la música y los distintos cuerpos en una tocada coreográfica. Destacar los saberes y sensibilidades de la banda Mixanteña de Santa Cecilia con la intención de abrir espacios de reflexión acerca de los significados de lo tradicional en un mundo globalizado.

Mixanteña de Santa Cecilia es una banda de viento formada en el 2011, integrada por ocho personas de diversas formaciones además de la música. La instrumentación respeta el estilo de la costa y costa-montaña de Guerrero, que consta de trombón, tuba y trompetas, acompañados de tarola, timbales y tambora. Una de las labores fundamentales del grupo es dar a conocer la música y la cultura de los pueblos originarios a través de su experiencia y hacer una labor de participación e integración con la comunidad. La banda se ha presentado en distintos espacios: Fonoteca Nacional, Radio Educación, Instituto Mexicano de la Radio, Museo Nacional de Culturas Populares, Son para Milo, Museo de la Ciudad, entre otros. También participó en el encuentro de bandas de Tlayacapan, en el Festival Cuexcomate en Morelos y en el Festival de Aguascalientes. En el extranjero, se presentó en la Sala Zitarrosa, Uruguay; en el Teatro Municipal de Santa Fe y en el Carnaval Mil Tambores en Chile.

Katia Castañeda es creadora, performer y docente. Se interesa en explorar, accionar y proponer relaciones expansivas con el cuerpo/movimiento y conformar equipos de trabajo diversos. Trabaja de manera independiente colaborando con distintos grupos y personas: Galia Eibenschutz, Daniel Lara, Nadia Lartigue, Natalia Castaneira, Barbara Foulkes, Mauricio Ascencio, Mixanteña de Santa Cecilia, Compañía Quiatora Monorriel, Compañía Teatro de Ciertos Habitantes, entre otros. Fue becaría del programa Jóvenes Creadores 2009-2010 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Artista en Residencia en Movement Research, New York 2012-2014 y realizó el diplomado ¿Cómo encender un fósforo? Prácticas de investigación, coreografía, danza y performance 2017-2018.


Explanada


Artes escénicas
Autor y dirección: Nicolás Núñez
Con: Arcelia Tinoco, Nicolás Núñez, Ana Luisa Solís y Jorge Zepeda
Taller de Investigación Teatral UNAM

En la intimidad, todos estamos ateridos, aterrados, muriéndonos de miedo al intuir que, de ahora en adelante, tendremos que aprender a vivir a la intemperie porque el techo y cobijo que nos dieron todas las ideologías, las filosofías políticas y religiosas han fracasado estruendosamente. No nos queda más remedio que asumir nuestro rito/personal y buscarle acomodo y paz a nuestra conciencia, en medio de una turbulencia existencial que tiene signos de muerte total.

Colaboración: Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA)


Sala Rosario Castellanos
Entrada libre, cupo limitado


Artes escénicas
Autor y dirección: Nicolás Núñez
Con: Arcelia Tinoco, Nicolás Núñez, Ana Luisa Solís y Jorge Zepeda
Taller de Investigación Teatral UNAM

En la intimidad, todos estamos ateridos, aterrados, muriéndonos de miedo al intuir que, de ahora en adelante, tendremos que aprender a vivir a la intemperie porque el techo y cobijo que nos dieron todas las ideologías, las filosofías políticas y religiosas han fracasado estruendosamente. No nos queda más remedio que asumir nuestro rito/personal y buscarle acomodo y paz a nuestra conciencia, en medio de una turbulencia existencial que tiene signos de muerte total.

Colaboración: Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA)


Sala Rosario Castellanos
Entrada libre, cupo limitado


Tocada coreográfica
Proyecto en colaboración con la banda Mixanteña de Santa Cecilia
Dirección: Katia Castañeda
Asistente: Gibran Valencia

Proyecto que pretende vincular el movimiento, la música y los distintos cuerpos en una tocada coreográfica. Destacar los saberes y sensibilidades de la banda Mixanteña de Santa Cecilia con la intención de abrir espacios de reflexión acerca de los significados de lo tradicional en un mundo globalizado.

