¡Un archivo de artistas mexicanas para tus redes sociales!
Curaduría: Violeta Horcasitas

Esta muestra es un homenaje colaborativo a las creadoras mexicanas, artistas plásticas, visuales e investigadoras, que son parte fundamental de la producción e investigación artística en este país. Stickers contrasta la producción artística con la situación actual de la mujer. Fortalece y evidencia, además, los vínculos y ecos perdidos que la obra de generaciones pasadas tiene dentro del pensamiento y la producción de artistas jóvenes. Sobre todo es un esfuerzo por sumar voces y continuar la reflexión sobre estos temas. Los archivos invitados son proyectos surgidos en diferentes momentos y contextos que comparten, sin embargo, un interés genuino por conocer y difundir la obra de artistas mexicanas. La muestra presentará el proceso de trabajo de cada uno de estos archivos resaltando sus objetivos, enfoques y las plataformas utilizadas para visibilizar su investigación; esto permitirá contrastar las diferentes posturas y métodos utilizados. Se realizará una selección de obra y artistas en conjunto con cada uno de los archivos invitados para reproducir y reinterpretar las piezas y/o retratos en formato de sticker, una de las herramientas más utilizadas en la red de mensajería instantánea (WhatsApp).

Stickers para WhatsApp y Giphy
Creación de paquete con las imágenes de la exhibición para añadir a mensajes de WhatsApp para IOS o Android.

Tercera entrega – Sábado 5 diciembre, 2020 | 12:00
Archivo invitado: Entre minas
Ilustraciones de: Verónica Anaya, Malacara y Flavia Zorrilla Drago
Grupo multidisciplinario de mujeres artistas que nace con el objetivo de visibilizarse y reconocerse como creadoras creando una red de apoyo entre mujeres. Convergen distintas voces y acercamientos, resultando en colaboraciones, dinámicas de trabajo y organización que prioriza un diálogo horizontal con el fin de construir otras formas de producir experiencias desde la colectividad. Representan personajes femeninos que son protagonistas activas de sus propias narrativas utilizando la abstracción del cuerpo desnudo como un símbolo de resistencia y resiliencia.

Ilustradoras:

Verónica Anaya es una artista y animadora digital. Forma parte de Bismuto, un estudio creativo dedicado a la producción de animación, diseño e ilustración. Está interesada en experimentar con la combinación de técnicas de animación y video y los resultados únicos que traen consigo. Los cortometrajes de Bismuto han sido seleccionados en numerosos festivales de cine y han tenido el honor de ganar el premio al mejor cortometraje experimental en el Panamá Animation Festival.
+Info IG @veroanaya_c

Malacara. Utiliza líneas limpias, combinadas con degradados sobre fondo negro son la seña de identidad de esta ilustradora afincada en San Luís Potosí. Nieta de un pintor hiperrealista, supo desde niña que quería dedicarse al diseño; de hecho, comenzó como diseñadora gráfica y terminó siendo ilustradora.
+Info https://www.instagram.com/malacara_/

Flavia Zorrilla Drago. Autora de varios álbumes ilustrados maravillosos para niños de todas las edades. Flavia, es una apasionada de poder contar historias que conecten con personas a través de imágenes y palabras. Ha colaborado con editoriales como Combel (Ricitos de Oro), Petra (Dientes, Santo Remedio), Delete Dog (Balandra), la Secretaría de Cultura en México (Tolstoi) y Walker Books (Gustavo, the Shy Ghost).
+Info https://diafla.tumblr.com/

Mahoalli Nassourou alias ¨ Nneka Fotso¨( Châtenay-Malabry, Francia)
Lost in Trasnations, 2017
Técnica Performance y FotoPerformance
https://vimeo.com/246068672

La performance en vivo y el registro fotográfico que realiza Nassourou nos refiere a la cuestión del tránsito, del devenir, del pasaje, de la mutación y transformación de las identidades. En su performance, la problemática de la identidad se presenta como un interrogante más que como una afirmación: interrogante del origen, del destino, del tránsito que cruza lo físico con lo lingüístico y cultural, según sus expresiones.

Alejandra España (CDMX, 1982)
Verse vivir en el otro (De la serie: Secretos ocultos) 2015
Vinílica sobre muro
https://www.alejandraespana.com/projects

Secretos ocultos, responde a una exploración de formatos, a la instalación y al libro. La curiosidad incita a mover los 12 cuadros montados sobre un mural y develar los 12 secretos pintados debajo de ellos. Cada cuadro tiene su par. Las ilustraciones ocultas develan pistas sobre el sentido de la imagen que se le sobrepone. Este cuerpo de trabajo va en busca de los vínculos colectivos y la complicidad o el paralelismo entre cosmogonías que dan lugar a mitologías, metáforas y alegorías, símbolos creados para comprender la realidad, tanto del pasado como del presente en pos de una posible construcción del futuro.

Carla Lamoyi (Ciudad de México, 1990)
Bailarina Amateur, 2020
Escritura

Frase tomada del ensayo Bailarina Amateur de Carla Lamoyi que aborda desde su disfrute el baile como una forma de pensamiento y de aprendizaje y de una foto del registro de la pieza Antes de la playa está el mar, a cargo del Colectivo a.m., que se presentó inicialmente en el Centro de Cultura Digital en 2015. Nadia Lartigue además de ser bailarina y formar parte de este colectivo, algunas veces trabaja como dj en fiestas.

Fernanda Barreto, 1988
¿Me escuchas?, 2015
Técnica Intervención con 4 megáfonos de metal

¿Me escuchas? fue una intervención hecha en la arquitectura de Cráter Invertido, Ciudad de México. Cuatro megáfonos hechos de metal atravesaron las paredes del espacio proponiendo un diálogo entre el adentro y el afuera, entre el público y el privado. A lo largo de la exposición, la intervención fue activada de diferentes maneras.
http://cargocollective.com/fernandabarreto/Me-escuchas

Ana Gallardo (Rosario, Argentina)
Material descartable, 2000
Atados de perejil sobre pared
http://www.ruthbenzacar.com/artistas/ana-gallardo/#lg=1&slide=17

Instalación de manojos de perejil, hierba usada como instrumento para realizar abortos caseros y clandestinos entre mujeres de muy bajos recursos.

