Etiqueta: Artes digitales

(In)quietud
de Fernanda del Monte (MX)
ARTES DIGITALES
Experiencia inmersiva digital que construye un imaginario actualizado y surreal sobre las ciudades, específicamente la CDMX. En un recorrido interactivo visual, sensorial y sonoro, invita al usuario a ser el único espectador de una ciudad solitaria, donde parece que los cuerpos se han vuelto eco de lo que fueron y son, y donde encontrará la quietud para contemplar la potencia humana y la no humana de los espacios que habitamos.

Fernanda del Monte
Dirección, producción, textos, conceptualización y experiencia de usuario
Escritora, dramaturga, creadora interdisciplinaria. Su quehacer está enfocado en el cruce entre literatura, dramaturgia y digitalidad, específicamente a través del desarrollo conceptual de “dramaturgias maquinales”. Sus líneas de investigación se relacionan con el análisis de textualidades en el campo de las artes escénicas y performativas y con la escritura como cuerpo, como expansión de una experiencia corpórea y performativa, que deviene en piezas digitales, dramaturgias, libros, textos, recorridos, procesos y laboratorios. Sus piezas, textos y laboratorios se han presentado en Canadá, Estados Unidos, Costa Rica, Colombia, Chile, Argentina, Japón, España y México entre los que destacan: mis humores; Sobre Ofelia, una flor; Sinistra; Reflejos de ella; Centro periferia y viceversa; Palabras Escurridas (Premio Ariel de Teatro Latinoamericano, York University); El teatro como territorio de la palabra; Territorios textuales en el teatro denominado posdramático. (Premio Internacional de Ensayo Teatral, INBA-Paso de Gato-Artez). Actualmente es Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA.

Gino Leyva del Real
Dirección y diseño de arte, arquitectura e interacción
Estudió la licenciatura en Medios Digitales y Tecnología en el Centro de Diseño, Cine y Televisión. Se interesa por la exploración de las capacidades técnicas, narrativas y simbólicas de los medios interactivos, particularmente el de los videojuegos y de plataformas similares. Dentro de este medio ha encontrado afinidad con diversas áreas como el diseño arquitectónico, el diseño sonoro, la escritura y el guionismo, la conceptualización y la dirección creativa, así como con la programación y la realización técnica.
Su proyecto de titulación llamado El videojuego más allá del juego, ejemplificado en la pieza interactiva La Quinta Sombra, es una exploración conceptual y práctica del medio interactivo como uno capaz de contener y potencializar narrativas inmersivas, así como obras artísticas y poéticas.

Michelle Arandia Oporto
Diseño sonoro
Licenciada en Cine y TV por la universidad CENTRO, con especialidad en fotografía fija, video y sonido (directo-diseño sonoro). Entre sus últimos trabajos se encuentran: el diseño sonoro para el proyecto de teatro experimental mis humores de Fernanda del Monte, del Festival Vértice de la UNAM (2019); el diseño sonoro para el proyecto Juego de Cartas de la Cátedra Max Aub, UNAM (2019); el diseño sonoro para la exposición de fotografía Síihil de Jimena Horta (2020). En 2019 colaboró como asistente de producción en el cortometraje 24 horas a solas, nominado por el festival Shorts, México.

Damián Tuso y Nadia Cano
Música
Damián Tuso es un músico y guitarrista con más de veinte años de experiencia en el ámbito del tango y el folclore argentino. Es profesor superior de música con especialidad en guitarra, egresado del Conservatorio Manuel de Falla de Buenos Aires. Ha desarrollado su carrera en distintos países. Entre sus participaciones más destacadas se encuentran: guitarrista invitado en Guitarras del Mundo, Festival organizado por Juan Falú en seis ocasiones; invitado especial en el Festival Internacional de la Guitarra, Taxco; Festival de Tango, Casa del Lago UNAM; Festival Quimera; Festival Internacional de Zacatecas; Festival Cervantino Barroco; Fiesta de la Música, entre otros. Es acompañante de la cantante Anita Co, Pecado (2008) y de Martín Rodríguez en Episodios Tangueros (2009). Ha conformado los siguientes proyectos: en Buenos Aires, Revire Tango Trío y la Orquesta Sonidos de Época de la Fundación Época en Buenos Aires, mientras que, en México, De Retache Tango y Pablo Ahmad y su cuarteto tango rock, con los que ha realizado varias producciones discográficas y giras nacionales e internacionales. Como guitarra solista ha realizado las producciones: Porque sí (2018), En la Cola del Diablo (2009) y De llanto y barro (2008), que ha presentado en festivales y distintos foros de Latinoamérica. Actualmente está presentando junto a la violinista Nadia Cano su primera producción discográfica en dúo titulada “Impalpable” (2021).

Nadia Cano
Nadia Cano Castañeda es música y violinista originaria de la ciudad de Culiacán, Sinaloa. Dio comienzo a sus estudios musicales con el Dr. Jorge Gutiérrez Pereyra en la Escuela Superior de Música del Instituto Sinaloense de Cultura. Egresó de la licenciatura en la Escuela Superior de Música del INBA, bajo la cátedra de Cuauhtémoc Rivera Guzmán. Formó parte de la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil de México, de la Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez y de la Orquesta Mexicana de Tango. Desde 2014 es integrante del cuarteto de cuerdas Reversi. Actualmente presenta el disco “Impalpable” a dúo con el guitarrista Damián Tuso.

Manuel Reina
Audiovisuales
Artista de la imagen y realizador audiovisual con énfasis en la edición y la videografía, con experiencia en el diseño sonoro, el diseño de producción y la dirección. Ha trabajado como editor en series documentales para televisión. Realizó sus estudios en Cine y TV en la universidad Centro. Diseño, Cine y Tv. Cursó un diplomado en cine y fotografía documental en la UNAM.

Xésar Tena
Voz
Creador escénico y audiovisual. Director, actor y autor. Es licenciado en artes escénicas y psicología y tiene un máster en psicoterapia gestalt. Es guionista egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica y de la primera generación del diplomado en actuación del CEDRAM-CASA DEL TEATRO. En 2009 fue becado por el FONCA (PECDA) para cursar el diplomado en CEUVOZ. En 2011 hizo una residencia en Argentina, con Mauricio Kartun y Daniel Veronese. Su creación escénica Uömo se presentó en México, Cuba y Argentina. En 2012 salió de gira con el Teatro Rocinante y, ese mismo año, Secretaría de Cultura editó su obra Ananda. Por otro lado, su obra Karkinos participó en la XXXIII Muestra Nacional de Teatro. Es director artístico en La Piedra de Sísifo con la que produjo el Gran Dios Brown, que recibió cinco reconocimientos en la Muestra Estatal de Teatro 2017 —incluido mejor actor—. Esta obra representó a Jalisco en la 39 Muestra Nacional de Teatro de la CDMX. En 2019 coprodujo con la Compañía Nacional de Teatro Viva Cristo Rey, de Jaime Chabaud. Es director y fundador de la Licenciatura en Actuación para Teatro y Cine en el Instituto Superior de Artes Escénicas (ISAE, 2020).

Daniel Canto y Paulina Barrera
Apoyo en creación digital

Daniel Canto
Egresado de la Licenciatura de Cine y Televisión en la universidad Centro de Diseño, Cine y Televisión. Actualmente colabora en el proyecto de Fernanda del Monte, (In)Quietud, una dramaturgia para espacios inmersivos digitales, desarrollando texturas para los objetos en 3D. Participó como escritor, director y editor en el cortometraje Ilhuicatll Iohtlatoquiliz. También ha participado como diseñador sonoro y asistente de sonido directo en distintos proyectos audiovisuales.

Paulina Barrera
Egresada en la Licenciatura en Medios Digitales y Tecnología en la universidad CENTRO de Diseño, Cine y Televisión. Ha participado en proyectos audiovisuales, y en varios cortometrajes de diferentes estudiantes de la licenciatura en Cine y Televisión. Estudió una carrera técnica en la Escuela Activa de Fotografía, y trabajó en varios estudios. Cursó diversos diplomados en diseño gráfico, postproducción y producción de música, así como talleres de modelado en 3d con el software ZBrush e Ilustración digital en ESCENA.

Helena Hernández
Relaciones Públicas
Internacionalista egresada de la Facultad de Estudios Superiores Acatlán. Periodista cultural especializada en artes escénicas. Fundadora de Orgasmo Cultural medio de infocomunicación.