Mixanteña de Santa Cecilia es una banda de viento formada en el 2011, integrada por ocho personas de diversas formaciones además de la música. La instrumentación respeta el estilo de la costa y costa-montaña de Guerrero, que consta de trombón, tuba y trompetas, acompañados de tarola, timbales y tambora. Una de las labores fundamentales del grupo es dar a conocer la música y la cultura de los pueblos originarios a través de su experiencia y hacer una labor de participación e integración con la comunidad. La banda se ha presentado en distintos espacios: Fonoteca Nacional, Radio Educación, Instituto Mexicano de la Radio, Museo Nacional de Culturas Populares, Son para Milo, Museo de la Ciudad, entre otros. También participó en el encuentro de bandas de Tlayacapan, en el Festival Cuexcomate en Morelos y en el Festival de Aguascalientes. En el extranjero, se presentó en la Sala Zitarrosa, Uruguay; en el Teatro Municipal de Santa Fe y en el Carnaval Mil Tambores en Chile.

Katia Castañeda es creadora, performer y docente. Se interesa en explorar, accionar y proponer relaciones expansivas con el cuerpo/movimiento y conformar equipos de trabajo diversos. Trabaja de manera independiente colaborando con distintos grupos y personas: Galia Eibenschutz, Daniel Lara, Nadia Lartigue, Natalia Castaneira, Barbara Foulkes, Mauricio Ascencio, Mixanteña de Santa Cecilia, Compañía Quiatora Monorriel, Compañía Teatro de Ciertos Habitantes, entre otros. Fue becaría del programa Jóvenes Creadores 2009-2010 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Artista en Residencia en Movement Research, New York 2012-2014 y realizó el diplomado ¿Cómo encender un fósforo? Prácticas de investigación, coreografía, danza y performance 2017-2018.


Explanada

 


Con Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol (España)

¿Y por qué John Cage? Es una performance sobre sonido y significado en un discurso dado. El poder del sonido de las palabras. Sonido como estructura, como dinámica que viaja. Discurso sensorial y no significativo. No queremos significar, al contrario, queremos de-significar para adentrarnos en el terreno de lo sensitivo, de lo relacional, de lo perceptivo y de lo corpóreo. En esta performance, el discurso puede ser cualquier discurso. No es importante lo que decimos sino cómo lo decimos, qué herramientas musicales y coreográficas utilizamos para destrozar el texto y sumergirnos en el trabajo del intérprete sugiriendo y surfeando por las olas del imaginario.

Jorge Dutor: Escenógrafo/Artista Escénico (Madrid 1979) .Ingresa en la Real Escuela superior de Arte Dramático de Madrid para estudiar Escenografía en 1999. Durante dos años consecutivos colabora con el master de la Midlelsex University sobre plástica y performing arts. Después de una intensa experiencia en el campo del teatro empieza a alternar esta faceta con la de director artístico y coreógrafo en eventos de moda tales como El Ego de la Pasarela Cibeles, el Mustang Fashion Weekend del Festival Internacional de Benicassim o el festival 06. de jóvenes creadores de la Comunidad de Madrid. Desde el 2003 dedica su tiempo libre a remover la escena underground programando eventos y festivales, participando como dj y performer y recoriendo la peninsula y parte de Europa organizando fiestas como agitador cultural. En 2008 se traslada a Amsterdam donde engancha con la escena de la danza contemporánea y colabora como escenógrafo, performer y cocreador con distintos coreógrafos emergentes de la escena europea.