Carolina Alba (Ciudad de México, 1982)
Desviacionismo, 2020
Instalación con tuberías

Las problemáticas que enfrentamos por la escasez de agua y nuestra enorme dependencia a ella. En la parte inferior de la instalación queda visible el entramado de tuberías y sistemas manipulados.
https://carolinaalba.art/obras/desviacionismo/

Nuria Montiel (Ciudad de México, 1982)
Repite pero cambia

Este proyecto explora las tensiones que ocurren entre la repetición, la continuidad, la innovación y el cambio en la construcción colectiva del conocimiento y las tensiones entre prácticas tradicionales y su relación con el arte moderno y contemporáneo. Las piezas son mapas o jardines abstractos y codificados que entrelazan mi interés por los tejidos como textos que contienen un conocimiento sincrético. El cual echa raíces en el saber y la observación de la naturaleza de los pueblos indígenas mesoamericanos. Las formas estampadas sobre las telas y las piezas de adobe surgen de motivos florales y símbolos de fertilidad bordados y tejidos en las vestimentas tradicionales de estos pueblos. La obra de Anni Albers, Lygia Pape y Ana Mendieta han sido referentes importantes en el proceso.
http://www.mediosmultiples.mx/portfolio-item/nuria-montiel-2/l
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Monica Herrera Birmingham, Inglaterra, 1974
Frontera, 2008
Collage

Hecho de 200 anteojos graduados usados unidos entre sí dentro de una pared cortada, de tal manera que las personas puedan caminar alrededor y ver los anteojos desde ambos lados, mirar de diferentes maneras y con distintas graduaciones. Mirarse a través de la pieza.
https://monicaherreram.com/section/83262-Frontera.html
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Anamaya Farthing-Kohl
La Paz, Bolivia, 1988
Ubicua, 2019
Plástico y marco

Los marcos monumentalizan y conservan bolsas de plástico, llevando atención a su belleza como campos de color, objetos de arte y metas notables de la ingeniería. Ubicua es una oda al esplendor, tenacidad e inmortalidad de cada bolsa de plástico.
http://anamayafarthingkohl.com/ubiquitous
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Karla Leyva, Nuevo León, 1979
Antiguos Mitos, Nuevos Dioses (2020)
Técnica: Máscara Boom 2020, moldeador de glúteos, rebote de luz dorada

Profundizando en los usos de la fotografía y sus excesos, cuestiono los mecanismos de comunicación y convenciones estéticas que influyen en nuestra comprensión de la realidad. Nociones de identidad, ilusión, frustración y deseo están implícitas en los cuestionamientos que planteó, con lo cual propició el diálogo entre lo real y su representación, analizando la manera en que nos relacionamos con las cosas y sus imágenes.
https://vimeo.com/391853955
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María Cerdá Acebrón (Madrid, 1984)
Enciclopedia Miope. La brujería como forma primitiva de lucha de clases (El calibán y la bruja de Silvia Federici, 2004) 2019-2020
Transfer de collage impreso sobre imán
http://mariacerdaacebron.com

Enciclopedia miope es un proyecto en proceso que busca ser una traducción o interpretación libre de una enciclopedia como compendio del saber occidental. Funciona como un espacio de juego para reordenar el conocimiento a partir de las posibilidades visuales que contiene cada collage. Para establecer nuevas relaciones conceptuales que sirven para repensar las categorías construidas con respecto a convenciones socialmente aceptadas, como la construcción social del género, la historia, los códigos de conducta adquiridos o los programas educativos
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Bárbara Foulkes (Argentina 1982)
Ecos inquietos de la serie Dibujos coreográficos
Acuarela sobre papel de algodón

Tiempo de híbridos desde el bosque cibernético, surge como un intento de ampliar el registro de lo coreográfico. Si pensamos una coreografía para las plantas, tenemos que repensar la temporalidad de lo coreográfico, lo que implica desligarnos de un tiempo antropocéntrico. Una pieza de 5 horas de duración, pensada específicamente para contextos agrestes, realizada por ocho intérpretes que por un lado siguen un desplazamiento espacial casi imperceptible, por su distensión en el tiempo, y que por el otro ejercen un movimiento de caderas constante que enuncia ritmos evidentes. Un movimiento repetitivo, que se genera a partir de impulsos controlados que se transforman y reciclan, y que genera una atmósfera meditativa o incluso hipnótica en el espectador. Una especie de erotismo palpitante en el que las plantas cobran protagonismo frente a la monotonía de lo humano
www.barbarafoulkes.com

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Eunice Adorno (México 1982)
Coronela E. Echeverría de la serie Desandar
Impresión mimeográfica sobre caja de luz

Esta obra forma parte de Desandar y se compone de distintas acciones a raíz del uso del archivo: destellos, fragmentos, collages, y una serie de re apropiaciones y reinterpretaciones de documentos, de algunas mujeres liberales y anarquistas de inicio del Siglo XX.
www.euniceadorno.com
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Esthel Vogrig (Cividale del Friuli, 1978), en co-autoría con Nadia Lartigue y Juan Francisco Maldonado
Tiempo de híbridos desde el bosque cibernético, 2015
Performance Duracional

Tiempo de híbridos desde el bosque cibernético, surge como un intento de ampliar el registro de lo coreográfico. Si pensamos una coreografía para las plantas, tenemos que repensar la temporalidad de lo coreográfico, lo que implica desligarnos de un tiempo antropocéntrico. Una pieza de 5 horas de duración, pensada específicamente para contextos agrestes, realizada por ocho intérpretes que por un lado siguen un desplazamiento espacial casi imperceptible, por su distensión en el tiempo, y que por el otro ejercen un movimiento de caderas constante que enuncia ritmos evidentes. Un movimiento repetitivo, que se genera a partir de impulsos controlados que se transforman y reciclan, y que genera una atmósfera meditativa o incluso hipnótica en el espectador. Una especie de erotismo palpitante en el que las plantas cobran protagonismo frente a la monotonía de lo humano
https://vimeo.com/153278579
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Paola De Anda (ex-DF, 1979)
Otros ritmos son posibles (Lado “b” del proyecto “Lo siempre vivo), 2010
Instalación (arte-vida)

Lo siempre vivo, 2010, es un proyecto sobre la coexistencia temporal con ritmos distintos a los de la especie humana, en este caso de tubérculos en germinación. El proyecto tuvo dos momentos, el de la exhibición que consistió en una instalación (lado a), y un proceso previo en el que conviví con estos organismos por un tiempo, cohabitando el mismo espacio (lado b). La imagen que aquí presento forma parte de este segundo momento.