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¿Cuándo?
Miércoles 27 de octubre | 12:00
Hasta el:
Domingo 19 de diciembre, 2021

¿Dónde?
Navega en Casa del Lago

Artes Visuales y Literatura
Exposición
Vindictas Latinoamérica: miradas a la raíz

La UNAM y Páginas de Espuma publicaron Vindictas. Cuentistas latinoamericanas; este libro inspira las infografías de la exposición realizada por Libros UNAM en las rejas virtuales de Casa del Lago. Cuatro ilustradoras –Isol, Paloma Valdivia, Sara Morante y Rosario Lucas–, suman su talento en esta muestra.

Inauguración: miércoles 17 de marzo, 12:00
Hasta el domingo 1ro. de agosto

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¿Cuándo?
Miércoles 17 de marzo | 12:00

¿Dónde?
Casa del Lago Virtual

Artes digitales
Obra comisionada

“Proyecto ROSETA” es una investigación en plataformas digitales que conecta cardinales de conocimientos y disciplinas a través de softwares de astrofísica, lingüística, criptografía y matemática.
Una serie de matrices alfabéticas dispuestas en redes de coordenadas son mapeadas para explorar la inteligibilidad de los mensajes, sus códigos y las normatividades lingüísticas de los procesos de escritura.

“Proyecto Roseta” resulta en la creación de textos cifrados como partituras matemáticas. Tomando como punto de partida la exploración del vínculo entre dos ideas, un mapa de estrellas y la Piedra de Roseta -referencia histórica al problema de la encriptación y mediación entre sistemas lingüísticos- alude también a los proyectos SETI, a el Disco de oro del Voyager y a la presencia creciente de la Inteligencia Artificial en nuestras vidas.

Irene Dubrovsky reside y trabaja en la Ciudad de México. Su trabajo transita por lenguajes y medios diversos para explorar los bordes porosos entre la imagen, el signo y el mapa, utilizando tanto medios tradicionales como lenguajes digitales en artefactos e instalaciones. Sus piezas suelen también vincular elementos visuales-sonoros en referencias a un archivo de cartografías de itinerarios personales, poético-políticos que son parte de su nomádica existencia. Mapas del cosmos vueltos partituras, imágenes construidas como textos encriptados o lenguas clandestinas.

Ha presentado sus mapas e instalaciones en la Bienal de la Habana, la Bienal de Cuenca, la Bienal de Curitiba, La Galería Nina Menocal, la Celda Contemporánea, el Laboratorio Arte Alameda, el Museo del Chopo, el Museo de Arte Moderno, el Instituto Politécnico de Valencia entre otros.
Entre sus próximos proyectos en colaboración con astrofísicos figuran una exposición en el Museo del Cosmos (Tenerife) y una residencia en el Observatorio Astronómico de Canarias.

Colaboración con Instituto de Astronomía de la UNAM
Agradecimientos: Alex Farah, Gabriela Frias Villegas, Leonardo Garces.

Sitio web:
www.proyectoroseta.webnode.es
www.irenedubrovsky.com

Instagram: irenedubrovsky
Facebook: Irene Dubrovsky
Twitter: @irenedubrovsky

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¿Cuándo?
Miércoles 20 de enero | 18:00

¿Dónde?
Casa del Lago Virtual

¡Un archivo de artistas mexicanas para tus redes sociales!
Curaduría: Violeta Horcasitas

Esta muestra es un homenaje colaborativo a las creadoras mexicanas, artistas plásticas, visuales e investigadoras, que son parte fundamental de la producción e investigación artística en este país. Stickers contrasta la producción artística con la situación actual de la mujer. Fortalece y evidencia, además, los vínculos y ecos perdidos que la obra de generaciones pasadas tiene dentro del pensamiento y la producción de artistas jóvenes. Sobre todo es un esfuerzo por sumar voces y continuar la reflexión sobre estos temas. Los archivos invitados son proyectos surgidos en diferentes momentos y contextos que comparten, sin embargo, un interés genuino por conocer y difundir la obra de artistas mexicanas. La muestra presentará el proceso de trabajo de cada uno de estos archivos resaltando sus objetivos, enfoques y las plataformas utilizadas para visibilizar su investigación; esto permitirá contrastar las diferentes posturas y métodos utilizados. Se realizará una selección de obra y artistas en conjunto con cada uno de los archivos invitados para reproducir y reinterpretar las piezas y/o retratos en formato de sticker, una de las herramientas más utilizadas en la red de mensajería instantánea (WhatsApp).

Stickers para WhatsApp y Giphy
Creación de paquete con las imágenes de la exhibición para añadir a mensajes de WhatsApp para IOS o Android.
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Tercera entrega – Sábado 5 diciembre, 2020 | 12:00
Archivo invitado: Entre minas
Ilustraciones de:Verónica Anaya, Malacara y Flavia Zorrilla Drago
Entre minas es una red de apoyo entre mujeres creadoras, un grupo heterogéneo de mujeres artistas que nace con el objetivo de visibilizar y reconocernos como creadoras a partir de visitas de estudio mensuales. Un ejercicio constante por conocernos y reconocernos desde nuestros ámbitos de producción y laborales que comenzó en septiembre de 2017. En el que convergen distintas voces e interacciones dentro del mismo grupo, resultando en colaboraciones, dinámicas de trabajo y organizaciones específicas que priorizan un diálogo horizontal, con la finalidad de construir otras formas de producir experiencias y narrativas desde la colectividad conformada por mujeres artistas.

Recuperaron la dinámica que han llevado a cabo en algunos otros ejercicios colectivos entre el grupo para escoger las obras seleccionadas para los Stickers. Decidieron hacer duplas de trabajo donde entre dos artistas tenían que ponerse de acuerdo en escoger una pieza de la compañera. La idea era generar un diálogo entre las piezas de ambas artistas.

Sobre las ilustradoras:

Verónica Anaya  es  una artista y animadora digital. Forma parte de Bismuto, un estudio creativo dedicado a la producción de animación, diseño e ilustración. Está interesada ​​en experimentar con la combinación de técnicas de animación y video y los resultados únicos que traen consigo. Los cortometrajes de Bismuto han sido seleccionados en numerosos festivales de cine y han tenido el honor de ganar el premio al mejor cortometraje experimental en el Panamá Animation Festival.
+Info IG @veroanaya_c

Malacara. Utiliza líneas limpias, combinadas con degradados sobre fondo negro son la seña de identidad de esta ilustradora afincada en San Luís Potosí. Nieta de un pintor hiperrealista, supo desde niña que quería dedicarse al diseño; de hecho, comenzó como diseñadora gráfica y terminó siendo ilustradora.

+Info https://www.instagram.com/malacara_/

Flavia Zorrilla Drago. Autora de varios álbumes ilustrados maravillosos para niños de todas las edades. Flavia, es una apasionada de poder contar historias que conecten con personas a través de imágenes y palabras. Ha colaborado con editoriales como Combel (Ricitos de Oro), Petra (Dientes, Santo Remedio), Delete Dog (Balandra), la Secretaría de Cultura en México (Tolstoi) y Walker Books (Gustavo, the Shy Ghost).
+Info https://diafla.tumblr.com/

Sobre las duplas
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Carolina Alba y Nuria Montiel

Carolina Alba (Ciudad de México, 1982)
Desviacionismo, 2020
Instalación con tuberías
https://carolinaalba.art/obras/desviacionismo/

Las problemáticas que enfrentamos por la escasez de agua y nuestra enorme dependencia a ella. En la parte inferior de la instalación queda visible el entramado de tuberías y sistemas manipulados.
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Nuria Montiel (Ciudad de México, 1982)
Repite pero cambia
http://www.mediosmultiples.mx/portfolio-item/nuria-montiel-2/l

Este proyecto explora las tensiones que ocurren entre la repetición, la continuidad, la innovación y el cambio en la construcción colectiva del conocimiento y las tensiones entre prácticas tradicionales y su relación con el arte moderno y contemporáneo. Las piezas son mapas o jardines abstractos y codificados que entrelazan mi interés por los tejidos como textos que contienen un conocimiento sincrético. El cual echa raíces en el saber y la observación de la naturaleza de los pueblos indígenas mesoamericanos. Las formas estampadas sobre las telas y las piezas de adobe surgen de motivos florales y símbolos de fertilidad bordados y tejidos en las vestimentas tradicionales de estos pueblos. La obra de Anni Albers, Lygia Pape y Ana Mendieta han sido referentes importantes en el proceso.
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Fernanda Barreto y Ana Gallardo

Fernanda Barreto, 1988
¿Me escuchas?, 2015
Técnica Intervención con 4 megáfonos de metal