Guillem Mont de Palol: Coreógrafo/bailarín y Performer (Gerona 1978). Después de diplomarse en Magisterio Musical por la UAB y terminar sus estudios musicales en el Conservatori Municipal de Grau Mitjà de Sabadell en 2001 se traslada a Amsterdam donde se gradua en la School for New Dance Developement en 2006. A partir de esa fecha empieza a trabajar como creador y bailarín freelance para otros coreógrafos como Xavier le Roy, Andrea Bozic, Mette Ingvartsen, Min Tanaka, Nora Helman o Vincent Dunoyer entre otros. Sobre su propio trabajo Guillem ha hecho varias piezas en casa productoras de Holanda. Atísticamente está interesado en los proyectos de invstigación, los proceos creativos y las colaboraciones con otras disciplinas en relación al cuerpo, el tiempo, el espacio y el humor.

¿Y por qué John Cage? se presenta en el marco del Festival PLURAL, una unión entre TRANSVERSALES #21 & FESTIVAL4X4 #11. Este proyecto celebra el encuentro de estos dos festivales únicos de la escena contemporánea mexicana con el objetivo de desplegar una serie de actividades que cultiven prácticas de pensamiento, pedagógicas y escénicas de lo singular y por consecuencia lo libre. PLURAL comprende más de 25 actividades en donde participarán artistas de España, Uruguay, Argentina, Colombia y México. PLURAL defiende el deseo, el pensamiento propio y sensible, la libertad de práctica y la experimentación.

Colaboración: Festival Plural con el soporte de:
*Proyecto BI de la Fundación BBVA 2019.
*Programa IBERESCENA.
*Proyecto apoyado por el Programa de Internacionalización para la Cultura Española PICE de Acción Cultural Española AC-E en su movilidad de movilidad.
“Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes”


Sala Rosario Castellanos


Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM/ DAJU

Dirección artística: Andrea Chirinos

Impulsada por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección de Danza, la compañía pretende ser un espacio de perfeccionamiento y experimentación para los bailarines jóvenes que estén en proceso de integrarse al ámbito profesional.

Entre los principales objetivos de la nueva agrupación se encuentran: activar los distintos espacios de representación programados por la Dirección de Danza dentro y fuera del campus universitario, con una propuesta de funciones diseñada de acuerdo a objetivos artísticos concretos que busquen expandir la mirada sobre la danza y la coreografía, actualizar al espectador universitario y el público en general y propiciar la reflexión, el debate y el análisis en torno a la danza actual y sus múltiples vías de expresión.

Desviaciones Estándar
Programa compuesto de tres coreografías: un resultado de la residencia artística de Igor & Moreno con la compañía; y dos de su directora, Andrea Chirinos (Recuerdos desorientados y PRISINCOL recreación).

PROGRAMA

Recuerdos desorientados / Andrea Chirinos / duración 15 min.
A partir del auto retrato performático e historias personales, como método de creación de movimiento se crean configuraciones espaciales donde un vapor desorientador de la conciencia toma un viaje que significa alejarse de la superficie para encontrarse con lo lúdico y lo incomprensible de los recuerdos.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Cristina López | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano |

Igor x Moreno / duración 25 min.
El montaje es el resultado de una residencia donde comparten los procesos creativos de sus últimos años… “Invocan la técnica y la manía, el juicio y la imaginación para negociar el espacio del entre y más allá, colectivo e individual, previo y sin precedentes, tradición e invención, gobierno y exceso. La resistencia y la fatiga son las formas de reclamar un espacio para la individualidad y la solidaridad.” Daniela Perazzo.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

 

P R I S I N C O L recreación / Andrea Chirinos y Octavio Danigno / 7 min.

Recreando el vídeo de Prisencolinensinainciusol de Adriano Celentano & Rafaela. Carra y tomando el audio de la película de una película italiana se busca habitar la sensibilidad de otra época.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

Créditos
Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM
Dirección Danza UNAM: Evoé Sotelo
Dirección Artística DAJU: Andrea Chirinos
Asistente Dirección Artistica DAJU: Rocío Gutiérrez

Bailarines de DAJU: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

Colaboración: Dirección de Danza UNAM

Explanada


Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM/ DAJU

Dirección artística: Andrea Chirinos

Impulsada por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección de Danza, la compañía pretende ser un espacio de perfeccionamiento y experimentación para los bailarines jóvenes que estén en proceso de integrarse al ámbito profesional.