¿Cuándo?
Sábado 5 de diciembre, 2020 | 12:00

¿Dónde?
Disponibles para descarga en: Sticker.ly y https://giphy.com/

Artes escénicas
Festivo ritual colectivo que retoma antiguos saberes y experiencias contemporáneas para construir un juego sorpresivo entre lo humano y lo animal. Las bestias (títeres experimentales que se arman frente al espectador y se desplazan por el espacio), se acompañan por músicos locales y titiriteros profesionales que lideran una gran manada de niños y jóvenes que con cantos, máscaras y criaturas creadas por ellos mismos que culminan en una potente fiesta animal.

Colaboración: FONCA y La liga. Teatro elástico
Explanada

Tocada coreográfica
Proyecto en colaboración con la banda Mixanteña de Santa Cecilia
Dirección: Katia Castañeda
Asistente: Gibran Valencia

Proyecto que pretende vincular el movimiento, la música y los distintos cuerpos en una tocada coreográfica. Destacar los saberes y sensibilidades de la banda Mixanteña de Santa Cecilia con la intención de abrir espacios de reflexión acerca de los significados de lo tradicional en un mundo globalizado.

Mixanteña de Santa Cecilia es una banda de viento formada en el 2011, integrada por ocho personas de diversas formaciones además de la música. La instrumentación respeta el estilo de la costa y costa-montaña de Guerrero, que consta de trombón, tuba y trompetas, acompañados de tarola, timbales y tambora. Una de las labores fundamentales del grupo es dar a conocer la música y la cultura de los pueblos originarios a través de su experiencia y hacer una labor de participación e integración con la comunidad. La banda se ha presentado en distintos espacios: Fonoteca Nacional, Radio Educación, Instituto Mexicano de la Radio, Museo Nacional de Culturas Populares, Son para Milo, Museo de la Ciudad, entre otros. También participó en el encuentro de bandas de Tlayacapan, en el Festival Cuexcomate en Morelos y en el Festival de Aguascalientes. En el extranjero, se presentó en la Sala Zitarrosa, Uruguay; en el Teatro Municipal de Santa Fe y en el Carnaval Mil Tambores en Chile.

Katia Castañeda es creadora, performer y docente. Se interesa en explorar, accionar y proponer relaciones expansivas con el cuerpo/movimiento y conformar equipos de trabajo diversos. Trabaja de manera independiente colaborando con distintos grupos y personas: Galia Eibenschutz, Daniel Lara, Nadia Lartigue, Natalia Castaneira, Barbara Foulkes, Mauricio Ascencio, Mixanteña de Santa Cecilia, Compañía Quiatora Monorriel, Compañía Teatro de Ciertos Habitantes, entre otros. Fue becaría del programa Jóvenes Creadores 2009-2010 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Artista en Residencia en Movement Research, New York 2012-2014 y realizó el diplomado ¿Cómo encender un fósforo? Prácticas de investigación, coreografía, danza y performance 2017-2018.


Explanada

Artes escénicas
Autor y dirección: Nicolás Núñez
Con: Arcelia Tinoco, Nicolás Núñez, Ana Luisa Solís y Jorge Zepeda
Taller de Investigación Teatral UNAM

En la intimidad, todos estamos ateridos, aterrados, muriéndonos de miedo al intuir que, de ahora en adelante, tendremos que aprender a vivir a la intemperie porque el techo y cobijo que nos dieron todas las ideologías, las filosofías políticas y religiosas han fracasado estruendosamente. No nos queda más remedio que asumir nuestro rito/personal y buscarle acomodo y paz a nuestra conciencia, en medio de una turbulencia existencial que tiene signos de muerte total.

Colaboración: Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA)


Sala Rosario Castellanos
Entrada libre, cupo limitado

Artes escénicas
Autor y dirección: Nicolás Núñez
Con: Arcelia Tinoco, Nicolás Núñez, Ana Luisa Solís y Jorge Zepeda
Taller de Investigación Teatral UNAM

En la intimidad, todos estamos ateridos, aterrados, muriéndonos de miedo al intuir que, de ahora en adelante, tendremos que aprender a vivir a la intemperie porque el techo y cobijo que nos dieron todas las ideologías, las filosofías políticas y religiosas han fracasado estruendosamente. No nos queda más remedio que asumir nuestro rito/personal y buscarle acomodo y paz a nuestra conciencia, en medio de una turbulencia existencial que tiene signos de muerte total.

Colaboración: Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA)


Sala Rosario Castellanos
Entrada libre, cupo limitado

Tocada coreográfica
Proyecto en colaboración con la banda Mixanteña de Santa Cecilia
Dirección: Katia Castañeda
Asistente: Gibran Valencia

Proyecto que pretende vincular el movimiento, la música y los distintos cuerpos en una tocada coreográfica. Destacar los saberes y sensibilidades de la banda Mixanteña de Santa Cecilia con la intención de abrir espacios de reflexión acerca de los significados de lo tradicional en un mundo globalizado.

Mixanteña de Santa Cecilia es una banda de viento formada en el 2011, integrada por ocho personas de diversas formaciones además de la música. La instrumentación respeta el estilo de la costa y costa-montaña de Guerrero, que consta de trombón, tuba y trompetas, acompañados de tarola, timbales y tambora. Una de las labores fundamentales del grupo es dar a conocer la música y la cultura de los pueblos originarios a través de su experiencia y hacer una labor de participación e integración con la comunidad. La banda se ha presentado en distintos espacios: Fonoteca Nacional, Radio Educación, Instituto Mexicano de la Radio, Museo Nacional de Culturas Populares, Son para Milo, Museo de la Ciudad, entre otros. También participó en el encuentro de bandas de Tlayacapan, en el Festival Cuexcomate en Morelos y en el Festival de Aguascalientes. En el extranjero, se presentó en la Sala Zitarrosa, Uruguay; en el Teatro Municipal de Santa Fe y en el Carnaval Mil Tambores en Chile.

