Inauguración

Maxi Mamani (Bartolina Xixa) (AR)

Rituales de la Cruz del Sur

Performance

Intervención colaborativa y participativa, en la que nos hallaremos entre dos latitudes del mundo. Los rituales del Sur andino responden a un imbricado código del calendario agro-festivo. Cada evento tiene un porqué y un significado que responde al clima, al ambiente y a las personas que habitamos esa parte del mundo. Ahora, ¿qué pasaría si cambiamos de latitud?, ¿los códigos y las formas del lenguaje cambiarían? El desafío es un trasplante a corazón abierto que no olvida la mochila cultural que cargamos en el cuerpo. El desafío es recrear nuestros mundos en nuevos paisajes y provocar el efecto de saciar los deseos, los anhelos y las gratitudes que conforman el ritual.

Maxi Mamani (Bartolina Xixa) Artista del Sur Andino, originario del pueblo Coya. Artesana en su danza, alfarera de los cantaros rotos. Deshilacha el arte de los suyos para entramar nuevas expresiones en el mundo contemporáneo global. Marica como nombre, deseosa de horizontes nuevos, sus intervenciones son puentes entre los mundos andinos que quisieron exterminar y el choque con el presente.

IMÁGENES

La Bruja de Texcoco (MX)

Originaria de la Ciudad de México, amante de la transfeminidad y de las tradiciones mexicanas, la Bruja nace en Texcoco entre rituales, conchas de armadillo y la profundidad de la noche. “Yo no encontré a La Bruja, ella me encontró a mí. Sin vergüenza me presento, firme con mi huipil que tiene mil colores y palabras hacia el viento”. La Bruja de Texcoco es un proyecto musical y de performance que nace del rechazo de la masculinidad en la música mexicana; al contrario, se apropia de ella y la lleva a desarrollarse en situaciones extravagantes, llenas de feminidad y de huipiles, máscaras y lentejuelas.

IMÁGENES

Mare Advertencia (MX)

Rapera, zapoteca, feminista y migrante, Mare Advertencia es una de las referentes más importantes del rap en México. Desarrolla su proyecto de manera independiente, autodidacta y autogestiva. Al abordar temas incómodos, el rap le ha permitido construir su historia y cuestionar su realidad a través de tres producciones, múltiples colaboraciones y proyectos tan diversos como Narrativas y memorias de la desaparición en México (2021); el álbum Un canto por México, Vol. 2 de Natalia Lafourcade (2021), y el soundtrack de Black Panther: Wakanda Forever (2022), donde colaboró con la canción “Árboles bajo el mar” junto con Vivir Quintana. Si anteriormente su trabajo estaba enfocado en lo social, en la actualidad realiza un proceso más introspectivo, de duelo y sanación, que le permite abrazar todas sus facetas. Estas reflexiones se ven reflejadas en las letras del disco que lanzará este año.

IMÁGENES

Félix Blume (FR)

Rituales funerarios

Sesión de escucha

Hay muchas maneras de acompañar la transición de la vida a la muerte, aquí les invitamos a cerrar los ojos para trasladarse a rituales funerarios de varios países, contextos, épocas y culturas. Una invitación a la escucha de esos cantos, voces, músicas y paisajes sonoros, preparada por el artista sonoro Félix Blume, en colaboración con Ana Medina.

Félix Blume (FR, 1984)

Artista sonoro e ingeniero de sonido. Trabaja y vive entre México, Brasil y Francia. Usa el sonido como materia prima en piezas sonoras, videos, acciones e instalaciones. Su práctica involucra una comprensión extendida de la escucha como un modo de estimular la conciencia de lo imperceptible y como un acto de encuentro con los otros. Ha participado en festivales y exposiciones internacionales con sus películas e instalaciones.