Entre los principales objetivos de la nueva agrupación se encuentran: activar los distintos espacios de representación programados por la Dirección de Danza dentro y fuera del campus universitario, con una propuesta de funciones diseñada de acuerdo a objetivos artísticos concretos que busquen expandir la mirada sobre la danza y la coreografía, actualizar al espectador universitario y el público en general y propiciar la reflexión, el debate y el análisis en torno a la danza actual y sus múltiples vías de expresión.

Desviaciones Estándar
Programa compuesto de tres coreografías: un resultado de la residencia artística de Igor & Moreno con la compañía; y dos de su directora, Andrea Chirinos (Recuerdos desorientados y PRISINCOL recreación).

PROGRAMA

Recuerdos desorientados / Andrea Chirinos / duración 15 min.
A partir del auto retrato performático e historias personales, como método de creación de movimiento se crean configuraciones espaciales donde un vapor desorientador de la conciencia toma un viaje que significa alejarse de la superficie para encontrarse con lo lúdico y lo incomprensible de los recuerdos.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Cristina López | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano |

Igor x Moreno / duración 25 min.
El montaje es el resultado de una residencia donde comparten los procesos creativos de sus últimos años… “Invocan la técnica y la manía, el juicio y la imaginación para negociar el espacio del entre y más allá, colectivo e individual, previo y sin precedentes, tradición e invención, gobierno y exceso. La resistencia y la fatiga son las formas de reclamar un espacio para la individualidad y la solidaridad.” Daniela Perazzo.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

 

P R I S I N C O L recreación / Andrea Chirinos y Octavio Danigno / 7 min.

Recreando el vídeo de Prisencolinensinainciusol de Adriano Celentano & Rafaela. Carra y tomando el audio de la película de una película italiana se busca habitar la sensibilidad de otra época.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

Créditos
Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM
Dirección Danza UNAM: Evoé Sotelo
Dirección Artística DAJU: Andrea Chirinos
Asistente Dirección Artistica DAJU: Rocío Gutiérrez

Bailarines de DAJU: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

Colaboración: Dirección de Danza UNAM

Explanada


Residencia de creación, taller y gira en México con Noriko Kato (Japón), Iván Ontiveros (México) y Benyam Seifu (Etiopía/Australia)

Proyecto pedagógico y dancístico que integra las capacidades creativas de tres artistas con nacionalidades diferentes para generar una pieza coreográfica con perspectiva global sobre lo que el cuerpo representa en términos de lo colectivo y de lo individual. Es el resultado de tres residencias dirigidas a elaborar una definición del concepto “cuerpo anónimo” como plataforma de creatividad y de diálogo.

Noriko Kato, Benyam Seifu e Iván Ontiveros trabajan con la idea de elaborar una plataforma de creatividad y de diálogo en distintos países y entornos sociales con la intención de entender y explorar al individuo en sociedad.

En el 2018 se empezó a trabajar con una residencia de creación artística donde se imparte un taller de danza para adolescentes en la Ciudad de México y Monterrey. Durante este periodo se integra al equipo creativo Benyam Seifu (Etiopia/Australia) teniendo como resultado de estas dos actividades piezas de danza inspiradas en las actividades de su entorno, tradiciones y costumbre de cada lugar. La segunda residencia de creación artística se desarrolló en Japón en la ciudad de Hirosaki y la tercera residencia artística sucedió en la comunidad de la presa de San Franco en el estado de Guanajuato en septiembre de este año.