Katia Castañeda es creadora, performer y docente. Se interesa en explorar, accionar y proponer relaciones expansivas con el cuerpo/movimiento y conformar equipos de trabajo diversos. Trabaja de manera independiente colaborando con distintos grupos y personas: Galia Eibenschutz, Daniel Lara, Nadia Lartigue, Natalia Castaneira, Barbara Foulkes, Mauricio Ascencio, Mixanteña de Santa Cecilia, Compañía Quiatora Monorriel, Compañía Teatro de Ciertos Habitantes, entre otros. Fue becaría del programa Jóvenes Creadores 2009-2010 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Artista en Residencia en Movement Research, New York 2012-2014 y realizó el diplomado ¿Cómo encender un fósforo? Prácticas de investigación, coreografía, danza y performance 2017-2018.


Explanada

 

Con Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol (España)

¿Y por qué John Cage? Es una performance sobre sonido y significado en un discurso dado. El poder del sonido de las palabras. Sonido como estructura, como dinámica que viaja. Discurso sensorial y no significativo. No queremos significar, al contrario, queremos de-significar para adentrarnos en el terreno de lo sensitivo, de lo relacional, de lo perceptivo y de lo corpóreo. En esta performance, el discurso puede ser cualquier discurso. No es importante lo que decimos sino cómo lo decimos, qué herramientas musicales y coreográficas utilizamos para destrozar el texto y sumergirnos en el trabajo del intérprete sugiriendo y surfeando por las olas del imaginario.

Jorge Dutor: Escenógrafo/Artista Escénico (Madrid 1979) .Ingresa en la Real Escuela superior de Arte Dramático de Madrid para estudiar Escenografía en 1999. Durante dos años consecutivos colabora con el master de la Midlelsex University sobre plástica y performing arts. Después de una intensa experiencia en el campo del teatro empieza a alternar esta faceta con la de director artístico y coreógrafo en eventos de moda tales como El Ego de la Pasarela Cibeles, el Mustang Fashion Weekend del Festival Internacional de Benicassim o el festival 06. de jóvenes creadores de la Comunidad de Madrid. Desde el 2003 dedica su tiempo libre a remover la escena underground programando eventos y festivales, participando como dj y performer y recoriendo la peninsula y parte de Europa organizando fiestas como agitador cultural. En 2008 se traslada a Amsterdam donde engancha con la escena de la danza contemporánea y colabora como escenógrafo, performer y cocreador con distintos coreógrafos emergentes de la escena europea.

Guillem Mont de Palol: Coreógrafo/bailarín y Performer (Gerona 1978). Después de diplomarse en Magisterio Musical por la UAB y terminar sus estudios musicales en el Conservatori Municipal de Grau Mitjà de Sabadell en 2001 se traslada a Amsterdam donde se gradua en la School for New Dance Developement en 2006. A partir de esa fecha empieza a trabajar como creador y bailarín freelance para otros coreógrafos como Xavier le Roy, Andrea Bozic, Mette Ingvartsen, Min Tanaka, Nora Helman o Vincent Dunoyer entre otros. Sobre su propio trabajo Guillem ha hecho varias piezas en casa productoras de Holanda. Atísticamente está interesado en los proyectos de invstigación, los proceos creativos y las colaboraciones con otras disciplinas en relación al cuerpo, el tiempo, el espacio y el humor.

¿Y por qué John Cage? se presenta en el marco del Festival PLURAL, una unión entre TRANSVERSALES #21 & FESTIVAL4X4 #11. Este proyecto celebra el encuentro de estos dos festivales únicos de la escena contemporánea mexicana con el objetivo de desplegar una serie de actividades que cultiven prácticas de pensamiento, pedagógicas y escénicas de lo singular y por consecuencia lo libre. PLURAL comprende más de 25 actividades en donde participarán artistas de España, Uruguay, Argentina, Colombia y México. PLURAL defiende el deseo, el pensamiento propio y sensible, la libertad de práctica y la experimentación.

Colaboración: Festival Plural con el soporte de:
*Proyecto BI de la Fundación BBVA 2019.
*Programa IBERESCENA.
*Proyecto apoyado por el Programa de Internacionalización para la Cultura Española PICE de Acción Cultural Española AC-E en su movilidad de movilidad.
“Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes”


Sala Rosario Castellanos

Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM/ DAJU

Dirección artística: Andrea Chirinos

Impulsada por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección de Danza, la compañía pretende ser un espacio de perfeccionamiento y experimentación para los bailarines jóvenes que estén en proceso de integrarse al ámbito profesional.

Entre los principales objetivos de la nueva agrupación se encuentran: activar los distintos espacios de representación programados por la Dirección de Danza dentro y fuera del campus universitario, con una propuesta de funciones diseñada de acuerdo a objetivos artísticos concretos que busquen expandir la mirada sobre la danza y la coreografía, actualizar al espectador universitario y el público en general y propiciar la reflexión, el debate y el análisis en torno a la danza actual y sus múltiples vías de expresión.

Desviaciones Estándar
Programa compuesto de tres coreografías: un resultado de la residencia artística de Igor & Moreno con la compañía; y dos de su directora, Andrea Chirinos (Recuerdos desorientados y PRISINCOL recreación).

PROGRAMA

Recuerdos desorientados / Andrea Chirinos / duración 15 min.
A partir del auto retrato performático e historias personales, como método de creación de movimiento se crean configuraciones espaciales donde un vapor desorientador de la conciencia toma un viaje que significa alejarse de la superficie para encontrarse con lo lúdico y lo incomprensible de los recuerdos.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Cristina López | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano |

Igor x Moreno / duración 25 min.
El montaje es el resultado de una residencia donde comparten los procesos creativos de sus últimos años… “Invocan la técnica y la manía, el juicio y la imaginación para negociar el espacio del entre y más allá, colectivo e individual, previo y sin precedentes, tradición e invención, gobierno y exceso. La resistencia y la fatiga son las formas de reclamar un espacio para la individualidad y la solidaridad.” Daniela Perazzo.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

 

P R I S I N C O L recreación / Andrea Chirinos y Octavio Danigno / 7 min.