¿Me escuchas? fue una intervención hecha en la arquitectura de Cráter Invertido, Ciudad de México. Cuatro megáfonos hechos de metal atravesaron las paredes del espacio proponiendo un diálogo entre el adentro y el afuera, entre el público y el privado. A lo largo de la exposición, la intervención fue activada de diferentes maneras.
http://cargocollective.com/fernandabarreto/Me-escuchas
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Ana Gallardo (Rosario, Argentina)
Material descartable, 2000
Atados de perejil sobre pared
http://www.ruthbenzacar.com/artistas/ana-gallardo/#lg=1&slide=17

Instalación de manojos de perejil, hierba usada como instrumento para realizar abortos caseros y clandestinos entre mujeres de muy bajos recursos.
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Anamaya Farthing-Kohl y Mónica Herrera

Anamaya Farthing-Kohl
La Paz, Bolivia, 1988
Ubicua, 2019
Plástico y marco

Los marcos monumentalizan y conservan bolsas de plástico, llevando atención a su belleza como campos de color, objetos de arte y metas notables de la ingeniería. Ubicua es una oda al esplendor, tenacidad e inmortalidad de cada bolsa de plástico.
http://anamayafarthingkohl.com/ubiquitous
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Monica Herrera Birmingham, Inglaterra, 1974
Frontera, 2008
Collage

Hecho de 200 anteojos graduados usados unidos entre sí dentro de una pared cortada, de tal manera que las personas puedan caminar alrededor y ver los anteojos desde ambos lados, mirar de diferentes maneras y con distintas graduaciones. Mirarse a través de la pieza.
https://monicaherreram.com/section/83262-Frontera.html
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Mahoalli Nassourou y Alejandra España

Mahoalli Nassourou alias ¨ Nneka Fotso¨( Châtenay-Malabry, Francia)
Lost in Trasnations, 2017
Técnica Performance y FotoPerformance
https://vimeo.com/246068672

La performance en vivo y el registro fotográfico que realiza Nassourou nos refiere a la cuestión del tránsito, del devenir, del pasaje, de la mutación y transformación de las identidades. En su performance, la problemática de la identidad se presenta como un interrogante más que como una afirmación: interrogante del origen, del destino, del tránsito que cruza lo físico con lo lingüístico y cultural, según sus expresiones.
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Alejandra España (CDMX, 1982)
Verse vivir en el otro (De la serie: Secretos ocultos) 2015
Vinílica sobre muro
https://www.alejandraespana.com/projects

Secretos ocultos, responde a una exploración de formatos, a la instalación y al libro. La curiosidad incita a mover los 12 cuadros montados sobre un mural y develar los 12 secretos pintados debajo de ellos. Cada cuadro tiene su par. Las ilustraciones ocultas develan pistas sobre el sentido de la imagen que se le sobrepone. Este cuerpo de trabajo va en busca de los vínculos colectivos y la complicidad o el paralelismo entre cosmogonías que dan lugar a mitologías, metáforas y alegorías, símbolos creados para comprender la realidad, tanto del pasado como del presente en pos de una posible construcción del futuro.
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Paola De Anda y Esthel Vogrig

Paola De Anda (ex-DF, 1979)
Otros ritmos son posibles (Lado “b” del proyecto “Lo siempre vivo), 2010
Instalación (arte-vida)

Lo siempre vivo, 2010, es un proyecto sobre la coexistencia temporal con ritmos distintos a los de la especie humana, en este caso de tubérculos en germinación. El proyecto tuvo dos momentos, el de la exhibición que consistió en una instalación (lado a), y un proceso previo en el que conviví con estos organismos por un tiempo, cohabitando el mismo espacio (lado b). La imagen que aquí presento forma parte de este segundo momento.

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Esthel Vogrig (Cividale del Friuli, 1978), en co-autoría con Nadia Lartigue y Juan Francisco Maldonado
Tiempo de híbridos desde el bosque cibernético, 2015
Performance Duracional

Tiempo de híbridos desde el bosque cibernético, surge como un intento de ampliar el registro de lo coreográfico. Si pensamos una coreografía para las plantas, tenemos que repensar la temporalidad de lo coreográfico, lo que implica desligarnos de un tiempo antropocéntrico. Una pieza de 5 horas de duración, pensada específicamente para contextos agrestes, realizada por ocho intérpretes que por un lado siguen un desplazamiento espacial casi imperceptible, por su distensión en el tiempo, y que por el otro ejercen un movimiento de caderas constante que enuncia ritmos evidentes. Un movimiento repetitivo, que se genera a partir de impulsos controlados que se transforman y reciclan, y que genera una atmósfera meditativa o incluso hipnótica en el espectador. Una especie de erotismo palpitante en el que las plantas cobran protagonismo frente a la monotonía de lo humano
https://vimeo.com/153278579
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María Cerdá Acebrón (Madrid, 1984)
Enciclopedia Miope. La brujería como forma primitiva de lucha de clases (El calibán y la bruja de Silvia Federici, 2004) 2019-2020
Transfer de collage impreso sobre imán
http://mariacerdaacebron.com

Enciclopedia miope es un proyecto en proceso que busca ser una traducción o interpretación libre de una enciclopedia como compendio del saber occidental. Funciona como un espacio de juego para reordenar el conocimiento a partir de las posibilidades visuales que contiene cada collage. Para establecer nuevas relaciones conceptuales que sirven para repensar las categorías construidas con respecto a convenciones socialmente aceptadas, como la construcción social del género, la historia, los códigos de conducta adquiridos o los programas educativos
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Karla Leyva, Nuevo León, 1979
Antiguos Mitos, Nuevos Dioses (2020)
Técnica: Máscara Boom 2020, moldeador de glúteos, rebote de luz dorada

Profundizando en los usos de la fotografía y sus excesos, cuestiono los mecanismos de comunicación y convenciones estéticas que influyen en nuestra comprensión de la realidad. Nociones de identidad, ilusión, frustración y deseo están implícitas en los cuestionamientos que planteó, con lo cual propició el diálogo entre lo real y su representación, analizando la manera en que nos relacionamos con las cosas y sus imágenes.
https://vimeo.com/391853955
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Carla Lamoyi y Nadia Lartigue

Carla Lamoyi (Ciudad de México, 1990)
Bailarina Amateur, 2020
Escritura

Frase tomada del ensayo Bailarina Amateur de Carla Lamoyi que aborda desde su disfrute el baile como una forma de pensamiento y de aprendizaje y de una foto del registro de la pieza Antes de la playa está el mar, a cargo del Colectivo a.m., que se presentó inicialmente en el Centro de Cultura Digital en 2015. Nadia Lartigue además de ser bailarina y formar parte de este colectivo, algunas veces trabaja como dj en fiestas.
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Eunice Adorno y Barbara Foulkes

Eunice Adorno (México 1982)
Coronela E. Echeverría de la serie Desandar
Impresión mimeográfica sobre caja de luz

Esta obra forma parte de Desandar y se compone de distintas acciones a raíz del uso del archivo: destellos, fragmentos, collages, y una serie de re apropiaciones y reinterpretaciones de documentos, de algunas mujeres liberales y anarquistas de inicio del Siglo XX.
www.euniceadorno.com
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Bárbara Foulkes (Argentina 1982)
Ecos inquietos de la serie Dibujos coreográficos
Acuarela sobre papel de algodón

Tiempo de híbridos desde el bosque cibernético, surge como un intento de ampliar el registro de lo coreográfico. Si pensamos una coreografía para las plantas, tenemos que repensar la temporalidad de lo coreográfico, lo que implica desligarnos de un tiempo antropocéntrico. Una pieza de 5 horas de duración, pensada específicamente para contextos agrestes, realizada por ocho intérpretes que por un lado siguen un desplazamiento espacial casi imperceptible, por su distensión en el tiempo, y que por el otro ejercen un movimiento de caderas constante que enuncia ritmos evidentes. Un movimiento repetitivo, que se genera a partir de impulsos controlados que se transforman y reciclan, y que genera una atmósfera meditativa o incluso hipnótica en el espectador. Una especie de erotismo palpitante en el que las plantas cobran protagonismo frente a la monotonía de lo humano
www.barbarafoulkes.com

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¿Cuándo?
Sábado 5 de diciembre, 2020 | 12:00

¿Dónde?
Disponibles para descarga en: Sticker.ly y https://giphy.com/

¡Un archivo de artistas mexicanas para tus redes sociales!
Curaduría: Violeta Horcasitas

Esta muestra es un homenaje colaborativo a las creadoras mexicanas, artistas plásticas, visuales e investigadoras, que son parte fundamental de la producción e investigación artística en este país. Stickers contrasta la producción artística con la situación actual de la mujer. Fortalece y evidencia, además, los vínculos y ecos perdidos que la obra de generaciones pasadas tiene dentro del pensamiento y la producción de artistas jóvenes. Sobre todo es un esfuerzo por sumar voces y continuar la reflexión sobre estos temas. Los archivos invitados son proyectos surgidos en diferentes momentos y contextos que comparten, sin embargo, un interés genuino por conocer y difundir la obra de artistas mexicanas. La muestra presentará el proceso de trabajo de cada uno de estos archivos resaltando sus objetivos, enfoques y las plataformas utilizadas para visibilizar su investigación; esto permitirá contrastar las diferentes posturas y métodos utilizados. Se realizará una selección de obra y artistas en conjunto con cada uno de los archivos invitados para reproducir y reinterpretar las piezas y/o retratos en formato de sticker, una de las herramientas más utilizadas en la red de mensajería instantánea (WhatsApp).