Después de una gira por el país, The Anonymous Body cierra sus presentaciones en México con una residencia de dos semanas en Casa del Lago exponiendo los resultados, además de un programa en el cual se invitó a artistas nacionales y extranjeras para expandir el concepto de la anonimidad el cual se traduce a cuatro presentaciones en un evento conformado principalmente por mujeres y artistas LGBTTTIQ.

El proyecto es apoyado por la fundación Japón en México y por el fideicomiso fondo de la amistad México-Japón 2019 de la Secretaría de Educación Pública.

Ceremonia del té tradicional japonesa
Impartida por Noriko Kato
Momento íntimo para que los participantes puedan compartir con la artista Noriko Kato dulces tradicionales y la forma clásica de servir té matcha. Durante la ceremonia, se requiere que los participantes se despojen de sus pertenencias para que puedan tener una experiencia inmersiva y contemplativa.
Sala José Emilio Pacheco | 13:30 (sesiones de 20 minutos)
Entrada libre, cupo limitado

• Performance con Sofía Moreno, invitada especial: Victoria Moctezuma
Pérgola | 16:00

Sofía Moreno (Coahuila, México) vive y trabaja en Chicago y CDMX. Es una artista multidisciplinaria que recientemente se desarrolla en diferentes proyectos como una ponencia sobre el cuerpo y la mitología del glamour, como terminando su proyecto de ocho años: P o r n A g a i n. Actualmente tiene una residencia en el proyecto S+S en la CDMX. Su trabajo ha sido exhibido en el S+S project en San Francisco, Housing en NY, en el Defibrilator en Chicago y en Artspace en CDMX por nombrar algunos. Ella ha participado en múltiples exposiciones colectivas en Berlín, Copenhague, Amsterdam y a lo largo de los EEUU, para nombrar algunos.

• Performance con Malitzin Cortés
Explanada | 17:00

Paisaje sonoro mediante código, hecho con sonidos generados del acto se textear. Pensando en el anonimato desde los rituales contemporáneos de despersonalización que estas acciones producen.

Malitzin Cortés (CNDSD) músico, artista multimedia y programadora. Adopta la transdisciplina y tecnología en las prácticas transmedia contemporáneas. Su trabajo se desarrolla entre el live coding, live cinema, instalación, animación 3D, VR, arte generativo, diseño sonoro, música experimental y arte sonoro. Ha realizado actos en vivo y exposiciones en Centro Multimedia, Laboratorio de Arte Alameda, Ex-teresa arte Actual, Centro de Cultural Digital, Medialab Prado, Centro Cultural España, CMMAS, Vorspiel, Spektrum Berlín y en festivales internacionales de arte sonoro y música experimental como la Conferencia Internacional de Live Coding, Transpiksel, Aural, Transmediale Berlín, Asian Culture Center Corea, Simposio Internacional de Arte Electrónico, MUTEK México y Montreal.

• The Anonymous Body Project México + Iván Núñez
Residencia de creación, taller y gira en México
Con Noriko Kato, Iván Ontiveros y Benyam Seifu | danza y música
Sala Rosario Castellanos | 18:30
Entrada libre, cupo limitado

Ivan Nuñez (México) Músico, compositor y arreglista. Estudió en la escuela de música Cardenal Miranda, en la Escuela Superior de Música del INBA y en clases particulares con Enrique Nery. Durante su carrera como músico ha desarrollado varios proyectos contemporáneos que se centran en el funk, soul, latin y jazz. Ha participado con artistas nacionales reconocidos a lo largo del continente y últimamente en programas de TV como la Voz México. Recientemente abrió su propio estudio de grabación y está decidido a producir música que haga a la gente bailar.