IMÁGENES

Obras ganadoras de Radioarte

Muestra retrospectiva

Curaduría: Tito Rivas y Mirna Castro (Fonoteca Nacional)

Sesión en escucha

En el marco de la colaboración con la Bienal Internacional de Radio 14, Casa del Lago UNAM ofrece una selección de las obras ganadoras en la categoría de Radioarte, curada por la Fonoteca Nacional y pensada especialmente para el Espacio Sonoro. Esta curaduría se integra de manera orgánica al Festival Poesía en Voz Alta 2023, con el fin de tender vasos comunicantes entre el poder poético de la voz y la creación radiofónica. Asimismo, busca otorgar un espacio de escucha a una interesante serie de obras sonoras, que da cuenta de la creación y evolución del lenguaje radioartístico en México y Latinoamérica desde 1996 hasta la actualidad. Si la palabra comienza antes del decir y su hábitat da cabida no solo a los cuerpos resonantes que somos, sino a las mediaciones tecnológicas que atizan nuestra capacidad de vibrar, podemos también imaginar todo un universo complejo que se articula detrás del micrófono radiofónico. Las ondas hertzianas, como territorio para que una alteridad sonora y discursiva como la del radioarte pueble los oídos de la audiencia, se hallan en el espíritu de esta programación.

Elvis Guerra (MX) y Maxi Mamani (Bartolina Xixa) (AR)

"Identidades, cuerpo y voz"

Charla

En Oaxaca, en la región zapoteca del Istmo de Tehuantepec, el binarismo de género se pone bizco frente a las muxe', personas que nacen con genitales masculinos, pero que renuncian a su potencial poder simbólico para abrazar lo femenino. Elvis Guerra propone en Ramonera una crítica no solo a la exclusión o la violencia ejercida sobre los cuerpos que se reconocen en identidades periféricas sino también a la mitificación de la que han sido objeto las muxe'. Se trata de una revisión radical de la épica que versa sobre una minoría marginada, con objeto de reivindicar su cultura zapoteca y unas prácticas absolutamente acordes con la reciente sociedad contemporánea. Porque cuando la significación política de un cuerpo se convierte en lucha de clase o en disidencia, la hegemonía, orientada al mantenimiento de su estructura de poder, enseña su músculo para validar el mismo relato de siempre, dejar unas vidas fuera, echarlas y, a la vez, acogerlas bajo unos mecanismos de control, como unos parásitos, como un virus. Por eso necesitamos que la poesía sea un acto de resistencia política. Por eso necesitamos escuchar la voz de Elvis Guerra.

Elvis Guerra (Juchitán de Zaragoza, Oaxaca, México, 1993)
Poeta y traductor zapoteca. Sus poemas han sido publicados en diversas revistas y antologías. En el 2015 obtuvo el premio CaSa Creación Literaria En Lengua Zapoteca con el título Zuyubu'/Buscarás. Es autor de los libros Xtiidxa' ni ze'/ Declaración de ausencia (2018); Ramonera (Círculo de poesía, 2019) Como traductor publicó el libro Guidiladi Yaase'/Piel Oscura, cuentos eróticos al zapoteco (2017). Fue Becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en el programa Jóvenes Creadores, en los períodos 2016-2017 y 2018-2019. Sus poemas han sido traducidos al inglés, ayöök y sueco.

Maxi Mamani (Bartolina Xixa)
Artista del Sur Andino, originario del pueblo Coya. Artesana en su danza, alfarera de los cantaros rotos. Deshilacha el arte de los suyos para entramar nuevas expresiones en el mundo contemporáneo global. Marica como nombre, deseosa de horizontes nuevos, sus intervenciones son puentes entre los mundos andinos que quisieron exterminar y el choque con el presente.

IMÁGENES

Braulio Lam (MX-US) + Simonel (MX)

Endlessness

Música

Endlessness es una colaboración de los artistas sonoros Braulio Lam y Simonel, quienes radican en la ciudad de Tijuana, B. C. Su performance en vivo expande su colaboración realizada para Static Discos, una grabación que emula el sonido de los recuerdos, los objetos físicos y los espacios naturales que se desvanecen con el tiempo.

El escritor y crítico musical mexicano David Cortés resumió su colaboración de esta manera: “Endlessness es un álbum inmersivo, trabajado con múltiples capas de sonido y planos que, como su título indica, parecen un loop infinito. Una fuerte carga cinematográfica aparece en la primera entrega de este dúo que muestra una gran capacidad para proponer geografías imaginarias que la mente irá construyendo a medida que se despliegan los siete cortes de la placa. Es también un trabajo para acercarse a estados de reposo, experimentar atmósferas de misterio, incertidumbre y expectativa y presenciar cómo los sonidos se entrelazan y generan, poco a poco, un vaivén o un estado de contemplación”.