Recreando el vídeo de Prisencolinensinainciusol de Adriano Celentano & Rafaela. Carra y tomando el audio de la película de una película italiana se busca habitar la sensibilidad de otra época.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

Créditos
Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM
Dirección Danza UNAM: Evoé Sotelo
Dirección Artística DAJU: Andrea Chirinos
Asistente Dirección Artistica DAJU: Rocío Gutiérrez

Bailarines de DAJU: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

Colaboración: Dirección de Danza UNAM

Explanada

Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM/ DAJU

Dirección artística: Andrea Chirinos

Impulsada por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección de Danza, la compañía pretende ser un espacio de perfeccionamiento y experimentación para los bailarines jóvenes que estén en proceso de integrarse al ámbito profesional.

Entre los principales objetivos de la nueva agrupación se encuentran: activar los distintos espacios de representación programados por la Dirección de Danza dentro y fuera del campus universitario, con una propuesta de funciones diseñada de acuerdo a objetivos artísticos concretos que busquen expandir la mirada sobre la danza y la coreografía, actualizar al espectador universitario y el público en general y propiciar la reflexión, el debate y el análisis en torno a la danza actual y sus múltiples vías de expresión.

Desviaciones Estándar
Programa compuesto de tres coreografías: un resultado de la residencia artística de Igor & Moreno con la compañía; y dos de su directora, Andrea Chirinos (Recuerdos desorientados y PRISINCOL recreación).

PROGRAMA

Recuerdos desorientados / Andrea Chirinos / duración 15 min.
A partir del auto retrato performático e historias personales, como método de creación de movimiento se crean configuraciones espaciales donde un vapor desorientador de la conciencia toma un viaje que significa alejarse de la superficie para encontrarse con lo lúdico y lo incomprensible de los recuerdos.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Cristina López | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano |

Igor x Moreno / duración 25 min.
El montaje es el resultado de una residencia donde comparten los procesos creativos de sus últimos años… “Invocan la técnica y la manía, el juicio y la imaginación para negociar el espacio del entre y más allá, colectivo e individual, previo y sin precedentes, tradición e invención, gobierno y exceso. La resistencia y la fatiga son las formas de reclamar un espacio para la individualidad y la solidaridad.” Daniela Perazzo.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

 

P R I S I N C O L recreación / Andrea Chirinos y Octavio Danigno / 7 min.

Recreando el vídeo de Prisencolinensinainciusol de Adriano Celentano & Rafaela. Carra y tomando el audio de la película de una película italiana se busca habitar la sensibilidad de otra época.

Bailarines: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

Créditos
Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM
Dirección Danza UNAM: Evoé Sotelo
Dirección Artística DAJU: Andrea Chirinos
Asistente Dirección Artistica DAJU: Rocío Gutiérrez

Bailarines de DAJU: Alexis Alatriste | Emoé Ruiz del Sol | Tifanny Fierro | Cristina López | Agustín Martínez | Karen Martínez | Fernando Morales | Odalis Retano | Melanie Robles | Jimena Valadez | Tomás Reyes | Marisol Xochihua | Samantha Torres | Isaid Corona | Yumana Tannous |

Colaboración: Dirección de Danza UNAM

Explanada

Residencia de creación, taller y gira en México con Noriko Kato (Japón), Iván Ontiveros (México) y Benyam Seifu (Etiopía/Australia)

Proyecto pedagógico y dancístico que integra las capacidades creativas de tres artistas con nacionalidades diferentes para generar una pieza coreográfica con perspectiva global sobre lo que el cuerpo representa en términos de lo colectivo y de lo individual. Es el resultado de tres residencias dirigidas a elaborar una definición del concepto “cuerpo anónimo” como plataforma de creatividad y de diálogo.

Noriko Kato, Benyam Seifu e Iván Ontiveros trabajan con la idea de elaborar una plataforma de creatividad y de diálogo en distintos países y entornos sociales con la intención de entender y explorar al individuo en sociedad.

En el 2018 se empezó a trabajar con una residencia de creación artística donde se imparte un taller de danza para adolescentes en la Ciudad de México y Monterrey. Durante este periodo se integra al equipo creativo Benyam Seifu (Etiopia/Australia) teniendo como resultado de estas dos actividades piezas de danza inspiradas en las actividades de su entorno, tradiciones y costumbre de cada lugar. La segunda residencia de creación artística se desarrolló en Japón en la ciudad de Hirosaki y la tercera residencia artística sucedió en la comunidad de la presa de San Franco en el estado de Guanajuato en septiembre de este año.

Después de una gira por el país, The Anonymous Body cierra sus presentaciones en México con una residencia de dos semanas en Casa del Lago exponiendo los resultados, además de un programa en el cual se invitó a artistas nacionales y extranjeras para expandir el concepto de la anonimidad el cual se traduce a cuatro presentaciones en un evento conformado principalmente por mujeres y artistas LGBTTTIQ.

El proyecto es apoyado por la fundación Japón en México y por el fideicomiso fondo de la amistad México-Japón 2019 de la Secretaría de Educación Pública.

Ceremonia del té tradicional japonesa
Impartida por Noriko Kato
Momento íntimo para que los participantes puedan compartir con la artista Noriko Kato dulces tradicionales y la forma clásica de servir té matcha. Durante la ceremonia, se requiere que los participantes se despojen de sus pertenencias para que puedan tener una experiencia inmersiva y contemplativa.
Sala José Emilio Pacheco | 13:30 (sesiones de 20 minutos)
Entrada libre, cupo limitado

• Performance con Sofía Moreno, invitada especial: Victoria Moctezuma
Pérgola | 16:00

Sofía Moreno (Coahuila, México) vive y trabaja en Chicago y CDMX. Es una artista multidisciplinaria que recientemente se desarrolla en diferentes proyectos como una ponencia sobre el cuerpo y la mitología del glamour, como terminando su proyecto de ocho años: P o r n A g a i n. Actualmente tiene una residencia en el proyecto S+S en la CDMX. Su trabajo ha sido exhibido en el S+S project en San Francisco, Housing en NY, en el Defibrilator en Chicago y en Artspace en CDMX por nombrar algunos. Ella ha participado en múltiples exposiciones colectivas en Berlín, Copenhague, Amsterdam y a lo largo de los EEUU, para nombrar algunos.