Noriko KATO (Hirosaki, Aomori. Japón)
Artista de danza independiente y fundadora de Dance-tect. Nació en el norte de Japón en Hirosaki-shi, Aomori-ken. Comenzó su trabajo como artista de danza independiente en Köln, Alemania (2003 – 2005).
En 2005, Noriko lanzó la unidad de danza D ance-tect y desde el 2007 Dance-tect deja de ser una unidad de danza, para convertirse en un centro colectivo de proyectos de arte escénico. El proyecto reúne artistas independientes por proyecto a nivel nacional e internacional con el objetivo de exhibir directamente desde el norte de Japón al mundo. Dentro del proyecto Noriko es intérprete, directora y curadora. Las colaboraciones internacionales más recientes han sido con países como Italia, Suecia, España, Finlandia, Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, Tailandia y Dinamarca por nombrar algunos.
Como artista de danza independiente, Noriko ha sido invitada a diez semanas de residencia en al’abordage ART Project recorriendo Bangkok, Manila, Kioto y Tokio con 7 miembros de diferentes países en 2006. En 2008 apareció en una película documental de danza de la bailarina / coreógrafa finlandesa Nina Sari Palmgren Connective Pattern (2015).

Iván de Jesús Ontiveros Ontiveros (Monterrey, México)
A sus 18 años inició una licenciatura en Danza Contemporánea en la Universidad Autónoma de Nuevo León de la cual egresó con Reconocimiento a la Excelencia Profesional en el 2007. Su labor se extiende desde la dirección, coreografía y escenografía. También ha colaborado con coreógrafos mexicanos e internacionales como Nadia Lartigue, Katia Castañeda, Mijail Rojas, Noriko Kato, Gerard Moster y Susan Kempster. De sus participaciones como intérprete protagonista más importantes se destaca la obra Amarillo de la compañía Teatro Línea de Sombra con la cual se presentó en la ciudad de Múnich, Alemania, y en San José de Rio Preto en Brasil en año 2015. Su más reciente obra Esta Puta Nostalgia participó en la Muestra Nacional de Teatro en la ciudad de Aguascalientes el 2015. Ha colaborado como decorador de arte y escenógrafo para las últimas producciones cinematográficas del dramaturgo Luis Alyón. Su más reciente obra como director Elena 68 se estrenó en el presente año.

Benyam Seifu (Australia/Ethiopía) Benyam Seifu, nacido en Etiopía y crecido en Melbourne Australia, es un guitarrista, productor, artista experimental que busca en los terrenos de toda especie, sonidos alternativos y ‘outsider’, yendo desde la cultura pop hasta la tradicional sin dejar de lado los sonidos y fusiones experimentales sin género. Formado por sus estancias y viajes en varios países en el mundo, se basa actualmente en México donde he participado y colaborado en un basto número de proyectos musicales, teatrales y dancísticos con artistas locales desde el año 2011.


The Anonymous Body Project México
Residencia de creación, taller y gira en México
Con Noriko Kato (Japón), Iván Ontiveros (México) y Benyam Seifu (Etiopía/Australia)

Proyecto pedagógico y dancístico que integra las capacidades creativas de tres artistas con nacionalidades diferentes para generar una pieza coreográfica con perspectiva global sobre lo que el cuerpo representa en términos de lo colectivo y de lo individual. Es el resultado de tres residencias dirigidas a elaborar una definición del concepto “cuerpo anónimo” como plataforma de creatividad y de diálogo.

Noriko Kato, Benyam Seifu e Iván Ontiveros trabajan con la idea de elaborar una plataforma de creatividad y de diálogo en distintos países y entornos sociales con la intención de entender y explorar al individuo en sociedad.

En el 2018 se empezó a trabajar con una residencia de creación artística donde se imparte un taller de danza para adolescentes en la Ciudad de México y Monterrey. Durante este periodo se integra al equipo creativo Benyam Seifu (Etiopia/Australia) teniendo como resultado de estas dos actividades piezas de danza inspiradas en las actividades de su entorno, tradiciones y costumbre de cada lugar. La segunda residencia de creación artística se desarrolló en Japón en la ciudad de Hirosaki y la tercera residencia artística sucedió en la comunidad de la presa de San Franco en el estado de Guanajuato en septiembre de este año.