El concierto explorará las posibilidades del procesamiento del sonido en tiempo real a través del uso de hardware análogo y software; el uso constante de duraciones extendidas; la construcción de distintas capas de sonido a partir de loops y su manipulación tímbrica; y la generación de texturas que propicien la inmersión, la observación y el espacio para el escucha. A su vez, el concierto generará un diálogo audiovisual, es decir, entre el performance sonoro y el visual, para construir una experiencia inmersiva.

Braulio Lam y Simonel presentarán la premier de esta colaboración en vivo en el Festival Poesía en Voz Alta 2023 en Casa del Lago UNAM.

Braulio Lam (US/MX)

Fotógrafo que también ha recorrido la escena musical tijuanense como guitarrista e integrante de diferentes proyectos de rock, jazz y música electrónica. Define su sonido como una mezcla de loops de guitarra, síntesis, voces y procesamiento de sonido en vivo, aunque prefiere ser llamado guitarrista, más que músico electrónico. Lam ha creado una serie de grabaciones para distintos sellos discográficos como Static Discos (Tijuana), Dragon's Eye Recordings (Los Ángeles), AvantRoots (Barcelona) y Éter Editions (Medellín), que parecen ser un acompañamiento sonoro para su trabajo fotográfico.

Simonel (MX)

NObed Márquez (Simonel), músico basado en Tijuana que explora y experimenta con su arsenal de grabadoras, decks y cintas para crear ambientes analógicos y drones que colisionan en cámara lenta con sintetizadores, cajas de ritmo y grabaciones de campo. Al crear mundos magnéticos, llenos de emotividad y estados de ánimo que se repiten y se expanden con cada escucha, Simonel se abre camino entre la baja y la alta fidelidad: una banda sonora para acompañar la vida diaria.

IMÁGENES

claire rousay (US)

Live set

Música

claire rousay vive en San Antonio, Texas. Su música se enfoca en las emociones personales y los detalles de la vida cotidiana como los mensajes de voz, las sensaciones táctiles, las grabaciones ambientales, los cronómetros, los susurros y las conversaciones, de los que busca estallar sus significados.

IMÁGENES

Bárbara Lázara (MX)

Sonora en el Silencio

Interdisciplina

Sonora en el Silencio es una conferencia-performance sobre el proceso de recuperación del archivo subyugado de la escritora y periodista autodidacta Olivia Zúñiga (Guadalajara, 1914-1990), autora de una obra visionaria, autoficcional y antipatriarcal que permanece casi en el olvido. Presentado por su bisnieta, Bárbara Lázara, el espectáculo explora la biografía de Zúñiga a través de la investigación histórica y de archivo, en las que se yuxtaponen y se implican prácticas de alteridad espiritual dirigidas a mediar “entre mundos”. En ambos métodos, de gran importancia en nuestro país, las complejidades encarnadas entre el enfoque sistemático de la obtención de datos y el campo de la religiosidad popular constituyen una resistencia perpetua ante la constante desarticulación institucional de la memoria latinoamericana.

Textos de Olivia Zúñiga y Bárbara Lázara Asesoría dramatúrgica: Jorge Pérez Escamilla Videos: Elena Pardo Duración: 35 minutos aproximadamente

Bárbara Lázara (MX)

Artista cuyo trabajo se dedica a amplificar lenguajes subyugados, archivos del cuerpo y memorias robadas. Su obra abarca diversos medios, incluyendo el performance, la música, la escritura y el video. Ésta ha sido exhibida en exposiciones individuales y colectivas en México, EE. UU. y la Unión Europea. Es miembro del Berliner Künstlerprogramm 2022-2023 del DAAD y perteneció al Sistema Nacional de Creadores de Arte de 2019 a 2022. Actualmente, Lázara trabaja con materiales de archivo para la exposición Sonora en el Silencio, que revisa el legado artístico de la escritora Olivia Zúñiga.

IMÁGENES

Raja Kirik (ID)

Interdisciplina

Proyecto de música, performance e investigación de Yennu Ariendra y J. Mo'ong Santoso Pribadi. Se trata de una aventura que atraviesa la historia y el presente de las danzas folk trance como la danza reog, la jarana y la jathilan, que se practican hasta nuestros días en el centro y el este de Java, Indonesia. Estos bailes se basan en la magia, el chamanismo y el animismo, así como en una música cautivadora y en una serie de narraciones con el fin de explorar una historia que a veces es oscura, caótica, violenta e injusta. Con una propulsión frenética y frontal, aparentemente interminable, la música de Raja Kirik habita una amplia vastedad emocional, que pasa de la decepción a la ira y a la soledad.