Stickers para WhatsApp y Giphy
Creación de paquete con las imágenes de la exhibición para añadir a mensajes de WhatsApp descargándolo desde Play Store.
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Segunda entrega – 14 de noviembre, 2020 | 12:00
Archivo invitado: MUMA – Museo de mujeres de Lucero González
Ilustraciones de: Andonella, Vera Primavera y Maldita Carmen
El museo de Mujeres Artistas Mexicanas virtual da cuenta de la producción de las creadoras en este país, sus obras y trayectorias a partir del siglo XX. Con alianzas y vínculos a nivel nacional e internacional, este es un espacio bilingüe español-inglés, independiente y sin fines de lucro. Su intención es tocar la sensibilidad de las personas y producir un cambio de mentalidad a partir de las exposiciones allí exhibidas y la reflexión sobre estas.
El MUMA se funda en 2008 a partir del premio del Fondo Semillas A.C. otorgado a Lucero González por su trayectoria y liderazgo en la defensa de los derechos de las mujeres, como la oportunidad para crear un proyecto innovador. “Soy curiosa y mirona, como fotógrafa, y tengo interés en conocer las obras de otras colegas y artistas”, afirma Lucero; de ahí surge la iniciativa de construir un archivo vivo y un espacio de colaboración y diversidad de miradas y soportes como pintura, fotografía, escultura, performance, instalaciones y video.
El consejo consultivo del MUMA está formado por Helen Escobedo, Mónica Mayer, Magali Lara, Karen Cordero, Lorena Wolffer, Angélica Abelleyra, Grace Quintanilla, Sylvia Navarrete y Lucero González.

Ilustradoras:

Andonella
Alias de Andrea Arsuaga, es una ilustradora mexicana que reside en la Ciudad de México. Sus trabajos son una mezcla entre humor, irreverencia y elementos grotescos, matizados con el uso de colores. Ha trabajado para diferentes marcas como Nike y H&M, y en diferentes proyectos, como la portada de Mextilo y la secuencia de créditos de la película Cómo cortar a tu patán. También ha colaborado con Pictoline.
+Info https://www.instagram.com/andonella/

Maldita Carmen
Es una ilustradora con una gran presencia en la escena del arte urbano. Su sello son las líneas en blanco y negro y el humor negro con un toque feminista. Frascos de vidrio con risas falsas, crayolas, cutters, cajas de antidepresivos y esmaltes de uñas con frases como “Qué me ves”, “Tatuate mi nombre” o “Haz de cuenta que no me conociste” son plasmadas en murales, stickers, prints, pins y playeras, plataformas comunes en su obra.
+Info https://www.instagram.com/maldita.carmen

Vera Primavera
Pinta y tatúa, desde la pulsión inexplicable por rayar las paredes hasta la necesidad ancestral de apropiarse del propio cuerpo y decorarlo o marcar las vivencias y anhelos en él. Su pulsión primigenia por pintar paredes fue escalando la proporción hasta llegar al gran formato, su temática ha sido siempre la misma, pinta mujeres gigantes, poderosas, complejas, duras y vulnerables al mismo tiempo que representan historias personales, memorias, cuestionamientos, miedos, alegrías y sensaciones cargadas de símbolos y figuras míticas andinas.
+Info http://veraveraprimavera.com

Sobre las obras a ilustrar:

Judith Romero (Veracruz,1976)
Monstera de la serie biodesnudez, 2019
Fotografía
Medidas variables

Las plantas y el desnudo femenino dialogan en esta serie de Judith Romero, quien es es una apasionada del mundo vegetal y voluptuoso de su infancia. Su obra se caracteriza por una cuidadosa composición donde los elementos son definidos y contundentes, sin dejar nada al azar.
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Sofía Echeverri (Guadalajara, Jalisco, 1971)
De las serie Señoras del saber: Señora de la fertilidad, 2019
Cerámica, tela, plumas y corte en MDF policromado
100 x 80 x 12 cm aprox.

Con esta serie de deidades Echeverri, hace un reconocimiento a la sabiduría y el poder de las mujeres como dadoras de vida y fertilidad de las cuerpas y la madre tierra.
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Carmen Mariscal (Palo Alto, California, 1968)
Chez nous, 2018
Escultura- instalación acero, bronce, aluminio
31x31x53 cm.

Carmen Mariscal construye esta instalación con los candados del Puente de las Artes de París y simboliza “La casa prisión” y nos hace reflexionar si la casa es un refugio o una prisión.
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Vanessa Quintanilla, Ciudad de México, 1969
Suspiros desde App- absurdo, 2020
Animación en video
15 seg.

Durante esta pandemia de Covid-19, Vanessa estuvo haciendo una serie de videos y animación que dieron como resultado esta pieza, que nos transmite tristeza y sensación de llanto y desdibuja el rostro que nos mira con ojos muy abiertos.
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Gitte Daehlin, (Oslo 1956-2012)
Respiro en la Tierra, 2011
Escultura en bronce
3 mts.

La obra se compone de 21 figuras de bronce cuerpos esbeltos y delgados. Todas miran al frente, miradas fijas de vidrio que otean el paisaje desde diferentes ángulos. Andróginas, ambiguas, más diosas que humanas. Figuras imprevisibles, representación de algo diferente y misterioso.
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Miriam Ladrón de Guevara, Ciudad de México, 1963
Jugando, 2018
Papel, rompecabezas, alambre, resina
70 x 50 x 20 cm

En sus piezas, Miriam Ladrón de Guevara apuesta por lo lúdico y el goce de la vida.
Usa el reciclaje en sus múltiples expresiones y la cerámica.
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Lucero González, (Ciudad de México, 1947)
Chichitepec, 2020
Barro tradicional de Atzompa y Raku
Medidas variables

Obra inspirada en las montañas de la Sierra del Sur y su relación con la madre tierra.
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Mercedes Gertz (Ciudad de México, 1965)
Canción de yoga, 2014
Dibujo
Medidas variables

Los últimos seis años, Mercedes ha trabajado con un grupo de madres migrantes en los Ángeles CA. y ha aprendido sobre la fortaleza interna, la resistencia y la confianza. La práctica del Yoga les permitió reconectarse con su cuerpo y su yo interior.
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Patricia Couto (Ciudad de México, 1964)
En el jardín, 2018
Cerámica
27x60cm

Imagen, objeto e instalación suelen ser los formatos elegidos por Patricia Couto. Utiliza varias estrategias de producción de la obra. Le interesa que la pieza tenga el soporte adecuado para establecer contacto con el espectador.
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Cristina Kahlo (Ciudad de México, 1960)
Vuelo sin rastro, 2019
Fotografía, inyección de tinta sobre papel de algodón.
21×29.7 cm

Cristina trabaja a menudo con objetos encontrados, los interviene y reinterpreta dando vuelo a su imaginación y de una manera sutil los muestra como en los sueños.
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Rocío Gordillo (Ciudad de México, 1980)
Imágenes para sanar, 2013
Dibujos, lápices de colores y tinta
18x24cm. c/u

Esta serie esta llena de color y Rocio Gordillo libera su mente para ofrecer una caligrafía múltiple de formas y movimientos que nos llevan a relajarnos en cuerpo y alma.
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Karen Perry (Ciudad de México, 1982)
Mi propio infierno, 2008
intervención a guantes antiguos con cabello humano

Objetos de placer y castigo. Serie construida a partir de objetos adquiridos cuyas intervenciones trabajan en función de evocaciones surgidas de su apariencia. Las alteraciones rompen con la sensación de sosiego y refugio.
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Roxana y Pablo Allison (Ciudad de México, 1978, 1980)
Liberty de la serie Operación Jurassic, 2010
Dibujo grafiti
Medidas variables

El ensayo visual de Operación jurassick,revela sentimientos y el paso del tiempo a través de cartas, diarios, dibujos y fotografías. Con un enfoque íntimo, cuestiona la manera en que la justicia en UK criminaliza la libertad de expresión y el graffiti.
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Lourdes Almeida, (Ciudad de México, 1952)
El nacimiento de Venus, 2011
Fotomontaje digital

En esta obra, Lourdes Almeida decidió hacer suyas las escenografías de las obras de grandes autores, como El nacimiento de Venus de Botticelli y cambiar a muchos de los personajes principales por sus propios protagonistas. Los zapatos son el pedestal de lo andrógino y de la moda, en síntesis, una porción de la actualidad está retratada en el afamado marco renacentista.
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Luna Marán (Guelatao de Juárez, Oaxaca, 1986)
En la escuela, 1999
Fotografía plata sobre gelatina
8×10 inches.