Después de una gira por el país, The Anonymous Body cierra sus presentaciones en México con una residencia de dos semanas en Casa del Lago exponiendo los resultados, además de un programa en el cual se invitó a artistas nacionales y extranjeras para expandir el concepto de la anonimidad el cual se traduce a cuatro presentaciones en un evento conformado principalmente por mujeres y artistas LGBTTTIQ.

El proyecto es apoyado por la fundación Japón en México y por el fideicomiso fondo de la amistad México-Japón 2019 de la Secretaría de Educación Pública.

The Anonymous Body Project México + Malitzin Cortés
Residencia de creación, taller y gira en México
Con Noriko Kato, Iván Ontiveros y Benyam Seifu | danza y música

Noriko KATO (Hirosaki, Aomori. Japón)
Artista de danza independiente y fundadora de Dance-tect. Nació en el norte de Japón en Hirosaki-shi, Aomori-ken. Comenzó su trabajo como artista de danza independiente en Köln, Alemania (2003 – 2005).
En 2005, Noriko lanzó la unidad de danza D ance-tect y desde el 2007 Dance-tect deja de ser una unidad de danza, para convertirse en un centro colectivo de proyectos de arte escénico. El proyecto reúne artistas independientes por proyecto a nivel nacional e internacional con el objetivo de exhibir directamente desde el norte de Japón al mundo. Dentro del proyecto Noriko es intérprete, directora y curadora. Las colaboraciones internacionales más recientes han sido con países como Italia, Suecia, España, Finlandia, Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, Tailandia y Dinamarca por nombrar algunos.
Como artista de danza independiente, Noriko ha sido invitada a diez semanas de residencia en al’abordage ART Project recorriendo Bangkok, Manila, Kioto y Tokio con 7 miembros de diferentes países en 2006. En 2008 apareció en una película documental de danza de la bailarina / coreógrafa finlandesa Nina Sari Palmgren Connective Pattern (2015).

Iván de Jesús Ontiveros Ontiveros (Monterrey, México)
A sus 18 años inició una licenciatura en Danza Contemporánea en la Universidad Autónoma de Nuevo León de la cual egresó con Reconocimiento a la Excelencia Profesional en el 2007. Su labor se extiende desde la dirección, coreografía y escenografía. También ha colaborado con coreógrafos mexicanos e internacionales como Nadia Lartigue, Katia Castañeda, Mijail Rojas, Noriko Kato, Gerard Moster y Susan Kempster. De sus participaciones como intérprete protagonista más importantes se destaca la obra Amarillo de la compañía Teatro Línea de Sombra con la cual se presentó en la ciudad de Múnich, Alemania, y en San José de Rio Preto en Brasil en año 2015. Su más reciente obra Esta Puta Nostalgia participó en la Muestra Nacional de Teatro en la ciudad de Aguascalientes el 2015. Ha colaborado como decorador de arte y escenógrafo para las últimas producciones cinematográficas del dramaturgo Luis Alyón. Su más reciente obra como director Elena 68 se estrenó en el presente año.

Benyam Seifu (Australia/Ethiopía) Benyam Seifu, nacido en Etiopía y crecido en Melbourne Australia, es un guitarrista, productor, artista experimental que busca en los terrenos de toda especie, sonidos alternativos y ‘outsider’, yendo desde la cultura pop hasta la tradicional sin dejar de lado los sonidos y fusiones experimentales sin género. Formado por sus estancias y viajes en varios países en el mundo, se basa actualmente en México donde he participado y colaborado en un basto número de proyectos musicales, teatrales y dancísticos con artistas locales desde el año 2011.


Sala 5

*La programación seguirá el día sábado.


Artes escénicas
Dirección: Benito González
Con Guillermo Aguilar, Fausto Jijón Quelal, Jorge Motel, Gisela Olmos, Inti Santamaría y Bryant Solís
Música: Esplendor Geométrico

González se centra en la música industrial para desarrollar una danza primitiva e insistente que parte del movimiento y la potencia de las máquinas y se mezcla con la energía tribal y los rituales evangélicos, para generar un neotribalismo industrial, donde ritmos mecánicos, como mantras, inducen al trance.