En la época del colonialismo holandés, los bailes sirvieron a los javaneses para expresar un ardiente deseo de libertad y su rechazo al dominio colonial. Las danzas folk trance han sido parte importante de los esfuerzos de resistencia cultural de las personas que habitan Java y hoy en día continúan siendo relevantes en las luchas políticas.

En sus explotaciones, Ariendra y Pribadi muestran cómo la música, la danza y los rituales aún proporcionan medios narrativos para que las personas de Java afirmen su identidad contra el dominio y la violencia de los extranjeros. Dichas exploraciones se pueden escuchar a través de Yes No Wave y en su álbum homónimo de 2018, así como en su disco posterior Rampokan, que salió en junio de 2020 a través de Yes No Wave y Nyege Nyege Tapes. También en su última actuación musical The Phantasmagoria of Jathilan, que se estrenó en otoño de 2023 antes del lanzamiento del álbum homónimo.

Para The Phantasmagoria of Jathilan, Raja Kirik colaboró con la aclamada cantante Silir Pujiwati y con el bailarín y coreógrafo Ari Dwiyanto, con la intención de desarrollar una investigación artística sobre el jathilan horse dance y hacer una reinterpretación contemporánea de los elementos formales de la música, la voz y la danza. A partir de sus extensas investigaciones sobre la historia de la isla, Raja Kirik concluyó que la violencia, la opresión y la resistencia son elementos constitutivos del devenir de Java. La forma actual de la jathilan horse dance se puede entender como una recreación de las batallas libradas en la Guerra de Java (entre javaneses rebeldes y el imperio colonial holandés de 1825 a 1830), así como una práctica popular para hacer frente a la derrota del Imperio Holandés y a la devastación causada por la guerra civil entre la población general javanesa y los javaneses aristócratas, quienes apoyaban a los holandeses.

En esta danza la gente usa caballos de palo hechos de bambú como una forma de aprecio y expresión de apoyo a los jinetes del líder rebelde, el príncipe Diponegoro, que lucharon valientemente contra las fuerzas coloniales holandesas. A pesar de la derrota de los rebeldes, en la danza jathilan siempre se representa la victoria imaginaria frente a una serie de demonios, monstruos o los mismos colonizadores. Esta actuación heroica tiene múltiples propósitos: entretener, alentar, sanar, recuperar las fuerzas a pesar de la derrota y, por último, unir a las personas contra la opresión, que en el contexto actual también se traduce en luchas contra la explotación inaudita de los recursos naturales y de los humanos a través del capitalismo global.

Los ritmos electrónicos sincopados de Raja Kirik se combinan con la percusión metálica de instrumentos caseros que inducen tanto al trance como a la belicosidad. El canto bellamente monótono, en un estilo cautivador melismático repetitivo, se entreteje a través de sonidos melodiosos que brotan de instrumentos de viento improvisados. Con una propulsión frenética y frontal, aparentemente interminable, la música de Raja Kirik habita una amplia vastedad emocional, que pasa de la decepción a la ira y a la soledad.

En un espíritu similar, el proyecto de Ariendra como solista, Y-DRA, examina el potencial de resistencia del dangdut koplo (“estúpido” en indonesio): un género indonesio de música popular que canaliza los sentimientos y las experiencias de la clase obrera del país. Con una variedad de nuevos sonidos híbridos —vívidos y viscerales—, su álbum y su espectáculo en vivo titulado No-Brain Dance canalizan los elementos rítmicos del koplo, junto con el techno y el IDM, para transitar entre identidades y realidades con el fin de crear espacios individuales y colectivos de resistencia.

IMÁGENES

Ejival (BC, MX)

“Psiconavegaciones Ambient: documentación audiovisual de prácticas sonoras”

Taller

Este taller tiene como objetivo documentar audiovisualmente cómo las dimensiones psicogeográficas y psicohistóricas de la práctica sonora pueden promover procesos de sanación y de cuidado mutuo.

“Psiconavegaciones Ambient” es un taller de documentación audiovisual en formato de cortometraje y de procesos de exploración, experimentación y creación sonora. Mediante el cruce de elementos de la psicogeografía y la psicohistoria se busca poner de manifiesto una serie de reflexiones y motivaciones en torno a la relación de la práctica sonora con los lugares, las ideas, las personas, las emociones, las palabras y las situaciones, con el fin de favorecer y propiciar procesos de sanación y de cuidado mutuo.