• Performance con Malitzin Cortés
Explanada | 17:00

Paisaje sonoro mediante código, hecho con sonidos generados del acto se textear. Pensando en el anonimato desde los rituales contemporáneos de despersonalización que estas acciones producen.

Malitzin Cortés (CNDSD) músico, artista multimedia y programadora. Adopta la transdisciplina y tecnología en las prácticas transmedia contemporáneas. Su trabajo se desarrolla entre el live coding, live cinema, instalación, animación 3D, VR, arte generativo, diseño sonoro, música experimental y arte sonoro. Ha realizado actos en vivo y exposiciones en Centro Multimedia, Laboratorio de Arte Alameda, Ex-teresa arte Actual, Centro de Cultural Digital, Medialab Prado, Centro Cultural España, CMMAS, Vorspiel, Spektrum Berlín y en festivales internacionales de arte sonoro y música experimental como la Conferencia Internacional de Live Coding, Transpiksel, Aural, Transmediale Berlín, Asian Culture Center Corea, Simposio Internacional de Arte Electrónico, MUTEK México y Montreal.

• The Anonymous Body Project México + Iván Núñez
Residencia de creación, taller y gira en México
Con Noriko Kato, Iván Ontiveros y Benyam Seifu | danza y música
Sala Rosario Castellanos | 18:30
Entrada libre, cupo limitado

Ivan Nuñez (México) Músico, compositor y arreglista. Estudió en la escuela de música Cardenal Miranda, en la Escuela Superior de Música del INBA y en clases particulares con Enrique Nery. Durante su carrera como músico ha desarrollado varios proyectos contemporáneos que se centran en el funk, soul, latin y jazz. Ha participado con artistas nacionales reconocidos a lo largo del continente y últimamente en programas de TV como la Voz México. Recientemente abrió su propio estudio de grabación y está decidido a producir música que haga a la gente bailar.

Noriko KATO (Hirosaki, Aomori. Japón)
Artista de danza independiente y fundadora de Dance-tect. Nació en el norte de Japón en Hirosaki-shi, Aomori-ken. Comenzó su trabajo como artista de danza independiente en Köln, Alemania (2003 – 2005).
En 2005, Noriko lanzó la unidad de danza D ance-tect y desde el 2007 Dance-tect deja de ser una unidad de danza, para convertirse en un centro colectivo de proyectos de arte escénico. El proyecto reúne artistas independientes por proyecto a nivel nacional e internacional con el objetivo de exhibir directamente desde el norte de Japón al mundo. Dentro del proyecto Noriko es intérprete, directora y curadora. Las colaboraciones internacionales más recientes han sido con países como Italia, Suecia, España, Finlandia, Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, Tailandia y Dinamarca por nombrar algunos.
Como artista de danza independiente, Noriko ha sido invitada a diez semanas de residencia en al’abordage ART Project recorriendo Bangkok, Manila, Kioto y Tokio con 7 miembros de diferentes países en 2006. En 2008 apareció en una película documental de danza de la bailarina / coreógrafa finlandesa Nina Sari Palmgren Connective Pattern (2015).

Iván de Jesús Ontiveros Ontiveros (Monterrey, México)
A sus 18 años inició una licenciatura en Danza Contemporánea en la Universidad Autónoma de Nuevo León de la cual egresó con Reconocimiento a la Excelencia Profesional en el 2007. Su labor se extiende desde la dirección, coreografía y escenografía. También ha colaborado con coreógrafos mexicanos e internacionales como Nadia Lartigue, Katia Castañeda, Mijail Rojas, Noriko Kato, Gerard Moster y Susan Kempster. De sus participaciones como intérprete protagonista más importantes se destaca la obra Amarillo de la compañía Teatro Línea de Sombra con la cual se presentó en la ciudad de Múnich, Alemania, y en San José de Rio Preto en Brasil en año 2015. Su más reciente obra Esta Puta Nostalgia participó en la Muestra Nacional de Teatro en la ciudad de Aguascalientes el 2015. Ha colaborado como decorador de arte y escenógrafo para las últimas producciones cinematográficas del dramaturgo Luis Alyón. Su más reciente obra como director Elena 68 se estrenó en el presente año.

Benyam Seifu (Australia/Ethiopía) Benyam Seifu, nacido en Etiopía y crecido en Melbourne Australia, es un guitarrista, productor, artista experimental que busca en los terrenos de toda especie, sonidos alternativos y ‘outsider’, yendo desde la cultura pop hasta la tradicional sin dejar de lado los sonidos y fusiones experimentales sin género. Formado por sus estancias y viajes en varios países en el mundo, se basa actualmente en México donde he participado y colaborado en un basto número de proyectos musicales, teatrales y dancísticos con artistas locales desde el año 2011.

The Anonymous Body Project México
Residencia de creación, taller y gira en México
Con Noriko Kato (Japón), Iván Ontiveros (México) y Benyam Seifu (Etiopía/Australia)

Proyecto pedagógico y dancístico que integra las capacidades creativas de tres artistas con nacionalidades diferentes para generar una pieza coreográfica con perspectiva global sobre lo que el cuerpo representa en términos de lo colectivo y de lo individual. Es el resultado de tres residencias dirigidas a elaborar una definición del concepto “cuerpo anónimo” como plataforma de creatividad y de diálogo.

Noriko Kato, Benyam Seifu e Iván Ontiveros trabajan con la idea de elaborar una plataforma de creatividad y de diálogo en distintos países y entornos sociales con la intención de entender y explorar al individuo en sociedad.