Foro Arreola


Artes escénicas
Dirección: Benito González
Con Guillermo Aguilar, Fausto Jijón Quelal, Jorge Motel, Gisela Olmos, Inti Santamaría y Bryant Solís
Música: Esplendor Geométrico

González se centra en la música industrial para desarrollar una danza primitiva e insistente que parte del movimiento y la potencia de las máquinas y se mezcla con la energía tribal y los rituales evangélicos, para generar un neotribalismo industrial, donde ritmos mecánicos, como mantras, inducen al trance.


Foro Arreola


Artes escénicas

LOStheULTRAMAR (Premio Nacional de Danza INBA-UAM-UNAM 2012) es una obra que propone hacer una arqueología de lo humano en varios sentidos, al compartir, confrontar y establecer el diálogo de todo ser con respecto a otro, al compañero, al colectivo, a lo existente, a los espacios, al bosque, a la calle, al edificio, a la ciudad.

Así, caminan LOStheULTRAMAR y recorren el mundo y sus espacios. Su identidad se remonta a lo tribal, al gusto por congregarse para festejar la vida a pesar de los males del mundo y sobrevivir a estos. El gran tocado que portan simboliza la industrialización, al tiempo que conversa con diversas estéticas. En cada lugar que visitan establecen un diálogo con la arquitectura local para producir un efecto inquietante en el entorno. 

LOStheULTRAMAR bailan y comparten este acto con el público, con el amigo o con el ciudadano común y generan así una experiencia singular en los observadores. 

Foco alAire Producciones se funda en 1999 como una compañía cuyo trabajo creativo se sustenta en la reflexión y el cuestionamiento de la representación escénica y el papel que en ella juega el lenguaje del cuerpo. La escena se convierte en una especie de texto abierto para vincularse de manera directa con el público. Se busca la conexión profunda entre el fondo y la forma dentro del proceso creativo y se recurre a elementos diversos del arte contemporáneo. Para sus directores, Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy , el arte escénico consiste en generar un suceso que exprese sus ideas e inquietudes. Este es uno de sus hitos cardinales. Coinciden en su gusto por el arte y lo amalgaman en sus propuestas. Cada pieza es un riesgo que toman desde una estética rigurosa como punto de partida: el gesto, el dominio corporal y la interpretación son abordados con precisión. 

Merecedora de premios y reconocimientos a nivel nacional e internacional, la compañía Foco alAire se ha presentado en Alemania, Japón, Holanda, México, Argentina y Colombia.     

*Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes


Sábado 5 de octubre
Explanada | 14:30


De Eugène Ionesco adaptación libre)(
Directores: Belén Aguilar, Servando Ramos y Compañía Monos Teatro
La obra se estrenó en 1950 y es una de las más representativas del siglo XX y del “teatro del absurdo”. Esta lectura dramatizada de un texto emblemático en la historia de la Casa del Lago corre a cargo de tres representantes de la nueva generación de directores en nuestro país; el elenco está integrado por estudiantes del Centro Universitario de Teatro.
Colaboración: Centro Universitario de Teatro UNAM (CUT)


Vestíbulo, Salas Rosario Castellanos y José Emilio Pacheco | 20:30
Entrada libre, cupo limitado


De Thilo Reffert
Dirección: Camila Aguirre y Jorge Reza
Cinco comediantes, cuatro taburetes y dos mamparas se desplazan de manera lúdica sobre el escenario para contar la historia de tres niños que se hacen amigos gracias a la comprensión y aceptación de sus diferencias. Esta obra para todo público reflexiona sobre la inclusión, desde un punto de vista social pero también de política educativa.
Colaboración: Circonciente


Foro Arreola
Entrada libre