Ejival (Enrique Jiménez Valdez) (BC, MX)

Es productor musical independiente, DJ, escritor, periodista musical y locutor de radio en medios nacionales e internacionales. En el 2002, junto con Murcof y Fax, fundó Static Discos, uno de los primeros sellos mexicanos dedicados a la música electrónica de corte experimental. Desde el año 2004 es uno los programadores y curadores del festival de música electrónica Mutek en México. En el año 2020, la Secretaría de Cultura de Baja California le comisionó la realización de un cortometraje sobre la región de la Rumorosa. En el 2021, Casa del Lago UNAM lo invitó a producir tres cortometrajes sobre la práctica de artistas sonoros fronterizos.

IMÁGENES

Yutindudi (OAX, MX)

Un cuadrado rojo de tierra moviéndose

Interdisciplina

Este proyecto curatorial se compone, por un lado, de la proyección de un documental que registra dos años de los Encuentros de Yazichuza que tuvieron lugar dentro de la organización artística Yutindudi, en la sierra mixteca. Por otro lado, se trata de una exhibición de algunos de los objetos que se crearon dentro de las actividades de Yutindudi a lo largo de esos dos años; los cuales serán colocados sobre un cuadrado de tierra roja traída directamente de la sierra. La instalación será acompañada por una degustación gastronómica ofrecida por Cocina Hierbasanta.

Artistas: Vania Fortuna, Manfred Werder, Carlos Baz, La Hervidera, Juan Pablo Villegas, Tonatiuh E. Trejo, Mario Alberto Bravo, Carlos Edelmiro, Nadia Lartigue Dirección de Cocina Hierbasanta: Clara Guzmán González Dirección del documental: Aurora Muñoz Espino Curaduría y dirección: Stéphanie Janaina y Rolando Hernández

IMÁGENES

Patricio Hidalgo (MX) | “El fandango y sus raíces” | Conferencia magistral

“El fandango y sus raíces”

Conferencia magistral

Esta conferencia versará sobre las raíces en las que está fundado el origen del fandango jarocho: la raíz indígena, la árabe-española y la africana. Además, hablará sobre su historia y su locación geográfica, así como sobre sus características y protocolos establecidos. Finalmente, concluirá con un análisis sobre la expansión que ha tenido el fandango jarocho tanto en territorio mexicano como en el resto del mundo.

Patricio Hidalgo (MX) Versador, jaranero y compositor. Nació en Apixita, municipio de San Andrés Tuxtla, Veracruz. Inició tocando para el grupo Mono Blanco y es cofundador del grupo Chuchumbé. Director musical de Patricio Hidalgo y El Afrojarocho, donde resguarda y recrea la música y el verso tradicional del sur de Veracruz, con el que se crea la fiesta comunitaria del fandango. Con El Afrojarocho se dedica al rescate y la recreación de la raíz afrodescendiente del son jarocho, y realiza un trabajo de investigación sobre las comunidades del sur de Veracruz y las distintas manifestaciones del fandango en México.

IMÁGENES

Deep Listening: Celebrando a Pauline Oliveros † | Estreno de documental Deep Listening: The Story of Pauline Oliveros y charla con el director Daniel Weintraub (US) e IONE (US)

Deep Listening Celebrando a Pauline Oliveros † (MX-US)

Artistas: IONE, Heloise Gold, Juan García, Filio Villeda y Daniel Weintraub

Interdisciplina

Coordinación: Danae Silva y Chris Cogburn

Pauline Oliveros se destaca como una figura pionera en la evolución de la música estadounidense. Su exploración del sonido, combinada con una curiosidad incansable de la percepción y la conciencia humana, condujo al desarrollo del concepto de Deep Listening (Escucha Profunda), una filosofía y práctica que fomenta la participación consciente con el sonido, tanto interna como externamente. Como compositora, sus obras rompieron los límites tradicionales, introduciendo técnicas innovadoras y nuevos modos de expresión. Su influencia se extiende más allá de sus composiciones; fue una educadora apasionada y partidaria de la inclusión en las artes, inspirando a innumerables artistas y estudiantes a explorar las posibilidades ilimitadas del sonido.