Desde adolescente, la fotógrafa Luna Marán ha documentado su entorno y la vida cotidiana de su comunidad en Guelatao de Juárez, Oaxaca. Tiene un ojo que sorprende por sus encuadres audaces y no convencionales. Tiene la frescura de quien anda a su paso libre por su tierra.

¡Un archivo de artistas mexicanas para tus redes sociales!
Curaduría: Violeta Horcasitas

Esta muestra es un homenaje colaborativo a las creadoras mexicanas, artistas plásticas, visuales e investigadoras, que son parte fundamental de la producción e investigación artística en este país. Stickers contrasta la producción artística con la situación actual de la mujer. Fortalece y evidencia, además, los vínculos y ecos perdidos que la obra de generaciones pasadas tiene dentro del pensamiento y la producción de artistas jóvenes. Sobre todo es un esfuerzo por sumar voces y continuar la reflexión sobre estos temas. Los archivos invitados son proyectos surgidos en diferentes momentos y contextos que comparten, sin embargo, un interés genuino por conocer y difundir la obra de artistas mexicanas. La muestra presentará el proceso de trabajo de cada uno de estos archivos resaltando sus objetivos, enfoques y las plataformas utilizadas para visibilizar su investigación; esto permitirá contrastar las diferentes posturas y métodos utilizados. Se realizará una selección de obra y artistas en conjunto con cada uno de los archivos invitados para reproducir y reinterpretar las piezas y/o retratos en formato de sticker, una de las herramientas más utilizadas en la red de mensajería instantánea (WhatsApp).

Stickers para WhatsApp y Giphy
Creación de paquete con las imágenes de la exhibición para añadir a mensajes de WhatsApp descargándolo desde Play Store.
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Primera entrega
Sábado 24 de octubre, 2020 | 12:00
Archivo invitado: Obras de Arte Comentadas (Baby Solis)
Obras de Arte Comentadas es una plataforma de divulgación de arte que recomienda exposiciones, artistas emergentes, libros y textos. Crea “memes” que no sólo son graciosos sino que también desmontan prejuicios sobre el arte contemporáneo.

Ilustradoras:

María Conejo
Su medio principal es el dibujo. Le interesa mostrar el cuerpo femenino como un signo, un gesto comunicante, con nuevas formas de representación, en respuesta a una cultura que estigmatiza el desnudo y perpetúa la vergüenza sobre los cuerpos como una forma de opresión.
Conoce más de la obra de María Conejo en: http://mariaconejo.com

Eréndira Derbez
Ilustradora y escritora, su obra aborda temas sobre género, arte y política, además de trabajar de forma paralela con diversas editoriales y medios impresos.
Conoce más de la obra de Eéndira Derbez: en: https://www.erendiraderbez.com

Sofia Weidner
Su enfoque de trabajo consta de reflejar protesta tocando temas feministas y conflictos emocionales de la juventud, abarcando diversas disciplinas como muralismo, ilustración de moda, textiles, animaciones con gifs, pintura en óleo y gouache e ilustración digital.
Conoce más de la obra de Sofía Weidner en: https://www.sofiaweidner.com

Baby Solís, a través de ODAC, realizó la siguiente selección de obras para ser reinterpretadas en forma de stickers por María Conejo, Sofía Weidner y Eréndira Derbez:

Marcela Armas (Durango, 1976)
Un día de trabajo, 2007
Performance

Un performance en el que 10 asistentes médicas de un hospital del Seguro Social realizaron sus labores diarias usando un solo uniforme gigante que las mantenía unidas.

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Larissa Garza (Monterrey, 1993)
Quiero un bigote, 2019
Acción

Quiero un bigote es una exploración sobre la construcción de la propia imagen, el género, su performatividad y sus implicaciones políticas. es una investigación sobre el acceso que tienen las personas no binarias a los métodos tradicionales para transicionar y una apuesta a generar alternativas; cuestionando la (in)visibilidad dentro de los múltiples sistemas que rigen nuestra corporalidad.
La artista compró todos los productos que encontró en internet, que le harían crecer un bigote y siguió todas las instrucciones para tal vez lograrlo.

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Ketsueki Koibito (Estado de México, 2000)
La virgencita es feminista, 2019
Dibujo

En diferentes manifestaciones feministas, las letras de #HechoenCU y de la UNAM han sido grafiteadas. Varios profesores y alumnos toman esto como una ofensa, una afrenta al llamado orgullo universitario. Casos como el feminicidio de Lesvy Berlín, ocurrido dentro de las propias instalaciones de dicha escuela, han movido a las mujeres a protestar y también a ilustradores como Ketsueki Koibito a hacer obras sumándose a esta causa.

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Alejandra Ruiz (Guadalajara, Jalisco, 1989)
Libertad, de la serie Ahora que si nos ven, 2019
Botella de vidrio, purpurina y tela

El lunes 12 de agosto de 2019, varias mujeres protestaron frente a la Secretaría de Seguridad Ciudadana en la Ciudad de México. Denunciaban los múltiples casos de violencia sexual ejercida por policías. Jesús Orta, jefe de la policía capitalina, dijo que veía “un clima muy radicalizado” y una de las manifestantes le aventó brillantina rosada en la cara. A raíz de eso, la diamantina rosa se ha vuelto un símbolo dentro de varias protestas y obras de arte de corte feminista, como esta pieza de Ruiz da cuenta.

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Grace Quintanilla (Ciudad de México 1967-2019)
Ceci n´est pas une pipe, 2018
Meme

Grace Quintanilla, ​fue una artista transdisciplinaria y gestora cultural mexicana, directora del Centro de Cultura Digital de 2012 a febrero de 2019. Realizó este meme haciendo referencia al cuadro de René Magritte con la leyenda Ceci nest pas une pipe (Esto no es una pipa)

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Tina Modotti (Italia, 1896)
Sombrero mexicano con martillo y hoz, 1927
Plata en gelatina

Modotti fue una artista conocida por su compromiso político. En 1927, se unió al Partido Comunista Mexicano. Creo varias imágenes con símbolos comunistas y revolucionarios. El martillo y la hoz son utilizados por el comunismo alrededor del mundo, el sombrero alude en específico al contexto de los trabajadores mexicanos.

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Lourdes Grobet (Ciudad de México, 1940)
La Briosa, c. 1980-1
Plata en gelatina

Lourdes Grobet, fotógrafa mexicana de familia burguesa, empezó a retratar el mundo de la lucha libre mexicana aún cuando no se había convertido en un fenómeno de portada mundial. Si bien congregaba multitudes era considerado un submundo marginal, rechazado por la clasista sociedad mexicana como un entretenimiento popular e inculto.

La Briosa es el nombre de una luchadora mexicana semi-retirada, o luchadora profesional femenina que estuvo principalmente activa desde mediados de la década de 1970 hasta el año 2000.

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Betty Árbol
Prendí una veladora y se me apareció la virgen ratera, 2019
Técnica mixta

Esta ilustración es parte de una serie de dibujos sobre la vida de la artista, en la colonia Los Altos, Tijuana.
Acerca de su trabajo, Árbol dice: “Mi trabajo se alimenta mucho de lo que veo habitualmente en Ciudad Juárez, de la gente que veo en la calle y en el camión, todos esos personajes, sus atuendos, su manera de vestirse y peinarse son inspiración para mí”.

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Elsa Oviedo (Jalisco, 1983)
Bandera de la revolución, mexicana, 2020-en curso
Interdisciplina

Esta bandera es parte de un proyecto que parte de la deconstrucción de emblemas nacionales, para crear los símbolos de la revolución feminista en México. Fue utilizada por primera vez en público el 7 de marzo de este año, frente al movimiento de la Revolución. El registro fotográfico lo realizó Tania Diego.