En el 2018 se empezó a trabajar con una residencia de creación artística donde se imparte un taller de danza para adolescentes en la Ciudad de México y Monterrey. Durante este periodo se integra al equipo creativo Benyam Seifu (Etiopia/Australia) teniendo como resultado de estas dos actividades piezas de danza inspiradas en las actividades de su entorno, tradiciones y costumbre de cada lugar. La segunda residencia de creación artística se desarrolló en Japón en la ciudad de Hirosaki y la tercera residencia artística sucedió en la comunidad de la presa de San Franco en el estado de Guanajuato en septiembre de este año.

Después de una gira por el país, The Anonymous Body cierra sus presentaciones en México con una residencia de dos semanas en Casa del Lago exponiendo los resultados, además de un programa en el cual se invitó a artistas nacionales y extranjeras para expandir el concepto de la anonimidad el cual se traduce a cuatro presentaciones en un evento conformado principalmente por mujeres y artistas LGBTTTIQ.

El proyecto es apoyado por la fundación Japón en México y por el fideicomiso fondo de la amistad México-Japón 2019 de la Secretaría de Educación Pública.

The Anonymous Body Project México + Malitzin Cortés
Residencia de creación, taller y gira en México
Con Noriko Kato, Iván Ontiveros y Benyam Seifu | danza y música

Noriko KATO (Hirosaki, Aomori. Japón)
Artista de danza independiente y fundadora de Dance-tect. Nació en el norte de Japón en Hirosaki-shi, Aomori-ken. Comenzó su trabajo como artista de danza independiente en Köln, Alemania (2003 – 2005).
En 2005, Noriko lanzó la unidad de danza D ance-tect y desde el 2007 Dance-tect deja de ser una unidad de danza, para convertirse en un centro colectivo de proyectos de arte escénico. El proyecto reúne artistas independientes por proyecto a nivel nacional e internacional con el objetivo de exhibir directamente desde el norte de Japón al mundo. Dentro del proyecto Noriko es intérprete, directora y curadora. Las colaboraciones internacionales más recientes han sido con países como Italia, Suecia, España, Finlandia, Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, Tailandia y Dinamarca por nombrar algunos.
Como artista de danza independiente, Noriko ha sido invitada a diez semanas de residencia en al’abordage ART Project recorriendo Bangkok, Manila, Kioto y Tokio con 7 miembros de diferentes países en 2006. En 2008 apareció en una película documental de danza de la bailarina / coreógrafa finlandesa Nina Sari Palmgren Connective Pattern (2015).

Iván de Jesús Ontiveros Ontiveros (Monterrey, México)
A sus 18 años inició una licenciatura en Danza Contemporánea en la Universidad Autónoma de Nuevo León de la cual egresó con Reconocimiento a la Excelencia Profesional en el 2007. Su labor se extiende desde la dirección, coreografía y escenografía. También ha colaborado con coreógrafos mexicanos e internacionales como Nadia Lartigue, Katia Castañeda, Mijail Rojas, Noriko Kato, Gerard Moster y Susan Kempster. De sus participaciones como intérprete protagonista más importantes se destaca la obra Amarillo de la compañía Teatro Línea de Sombra con la cual se presentó en la ciudad de Múnich, Alemania, y en San José de Rio Preto en Brasil en año 2015. Su más reciente obra Esta Puta Nostalgia participó en la Muestra Nacional de Teatro en la ciudad de Aguascalientes el 2015. Ha colaborado como decorador de arte y escenógrafo para las últimas producciones cinematográficas del dramaturgo Luis Alyón. Su más reciente obra como director Elena 68 se estrenó en el presente año.

Benyam Seifu (Australia/Ethiopía) Benyam Seifu, nacido en Etiopía y crecido en Melbourne Australia, es un guitarrista, productor, artista experimental que busca en los terrenos de toda especie, sonidos alternativos y ‘outsider’, yendo desde la cultura pop hasta la tradicional sin dejar de lado los sonidos y fusiones experimentales sin género. Formado por sus estancias y viajes en varios países en el mundo, se basa actualmente en México donde he participado y colaborado en un basto número de proyectos musicales, teatrales y dancísticos con artistas locales desde el año 2011.


Sala 5

*La programación seguirá el día sábado.

Artes escénicas
Dirección: Benito González
Con Guillermo Aguilar, Fausto Jijón Quelal, Jorge Motel, Gisela Olmos, Inti Santamaría y Bryant Solís
Música: Esplendor Geométrico

González se centra en la música industrial para desarrollar una danza primitiva e insistente que parte del movimiento y la potencia de las máquinas y se mezcla con la energía tribal y los rituales evangélicos, para generar un neotribalismo industrial, donde ritmos mecánicos, como mantras, inducen al trance.


Foro Arreola

Thomas Ostermeier | Alemania | 2015 | 150 minutos
De William Shakespeare
Con comentarios de David Gaitán
*Proyección con subtítulos en inglés


Deforme, cojo y jorobado, Ricardo se deshace de todo lo que le impide ser rey para controlar una sociedad de la que no puede formar parte. Esta obra se estrenó hacia 1593, y hasta hoy el personaje del título no ha perdido nada de su fascinación. Su poder de seducción reside precisamente en su desenfrenada y lujuriosa amoralidad.


Sala Rosario Castellanos

Artes escénicas
Dirección: Benito González
Con Guillermo Aguilar, Fausto Jijón Quelal, Jorge Motel, Gisela Olmos, Inti Santamaría y Bryant Solís
Música: Esplendor Geométrico

González se centra en la música industrial para desarrollar una danza primitiva e insistente que parte del movimiento y la potencia de las máquinas y se mezcla con la energía tribal y los rituales evangélicos, para generar un neotribalismo industrial, donde ritmos mecánicos, como mantras, inducen al trance.


Foro Arreola

Dirección: Thomas Ostermeier | Alemania | 2012 | 150 minutos
De Henrik Ibsen
Con comentarios de David Gaitán
*Proyección con subtítulos en inglés


Un médico descubre que el agua curativa de la ciudad está mezclada con microorganismos patógenos ya que las tuberías pasan por una zona contaminada. El drama de Ibsen se mueve entre la iluminación y el fanatismo. ¿Qué oportunidades tiene la verdad en una sociedad materialista?