Este programa busca honrar a Oliveros y compartir sus profundas contribuciones con una audiencia más amplia a través del estreno de un documental dedicado a su obra, la conversación entre sus colaboradores y una performance telemática. Les invitamos a conocer el poder transformador del sonido y unirse a nosotrxs para celebrar el espíritu visionario de Pauline Oliveros.

Les invitamos a conocer el poder transformador del sonido y unirse a nosotrxs para celebrar el espíritu visionario de Pauline Oliveros.

Cine Filme que cuenta la historia de la icónica compositora, intérprete, maestra, filósofa, innovadora tecnológica y humanitaria, Pauline Oliveros. Fue una de las primeras músicas electrónicas del mundo, la única mujer entre los destacados compositores estadounidenses de la posguerra; una maestra del acordeón, mentora de músicos, una puerta de entrada a la música y el sonido para los no músicos, quien además ayudó a desarrollar herramientas que permiten a los músicos tocar juntos estando en diferentes países, hasta software que permite a las personas con discapacidades graves crear música hermosa. En la vanguardia de la música contemporánea estadounidense durante seis décadas, su historia ilumina el camino hacia cómo llegamos a donde estamos y hacia dónde nos llevará el futuro en los mundos de la música, la filosofía del sonido y el arte de la escucha.

Oracle Bones Performance telemática Con la participación remota de IONE (spoken word) + Heloise Gold (danza) y presencial de Juan García (contrabajo) + Filio Villeda (acordeón) Performance de realidad mixta en cuatro secciones inspirada en antiguos textos taoístas, correspondientes a las Direcciones Cardinales Taoístas: Dragón Verde, Este - Tigre Blanco, Oeste - Fénix Rojo, Sur - Tortuga Negra, Norte. (La Serpiente Amarilla - Centro también será abordada periódicamente). El cuarteto explorará las confluencias de sonido y palabras, luz reflejada y colores. La performance es una danza que fluye como un río a través del tiempo y el espacio. La luz y el sonido fluctuantes crean atmósferas que dan una sensación del paso del tiempo y las estaciones. Los cuerpos parecen sólidos y fluidos al mismo tiempo, a veces casi desapareciendo. Pasado, presente y futuro se fusionan, el oráculo se desenvuelve, las estrellas se involucran. Se emprende un viaje de descubrimiento. *Oracle Bones fue presentada originalmente con IONE, Pauline Oliveros y Miya Masaoka - PhonoFemme 2006, Austria.

Semblanzas

Daniel Weintraub (US)

Deep Listening: The Story of Pauline Oliveros ha sido el enfoque principal de Daniel desde que una conversación con Oliveros lo inició en este camino. Durante el proceso, Daniel creó dos cortometrajes documentales sobre la obra de Oliveros: Don't Call Them Lady Composers y Montage for Improvisors, que se exhibieron en museos y festivales en California, Nueva York, Reino Unido, España y Suiza. Además, actuó como consultor de video en la exposición de la obra de Pauline en El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Córdoba, España. Ha escrito y dirigido varios cortometrajes narrativos que se han presentado en festivales alrededor del mundo.

IONE (US)

Es autora, dramaturga, directora y artista de texto y sonido. lONE enseñó y actuó en todo el mundo con Pauline Oliveros, su esposa y socia creativa. Juntas crearon múltiples obras narrativas de teatro musical contemporáneo. La película de IONE, Dreams of the Jungfrau, se proyectó en Estados Unidos, España e Irlanda. The Nubian Word for Flowers; a Phantom Opera, el ápice de su colaboración con Pauline Oliveros, se estrenó en Roulette Intermedium. Ha sido directora artística del Instituto de Deep Listening durante 15 años y actualmente es consultora en el Center for Deep Listening in Troy, Nueva York. Como directora fundadora del The Ministry of Maåt, IONE imparte talleres y retiros.

Heloise Gold (US)

Instructora y artista de múltiples talentos que vive en Austin, Texas. Tiene experiencia en ballet y formas experimentales de danza, y ha actuado con prestigiosas compañías como los ballets Bolshoi y Kirov. Además de coreógrafa e intérprete, también es instructora de T’ai Chi/Qi Gong y directora-cofundadora de Art From the Streets, un proyecto para artistas sin hogar. Heloise ha recibido numerosas becas y su trabajo ha sido presentado en varios festivales e instituciones de Estados Unidos y Europa. Heloise Gold codirige Deep Listening Retreats con la compositora Y pionera de la new music Pauline Oliveros y la escritora IONE en los EE. UU. y Europa.