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Ingrid Cota (Ciudad de México. 1992)
No queremos beautè, 2019
Performance

Registro del performance No queremos beautè.
Nueve velas en forma de la Venus de Milo fueron colocadas en una habitación, rodeada de ramos de lavanda, pachuli y bergamota.
Cota prendió las velas y mientras se consumían repetía “derrito ser musa, derrito ser dócil, derrito ser bella”. Después se realizó una limpia con las hierbas.

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Maris Bustamante (Ciudad de México, 1949)
El pene como herramienta de trabajo, 1982
Performance y fotografía

Reconocida como una de las artistas pioneras del feminismo y el arte-acción en México, Maris Bustamante tiene una amplia trayectoria como artista individual y como integrante y cofundadora de dos de los grupos más representativos de los años setenta y ochenta en México: No Grupo y Polvo de Gallina Negra.

La imagen muestra a la artista en una posición que remite a la Gioconda o Mona Lisa portando un accesorio de plástico ramplón: unos lentes con pene integrado en lugar de nariz. El falo como el atributo que permite el acceso a algunas actividades y poder jugar determinados roles sociales.

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Sofía Ruiz Abud, (Hermosillo, Sonora, 2000)
La policía no nos cuida, 2020
Ilustración digital

Ilustración realizada en junio de 2020, en el marco de las múltiples protestas tanto nacionales como internacionales contra la brutalidad policial. En mayo, el albañil Giovani López fue detenido bajo el pretexto de no haber estado usando mascarilla. Murió tras haber sido golpeado por los agentes municipales del estado de Jalisco.

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Lily Cursed (Ciudad de México)
Amigo no seas culero, 2018
Stencil

En los últimos años, la frase “amiga, date cuenta” se volvió popular para indicarle a las mujeres, en especial a las jóvenes, que se estaban relacionando con alguien de cuidado o estaban en una situación que requería ser revisada. Por el contrario, “amigo, no seas culero”, quita la responsabilidad de la mujer para llamar la atención sobre la conducta del hombre. Por lo general, somos nosotras siempre las que debemos cuidarnos, no ellos quienes tienen que responder por sus actos, esta pieza invierte los papeles.

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Frida Kahlo (Ciudad de México, 1907)
Niña con máscara de muerte, 1938
Óleo sobre lienzo

Según Google Arts and Culture: “Kahlo la pintó mientras estaba de luto luego de la muerte de su bebé, producto de un aborto espontáneo. La “muerte” fue uno de los temas más íntimos para Kahlo, ya que siempre estuvo presente en su vida. El concepto tradicional mexicano de la muerte se refleja en cada motivo de esta pintura. La máscara que usa la niña es un juguete típico del “Día de Muertos” y las caléndulas, como la que sostiene en la mano, se colocan en las tumbas para guiar a los espíritus de los muertos”.

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Fernanda Patricia (Saltillo, Coahuila, 1995)
Instrucciones para observar el cielo, 2020
Performance

Ejercicio práctico a partir de la pieza The Color Inside de James Turrell.
En palabras de Patricia:
“La idea es generar una serie de piezas que sirvan como ejercicios de aproximación al arte contemporáneo estilo DIY (“hazlo tú misma”), a partir de obras de artistas renombrados como James Turrell, Christo & Jeanne-Claude, Rirkrit Tiravanija, Yves Klein, etcétera”.

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Casa del Lago Virtual

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Segunda entrega -14 de noviembre, 2020 | 12:00
Archivo invitado: MUMA – Museo de mujeres
Ilustraciones de: Andonella, Vera Primavera y Flavia Zorrilla Drago
El Museo de Mujeres es un proyecto independiente sin fines de lucro de Lucero Gonzalez, está dedicado a financiar proyectos de mujeres para el cambio social desde una perspectiva de los Derechos Humanos.

Tercera entrega – 5 diciembre, 2020 | 12:00
Archivo invitado: Entre minas
Ilustraciones de: Maldita Carmen, Malacara e Hilda Palafox
Representan personajes femeninos que son protagonistas activas de sus propias narrativas utilizando la abstracción del cuerpo desnudo como un símbolo de resistencia y resiliencia.

De Flor de Fuego (AR)

Pixeles y código flotan en las aguas del ciberespacio invitando a todas las usuarias a navegar y recorrer esta pieza de Net Art construida para la ocasión. Es un flujo de información en un cauce digital. Fragmentos de aguas hexadecimales fluyen por la Casa del Lago virtual.
Una compilación de videos, imágenes y códigos propone zambullirse en la exploración. El entrecruce de lenguajes, la palabra, el algoritmo, los enlaces y el color teje redes que crean estructuras híbridas de sentidos.
Nadar es una web creada por Flor de Fuego que recopila visuales construidas a partir del software Hydra, que funciona a través de la programación gráfica en el navegador. Esta es también una exploración en cuanto a los alcances y posibilidades que proporciona esta herramienta de software libre creada por Olivia Jack.

Flor de Fuego es profesora en artes plásticas orientada al dibujo y adscripta en la cátedra de Fotografía e Imagen Digital en la Facultad de Artes de la UNLP. Investiga sobre imagen digital y medios produciendo imágenes y sonidos relacionados a live coding, animación, video e internet. Pertenece al colectivo CliC (Colectivo de Live Coders) con el que participó en el festival +CODE en Buenos Aires y diversas charlas en FemIT, NotPinkConf, Ekoparty, Media Chicas, Noche de los Museos de Buenos Aires y La Plata. Tomó parte en Nano Mutek con un colectivo de live coders mujeres llamado Null y, de manera individual, en el MUTEK AR 2019 y MUTEK Montreal 2020. Participó en el Conversatorio sobre género, software y programación al vuelo en Latinoamérica, realizado en el Centro de Cultura Digital de Ciudad de México. Además ha realizado proyecciones fulldome en el Planetario de la Ciudad de Buenos Aires y en Bogotá, Colombia, para el festival Domo Lleno. Forma parte de un dúo llamado c0de p03try, que se ha presentado en lugares como JSAmsterdam Nation Conference, ICLC (International Conference on Live Coding), Irlanda; Festival Pumpumyachkan, Perú; “Música ExperimentAL” en Ciudad de México.

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Casa del Lago Virtual

Twitter @flordefuego4
Instagram @flordefuega
Facebook https://www.facebook.com/floraalonso/

Envolvente sonora de dos ciudades
De Ana María Rodríguez (DE) y Hugo Solís (MX)

Este proyecto está concebido como una cartografía acústica que fusiona dos sonoridades icónicas: los carrillones de Berlín y los cilindreros de Ciudad de México. Al fusionarse, este material generado a distancia se convierte en pieza clave para construir un paisaje sonoro virtual. Los visitantes pueden recorrer y manipular este espacio desde una interfaz visual de formato abstracto, que evidencia las similitudes y relaciones tímbricas entre dos grupos instrumentales. La intención es provocar una escucha libre de los mapas arbitrarios impuestos al lugar donde se genera, creando así vínculos donde las estructuras musicales plasman la relación entre dos territorios amalgamados, sin importar la procedencia de la fuente.

Ana María Rodríguez combina en sus obras la espontaneidad de la improvisación con partituras cuidadosamente detalladas. Como instrumentista electrónica de computadora portátil, teclados y otros dispositivos electrónicos, a menudo interactúa con los músicos y, por lo tanto, participa en la interpretación de sus propias obras. Al mismo tiempo, trabaja en sus composiciones, conciertos-instalaciones y obras teatrales integrando las condiciones acústicas y arquitectónicas concretas del espacio escénico.

Hugo Solís García es un artista electrónico enfocado en las posibilidades creativas y estéticas producto de la intersección entre sonido, tecnologías digitales e interactividad. Es profesor titular de tiempo completo de la carrera de Arte y Comunicación Digitales de la Universidad Autónoma de México. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

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Sala Rosario Castellanos Virtual

Luis Colch

Este virus informático consiste en una serie de agentes contaminantes del espacio virtual, cuyo código genético se crea con símbolos y emojis, revelando los elementos que conforman el imaginario del individuo afectado. El virus requiere de un huésped humano para completar el ciclo de replicación y así viralizarse.

Este es un virus de tipo joke, o broma, así que no se quedará en su computadora que, al acabar de visualizarlo, volverá a la normalidad.

La información es un virus altamente contagioso.