Sala Rosario Castellanos

Artes escénicas

LOStheULTRAMAR (Premio Nacional de Danza INBA-UAM-UNAM 2012) es una obra que propone hacer una arqueología de lo humano en varios sentidos, al compartir, confrontar y establecer el diálogo de todo ser con respecto a otro, al compañero, al colectivo, a lo existente, a los espacios, al bosque, a la calle, al edificio, a la ciudad.

Así, caminan LOStheULTRAMAR y recorren el mundo y sus espacios. Su identidad se remonta a lo tribal, al gusto por congregarse para festejar la vida a pesar de los males del mundo y sobrevivir a estos. El gran tocado que portan simboliza la industrialización, al tiempo que conversa con diversas estéticas. En cada lugar que visitan establecen un diálogo con la arquitectura local para producir un efecto inquietante en el entorno. 

LOStheULTRAMAR bailan y comparten este acto con el público, con el amigo o con el ciudadano común y generan así una experiencia singular en los observadores. 

Foco alAire Producciones se funda en 1999 como una compañía cuyo trabajo creativo se sustenta en la reflexión y el cuestionamiento de la representación escénica y el papel que en ella juega el lenguaje del cuerpo. La escena se convierte en una especie de texto abierto para vincularse de manera directa con el público. Se busca la conexión profunda entre el fondo y la forma dentro del proceso creativo y se recurre a elementos diversos del arte contemporáneo. Para sus directores, Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy , el arte escénico consiste en generar un suceso que exprese sus ideas e inquietudes. Este es uno de sus hitos cardinales. Coinciden en su gusto por el arte y lo amalgaman en sus propuestas. Cada pieza es un riesgo que toman desde una estética rigurosa como punto de partida: el gesto, el dominio corporal y la interpretación son abordados con precisión. 

Merecedora de premios y reconocimientos a nivel nacional e internacional, la compañía Foco alAire se ha presentado en Alemania, Japón, Holanda, México, Argentina y Colombia.     

*Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes


Sábado 5 de octubre
Explanada | 14:30

Teatro
De Eugène Ionesco adaptación libre)(
Directores: Belén Aguilar, Servando Ramos y Compañía Monos Teatro
La obra se estrenó en 1950 y es una de las más representativas del siglo XX y del “teatro del absurdo”. Esta lectura dramatizada de un texto emblemático en la historia de la Casa del Lago corre a cargo de tres representantes de la nueva generación de directores en nuestro país; el elenco está integrado por estudiantes del Centro Universitario de Teatro.
Colaboración: Centro Universitario de Teatro UNAM (CUT)


Vestíbulo, Salas Rosario Castellanos y José Emilio Pacheco | 20:30
Entrada libre, cupo limitado

De Thilo Reffert
Dirección: Camila Aguirre y Jorge Reza
Cinco comediantes, cuatro taburetes y dos mamparas se desplazan de manera lúdica sobre el escenario para contar la historia de tres niños que se hacen amigos gracias a la comprensión y aceptación de sus diferencias. Esta obra para todo público reflexiona sobre la inclusión, desde un punto de vista social pero también de política educativa.
Colaboración: Circonciente


Foro Arreola
Entrada libre

De Thilo Reffert
Dirección: Camila Aguirre y Jorge Reza
Cinco comediantes, cuatro taburetes y dos mamparas se desplazan de manera lúdica sobre el escenario para contar la historia de tres niños que se hacen amigos gracias a la comprensión y aceptación de sus diferencias. Esta obra para todo público reflexiona sobre la inclusión, desde un punto de vista social pero también de política educativa.
Colaboración: Circonciente


Foro Arreola
Entrada libre

Teatro
Carro de comedias:
Dirección: Jesús Díaz

A partir de un desmayo se suscita una cadena de enredos en la que todos se ven atacados por los celos. Cuando el nudo parece irresoluble, la intervención de uno de los personajes femeninos da claridad y resolución al entuerto.

Colaboración: Carro de comedias, Teatro UNAM


Explanada

Teatro
Carro de comedias:
Dirección: Jesús Díaz

A partir de un desmayo se suscita una cadena de enredos en la que todos se ven atacados por los celos. Cuando el nudo parece irresoluble, la intervención de uno de los personajes femeninos da claridad y resolución al entuerto.

Colaboración: Carro de comedias, Teatro UNAM


Explanada

Grupo XIX de Teatro (Brasil)
Dirección: Luiz Fernando Marques
A finales del siglo XIX, en las dependencias de un hospicio femenino carioca, cinco internas diagnosticadas como histéricas revelan sus desviaciones y contradicciones, reflejos directos de una sociedad en transición donde los valores burgueses buscaban adecuar a la mujer a un nuevo pacto social.
Colaboración: MUAC-UNAM


Sala Rosario Castellanos
Entrada libre

Grupo XIX de Teatro (Brasil)
Dirección: Luiz Fernando Marques
A finales del siglo XIX, en las dependencias de un hospicio femenino carioca, cinco internas diagnosticadas como histéricas revelan sus desviaciones y contradicciones, reflejos directos de una sociedad en transición donde los valores burgueses buscaban adecuar a la mujer a un nuevo pacto social.
Colaboración: MUAC-UNAM


Sala Rosario Castellanos
Entrada libre

Grupo XIX de Teatro (Brasil)
Dirección: Luiz Fernando Marques
A finales del siglo XIX, en las dependencias de un hospicio femenino carioca, cinco internas diagnosticadas como histéricas revelan sus desviaciones y contradicciones, reflejos directos de una sociedad en transición donde los valores burgueses buscaban adecuar a la mujer a un nuevo pacto social.
Colaboración: MUAC-UNAM


Sala Rosario Castellanos
Entrada libre

Grupo XIX de Teatro (Brasil)
Dirección: Luiz Fernando Marques
A finales del siglo XIX, en las dependencias de un hospicio femenino carioca, cinco internas diagnosticadas como histéricas revelan sus desviaciones y contradicciones, reflejos directos de una sociedad en transición donde los valores burgueses buscaban adecuar a la mujer a un nuevo pacto social.
Colaboración: MUAC-UNAM


Sala Rosario Castellanos
Entrada libre