Pauline Oliveros (US)

La vida de Pauline Oliveros como compositora, intérprete y humanista consistió en abrir su propia sensibilidad y la de los demás al universo y las facetas de los sonidos. Su carrera abarcó cincuenta años de creación musical que logró disolver varias fronteras. En los años 50 formó parte de un círculo de compositores, artistas y poetas iconoclastas reunidos en San Francisco. En la década de 1960, influyó profundamente en la música estadounidense a través de su trabajo con la improvisación, la meditación, la música electrónica, el mito y el rito. Entre sus muchos premios recientes se encuentran el Premio William Schuman por su Trayectoria, otorgado por la Universidad de Columbia en Nueva York, y el Premio Giga-Hertz por su Trayectoria en la Música Electrónica, otorgado por el ZKM, Center for Art and Media en Karlsruhe, Alemania.

IMÁGENES

Polvareda (MX) | Presentación escénica

Con Katia Castañeda, Mitzi Dávalos, Nadia Lartigue*, Juan Francisco Maldonado y Nicolás Poggi

Artes escénicas

Polvareda es una pieza de improvisación colectiva que juega con las tensiones entre la palabra y la acción, entre el lenguaje y aquello que pretende nombrar. Una palabra repetida mil veces pierde su forma y se convierte en mantra. Un movimiento, por muy cotidiano que sea, repetido mil veces se vuelve baile, pero también se vuelve ritual. En ese intersticio desarrollamos nuestra investigación improvisatoria. Buscamos generar, a través de la simplicidad de la repetición y de la tensión entre palabra y cuerpo, espacios de extrañeza con el mundo, de modificación del espacio en el que estamos y de inclusión de quienes participan, ya sea como observadores, como participantes o como parte integral de la pieza. Polvareda es un proyecto comisionado por Poesía en Voz Alta y desarrollado in situ para Casa del Lago. El grupo se ha formado expresamente para esta pieza y está integrado por Katia Castañeda, Mitzi Dávalos, Nadia Lartigue Zaslavsky, Juan Francisco Maldonado y Nicolás Poggi. La dirección es colectiva e implica desarrollar una práctica de improvisación basada en premisas, partituras y acciones, enfocada en la corporalidad cotidiana, el peso de la acción por sí misma y en la capacidad que tienen el movimiento y el ritmo de modificar nuestras formas de estar y nuestras relaciones con el entorno.

Katia Castañeda (MX)

Artista que trabaja en medio de varias disciplinas y prácticas. Le interesa pensar formas alternativas de creación a partir de acercamientos experimentales. Sus trabajos se han presentado en México, Guadalajara, Colombia y Estados Unidos. Fue Artista en Residencia en Movement Research, N. Y. (2012-2014) y becaría del programa Creadores Escénicos, Interdisciplina 2019-2020 del FONCA. Actualmente es integrante del colectivo de neuroperformance TACo, Transdisciplicina, Arte y Cognición y trabaja con la banda de viento Mixanteña de Santa Cecilia.

Mitzy Dávalos (MX)

Bailarina y músico tradicional. Ha trabajado en distintas compañías de danza contemporánea, colaborando con coreógrafos como Bernardo Benítez, Evoé Sotelo, Benito González, Yessica Basaldúa y Katia Castañeda. Formó parte de la Indigenous Dance Residency en el Banff Centre de Canadá en 2011. En 2012 trabajó con Charlotte Griffin y Takehiro Ueyama dentro del programa ArcDance en Cholula, Puebla. Es tubista de la banda de música tradicional Mixanteña de Santa Cecilia, que colabora con Katia Castañeda en el performance Apuntes para una banda de viento.

Nadia Lartigue Zaslavsky (MX)

Es coreógrafa y bailarina. Colabora con la Liga Tensa, el colectivo A.M., los Vecinos del Ritmo, la Biblioteca Itinerante de Coreografía, así como con Xavier Le Roy y Katia Castañeda. Si bien su práctica es principalmente dancística y performativa, también deriva en ejercicios editoriales, piezas sonoras y experimentos pedagógicos. Sus colaboraciones más recientes con Juan Francisco Maldonado son Ay, Olor (Connecting The Dots, 2021) y Canciones para personas que también son espacios (Bienal Femsa de Arte Contemporáneo, 2020). *Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2021 del SACPC.