Luis Fernando Colchado
Artista digital mexicano fundador del Centro Cultural Kappa, espacio donde se experimenta la gestión y producción cultural desde lo digital. Es creador de los bots “Skies are prettier on Google Maps”, “Daily Daisy” y “Ahegao”. Su trabajo explora un espacio imaginario que le pertenece a los usuarios de internet y no a las empresas; donde el gobierno no revisa tus mensajes. Actualmente es programador web de Casa del Lago Virtual.

Visita la pieza: https://colchadom.github.io/joke_js_data/

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Casa del Lago Virtual

Visita: https://casadellago.unam.mx/encasa/

Félix Blume

Desde sus alturas, el árbol nos comparte sus remembranzas: gotas que caen de frutas extraordinarias sobre tambores metálicos ubicados alrededor de su tronco. Cada tambor representa un año de vida del árbol y llevan inscritas las memorias del pueblo. La historia colectiva se conforma de historias individuales.

Durante la noche, unas luces iluminan las ramas. Nos invitan a sumergirnos en los recuerdos y escuchar el presente que nos rodea, cada gota marca el tiempo que pasa.

¿Serán lágrimas del árbol? ¿Esta nostálgico por el pasado o triste por el estado actual del mundo?

En un pueblo donde las inundaciones son frecuentes, las fotos y los documentos son escasos, el agua del río se lleva los recuerdos. Las gotas borran las palabras en cada tambor, las memorias son efímeras…

Para ver el proyecto general visita: http://www.felixblume.com/lluviasdemayo/?lang=es

Para ver la pieza visita: https://casadellago.unam.mx/encasa/

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Colaboración: Fundación Casa Proal
Casa del Lago Virtual

 

Federico Pérez Villoro

La permanencia de las piedras es la primera entrega de una serie de acciones que Federico Pérez Villoro está tomando para añadir a Google Maps un monumento que no existe. En un espacio 3D interactivo se narran instrucciones ficcionadas para intervenir dicha plataforma mientras se despliegan exploraciones visuales —fragmentos erráticos— desarrollados por la artista Julieta Gil a partir de los monumentos de la Calzada de los Poetas en el Bosque de Chapultepec. A manera de cuento ilustrado, se relata la historia de un hombre que está perdiendo la memoria y regresa a la Ciudad de México persiguiendo un recuerdo de su infancia: la imagen de un monumento a Rosa Espino, una poetisa imaginaria que le sirvió de seudónimo al general porfirista Vicente Riva Palacio para escribir poemas de amor. Mientras recorre la ciudad y sus mapas digitales en busca de esta imagen, el personaje reflexiona sobre los mecanismos institucionales por medio de los cuales se construye la historia y descubre que su propia identidad está condicionada por los límites de las plataformas contemporáneas.

Federico Pérez Villoro es un artista e investigador que vive y trabaja en la Ciudad de México. A través de textos, actuaciones y artefactos digitales, Federico explora la materialidad del lenguaje y el impacto de la tecnología en el comportamiento sociopolítico. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente y publicado por Printed Matter, C Magazine, diSONARE, Gato Negro Ediciones y The Gradient, del Walker Art Center. Federico ha enseñado en la Escuela de Diseño de Rhode Island y la Facultad de Artes de California y ha dado conferencias en escuelas como la Universidad de Rutgers, CalArts, The New School, la UNAM y la Universidad de Hongik. Recientemente fundó Materia Abierta, una escuela de verano sobre teoría, arte y tecnología en la Ciudad de México. Anteriormente, Federico desarrolló Second Thoughts, una serie de conferencias, talleres y debates sobre diseño contemporáneo en la Fundación Alumnos y el Museo Tamayo. Junto a Roxana Fabius es el cofundador del aprendizaje (humano), un grupo de estudio itinerante que se ha alojado en espacios como P! en la ciudad de Nueva York, Art Center / South Florida en Miami, Florida, y ZONAMACO en la Ciudad de México.En 2013 recibió un MFA de la Escuela de Diseño de Rhode Island.

Para navegar La permanencia de las piedras

Créditos:
Un proyecto de Federico Pérez Villoro
Texto: Federico Pérez Villoro
Imágenes: Julieta Gil
Programación y sonido: Diseño y programación
Edición y corrección de estilo: Isabel Zapata
Narración: Paula Villanueva Ordás

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Casa del Lago Virtual

Video conferencia
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15:00 | Streaming
Sesión de preguntas
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17:00 | Streaming
Después de una introducción que contextualiza su trabajo, Kac seguirá hablando de su bioarte a través de ejemplos. Kac acuñó el término Bio Art en 1997, estableciendo un nuevo campo para el arte contemporáneo basado en la intervención directa (o manipulación) de procesos biológicos reales (por ejemplo, ADN y proteínas).

Eduardo Kac es reconocido internacionalmente por su obra de arte innovadora que se centra en las relaciones entre humanos, animales, máquinas y diferentes formas de vida. El trabajo de Kac se encuentra en las colecciones de los principales museos, como el Museo de Arte Moderno — MoMA, Nueva York; Tate Modern, Londres; y el Museo ZKM, Karlsruhe, Alemania, entre otros.

En el marco de El Aleph. Festival de Arte y Ciencia:
Las posibilidades de la vida: COVID-19 y sus efectos
Colaboración: Programa Arte, Ciencia y Tecnologías (ACT)

Par ver la conferencia: https://www.facebook.com/watch/live/?v=567464707240297&ref=watch_permalink

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Foro 2 Virtual

Lagoogleglyph HS
Eduardo Kac

La serie Lagoogleglyph, iniciada por el artista Eduardo Kac en 2009, consta de imágenes creadas por Kac para ser vistas específicamente a través de satélites, ya sea en Google Earth o Google Maps. La obra Site Specific Digital HS fue concebida por Kac para Casa del Lago Virtual, dada su ubicación en este espacio, el usuario puede visualizarla como si fuese vista desde un satélite.

En el marco de El Aleph. Festival de Arte y Ciencia:
Las posibilidades de la vida: COVID-19 y sus efectos
Colaboración: Programa Arte, Ciencia y Tecnologías (ACT)

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Casa del Lago Virtual

Artista 06: Mónica Espinosa
La materia siempre sonríe

 

Video-Animación-GIFS. 
Las cosas se ríen de nosotros, escapan de la seguridad de un espacio y estado del que creemos dotarlas. La risa como un gesto de la cara que estira y también la propia corporalidad de la materia. Los objetos ríen cuando no pueden contenerse: un chicle ríe al estirarlo, un plato al romperse, una hoja de papel al arrugarlo, la materia manifiesta su expansión y ríe del control que creemos tener sobre ellas. Barnett Newman llamaba a esta condición Lo sublime (The sublime is now). Los dibujos realizados blanco y negro y en computadora desde un trackpad, muestran una línea continua y temblorosa (parte de perder la seguridad del lápiz), así mismo evidencian movimientos en tiempos mínimos para compartirse como GIFs.

Mónica Espinosa (Ciudad de México, 1978)
Estudió Artes Plásticas en México y Alemania, en su trabajo artístico – en diversos medios como dibujo, fotografía, video, instalación, arte sonoro, escritura – se aprecia un interés en la construcción y efectos de los espacios cotidianos, la ignorancia, la incertidumbre, la decepción, la nimiedad y lo cósmico. Actualmente es parte del Sistema Nacional de Creadores del FONCA. Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Artista 05: Minerva Cuevas
Entre los pájaros

 

Como ejercicio estético a partir de una frase de Élisée Reclus: “La humanidad es la naturaleza volviéndose consciente de sí misma” con la que inicia su obra El hombre y la tierra. La visión de Reclus sobre el lugar de la humanidad en la naturaleza se centra en el conjunto más amplio de la naturaleza de la que formamos parte, y en los procesos más amplios de desarrollo en los que participamos, alejándose así del antropocentrismo. El resultado es reminiscente de estrategias visuales de la película PlayTime, donde la actividad (la vida) sucede en espacios bien delimitados. Los fragmentos de video grabados en un estudio refieren a momentos de atención a la vida animal en un cotidiano urbano. Lo extraordinario a partir de lo ordinario que según el tiempo urbano se pasa o no por alto.

Minerva Cuevas (Ciudad de México, 1975) es una artista conceptual mexicana. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM (1993-1997). Es conocida por realizar proyectos de arte a partir de investigación social y prácticas multidisciplinarias. Su producción incluye instalación, escultura, video y fotografía así como intervenciones de arte contextual en locaciones específicas. Es la fundadora de Mejor Vida Corp. (1998), International Understanding Foundation (2016) y miembro de Irational.org.

Artista 04: Radio Nopal
Suena mi planta (2020)

 

Radio Nopal invita a generar un archivo online de plantas y canciones. Repensar la potencia del acompañamiento es vital y más en estos días. Suena mi planta reconoce la importancia y el impacto que tiene la flora, no solo para la ecología si no también para la creación de ecosistemas emocionalmente sanos. Esta propuesta consiste en darle sonido a las plantas retratadas y enviadas por el público a través de un micrositio donde cada una de los retratos recibidos estarán junto con una canción elegida específicamente ellas. Las canciones serán seleccionadas por la comunidad de Radio Nopal, interpretando de esta manera la personalidad de las planta. Manda tus fotos y escucha a qué ¡Suena tu planta!

Radio Nopal es una estación de radio colectiva por internet, localizada en la colonia San Rafael CDMX. Transmiten usando tecnología libre con un dispositivo llamado mensajito.mx, el cual permite crear una estación de radio sin el uso de computadoras convencionales. Cuentan con un espacio de residencias artísticas nacionales e internacionales, así como talleres gratuitos y de paga que van desde la enseñanza de oficios hasta la creación y uso herramientas tecnológicas. Radio Nopal es un lugar de encuentro que genera vínculos de colaboración, y propicia la creación de comunidades mediante el intercambio libre de una multiplicidad de contenidos.

Artista 03: Detanico Lain
Francis Picabia x Henry-Pierre Roché, NY, 1917

 

Francis Picabia x Henry-Pierre Roché, NY, 1917 (2020) es un juego de ajedrez donde los artistas Rafael Lain y Angela Detanico reemplazan las piezas del tablero por palabras, creando así un poema visual. A medida que el juego avanza, las palabras se reorganizan, componiendo diferentes versiones o estados del poema.

El movimiento de las palabras/piezas sigue el puntaje de un partido jugado por Francis Picabia y Henry-Pierre Roché en 1917.

Detanico Lain (Brasil, Angela Detanico 1974 y Rafael Lain 1973)
Colectivo de artistas brasileños, que trabajan en su país de origen y en Francia. Algunos de sus trabajos exploran las tipografías y los mapas. Interesados por lo que hay más allá del hombre y de la comprensión del mundo que les rodea, se basan en investigaciones científicas, los sistemas de representación matemáticos y literarios, la escritura del tiempo, el espacio y el infinito.

Animación en blanco y negro, silente
4min 45seg

Dicen que el cuerpo, los cuerpos de los seres vivos, son infinitos. Por el hecho de que no se puede saber exactamente en qué punto terminan. Más allá de la piel, algo vivo emite calor o lo absorbe, emite radiaciones electromagnéticas al pensar, al tener actividad nerviosa. Una medusa al comerse a un pez lo introduce a su cuerpo, lo disocia, lo absorbe, lo convierte en energía, lo excreta. El aire que respira un mamífero, el agua que toma, el vapor de agua que despide por sus poros, todo está adentro y afuera, todo exterior se convierte en interior, todo interior se convierte en exterior.

Dicen que la tecnología está viva, porque nace y muere, porque se replica, porque prospera y decae. Dicen que dentro de sí, anidan mundos dentro de mundos en los que la historia de los hombres es irrelevante, que hay limbos en los que se preserva y reproduce información obsoleta, o más que obsoleta que ha abandonado la función y que ha trascendido motivos y que finalmente sólo existe por el fin de existir.

Se cuenta que hay un lugar que no está claro si existe virtualmente dentro de una computadora o si es un lugar físico, que es una ciudad, o lo que queda de ella, lo que se logró construir pues nunca se terminó de edificar. Que en esta ciudad en donde convergen desierto y agua habitan seres inmortales estáticos a la vista. Suspendidos en su propia temporalidad retan a lo eterno, comen piedra, se replican pero no nacen, decaen y se desintegran, pero nunca mueren.
Dicen que aquellos erizos junto con sus exoesqueletos alguna vez fueron hombres o producto de la imaginación de los hombres; que los templos que hay en la ciudad de los inmortales, sus muros, sus plazas, fueron abandonados pues se determinaron obsoletos dado que los inmortales existen absortos en su propio pensamiento por lo que renunciaron al cuerpo hace ya mucho tiempo.

Si esta ciudad perdida y sus habitantes en algún momento dejasen de existir junto con sus mausoleos vacíos, sus objetos residuales y sus espejos de agua, sería porque el mundo que la contiene, el espacio en donde converge, la información que la genera, su patrón dinámico, ha también dejado de existir.

La ciudad de los inmortales es un proyecto en desarrollo de paisajismo, escultura, objetos y elementos arquitectónicos virtuales que oscilan alrededor de ideas sobre lo vivo, lo inmortal y lo tecnológico.

Visita la pieza: https://casadellago.unam.mx/victor-perez-rul

Victor Pérez-Rul (México, 1983)
Artista tecnológico cuya investigación artística es un encuentro entre arte, (retro) futurismo, ciencias naturales, cosmología, ingeniería y cultura pop. Conocido por sus esculturas solares en espacio público y privado y por sus proyectos colaborativos experimentales e instalaciones de gran escala, propone y explora nuevas formas de entender y percibir al universo, la energía y lo vivo.
En sus obras colabora con futurólogos, tecnólogos, artistas, científicos, ingenieros y curadores de arte, buscando investigar e insertar proyectos en espacios que articulen la esfera artística con la naturaleza, la cosmología y la experiencia humana en general tanto en espacios públicos y privados tanto físicos como virtuales.

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Casa del Lago Virtual

Artista 02: Miguel Monroy
Street View Selfie (2020)

 

Street View Selfie pone énfasis en la actividad del flâneur en línea. El artista ha recorrido calles alrededor del mundo para conformar una colección de imágenes donde aparece, tal vez sin intención, el mismo dispositivo que toma las fotografías: el automóvil de Street View Google, ya sea con su reflejo, su sombra o de alguna otra manera. En Street View Selfie, Monroy pone sobre la mesa los diferentes niveles de lectura y representación que tienen estas selfies (autoretratos) y hace énfasis en lo que nos muestran y lo que no, mientras nos trae de vuelta esa famosa “metáfora del espejo” a manera de Meninas contemporáneas, pero ahora, con un fotógrafo automatizado.

Miguel Monroy (Ciudad de México, 1975). Su trabajo trata de desestabilizar el significado de los objetos y sistemas de la vida cotidiana desde los campos del video, la instalación, la fotografía y la escultura.Desde 2015 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de FONCA. Actualmente cursa la Maestría en Práctica Artística en la Universidad de Stanford.

Curaduría Violeta Horcasitas

Playtime es una muestra que incluye proyectos artísticos que insisten en lo digital como un espacio para formular estrategias en la vida cotidiana, con la participación de diversos artistas nacionales e internacionales.

Este proyecto reflexiona el concepto de normalidad dentro del contexto contemporáneo, para desviar el significante de la cotidianidad ofreciendo guiños a través de piezas, proyectos e iniciativas que abren la discusión sobre nuevas posibilidades de pensar el mundo. Un giro argumental que nos sitúa como personajes en una narrativa por elaborar.

Playtime se basa en la película homónima de Jacques Tati y retoma escenarios y momentos (aeropuerto, oficinas, exposición de inventos, departamentos, restaurantes, supermercado, fiesta y calle) donde se expone la incongruencia y sin sentidos creados por la industrialización y las llamadas comodidades en el mundo contemporáneo.

Sala 5 Virtual
Inauguración: miércoles 15 de abril
Todos los miércoles una pieza de arte digital
Artistas:
01 N. Samara Guzmán – miércoles 15 de abril
02 Miguel Monroy – miércoles 22 de abril
03 Detanico Lain – miércoles 29 de abril
04 Radio Nopal – miércoles 6 de mayo
05 Minerva Cuevas – miércoles 13 de mayo
06 Mónica Espinosa – miércoles 20 de mayo

Artista 01: N. Samara Guzmán
Manual de transustanciación corporativa

 

“SpiritCorp, líder en elementos de transustanciación corporativa para empleados transnacionales. Creamos espacios intermedios entre la conciencia mágicka y la lógica. El manual ofrecido por SpiritCorp es un scroll poético que utiliza la retórica y el formato corporativista y que tiene como finalidad la transformación personal a partir de diversos rituales mágickos”.

N. Samara Guzmán Fernández (Distrito Federal, 1988) Vive y trabaja entre la Ciudad de México y Neo-Zapopan. Su trabajo reflexiona sobre diversas situaciones de la vida contemporánea evidenciando su repetición y absurdo mientras hace hincapié en la sensación de bienestar y seguridad que estos momentos ofrecen.