Juan Francisco Maldonado (MX)

Le interesan la coreografía, el cuerpo, la teoría y sus interrelaciones aplicables a múltiples territorios como la escena, la música pop, el ejercicio editorial, la crítica, la pedagogía y los dispositivos sociales. Es parte de la Liga Tensa, que investiga la protesta como fenómeno coreográfico; de la banda electropical Los Vecinos del Ritmo, y del Colectivo A.M. Junto con Nadia Lartigue desarrolló las instalaciones sonoras Ay, olor (2021) y Canciones para personas que también son espacios (2020). Casi siempre trabaja en colectivo.

Nicolás Poggi (AR)

Su práctica gira en torno a la improvisación, la coreografía y el performance desde el cuerpo como materia prima para la creación y búsqueda de nuevos lenguajes para la escena. Su trabajo se ha presentado en diferentes espacios y países como el Museo del Chopo, el Centro Cultural de España (MX y AR), el Museo Arte Contemporáneo de Buenos Aires, la Bienal de Venecia 2019, el MACBA de Barcelona, entre otros. Estudió teatro, danza y artes visuales en el Teatro San Martín y en la Universidad de la Patagonia (Argentina), aunque su mayor aprendizaje ha sido de forma autónoma.

IMÁGENES

Deep Listening Celebrando a Pauline Oliveros † | Performance telemática: Oracle Bones (MX-US)

Artistas: IONE, Heloise Gold, Juan García, Filio Villeda y Daniel Weintraub

Interdisciplina

Coordinación: Danae Silva y Chris Cogburn

Pauline Oliveros se destaca como una figura pionera en la evolución de la música estadounidense. Su exploración del sonido, combinada con una curiosidad incansable de la percepción y la conciencia humana, condujo al desarrollo del concepto de Deep Listening (Escucha Profunda), una filosofía y práctica que fomenta la participación consciente con el sonido, tanto interna como externamente. Como compositora, sus obras rompieron los límites tradicionales, introduciendo técnicas innovadoras y nuevos modos de expresión. Su influencia se extiende más allá de sus composiciones; fue una educadora apasionada y partidaria de la inclusión en las artes, inspirando a innumerables artistas y estudiantes a explorar las posibilidades ilimitadas del sonido.

Este programa busca honrar a Oliveros y compartir sus profundas contribuciones con una audiencia más amplia a través del estreno de un documental dedicado a su obra, la conversación entre sus colaboradores y una performance telemática. Les invitamos a conocer el poder transformador del sonido y unirse a nosotrxs para celebrar el espíritu visionario de Pauline Oliveros.

Les invitamos a conocer el poder transformador del sonido y unirse a nosotrxs para celebrar el espíritu visionario de Pauline Oliveros.

Cine Filme que cuenta la historia de la icónica compositora, intérprete, maestra, filósofa, innovadora tecnológica y humanitaria, Pauline Oliveros. Fue una de las primeras músicas electrónicas del mundo, la única mujer entre los destacados compositores estadounidenses de la posguerra; una maestra del acordeón, mentora de músicos, una puerta de entrada a la música y el sonido para los no músicos, quien además ayudó a desarrollar herramientas que permiten a los músicos tocar juntos estando en diferentes países, hasta software que permite a las personas con discapacidades graves crear música hermosa. En la vanguardia de la música contemporánea estadounidense durante seis décadas, su historia ilumina el camino hacia cómo llegamos a donde estamos y hacia dónde nos llevará el futuro en los mundos de la música, la filosofía del sonido y el arte de la escucha.

Oracle Bones Performance telemática Con la participación remota de IONE (spoken word) + Heloise Gold (danza) y presencial de Juan García (contrabajo) + Filio Villeda (acordeón) Performance de realidad mixta en cuatro secciones inspirada en antiguos textos taoístas, correspondientes a las Direcciones Cardinales Taoístas: Dragón Verde, Este - Tigre Blanco, Oeste - Fénix Rojo, Sur - Tortuga Negra, Norte. (La Serpiente Amarilla - Centro también será abordada periódicamente). El cuarteto explorará las confluencias de sonido y palabras, luz reflejada y colores. La performance es una danza que fluye como un río a través del tiempo y el espacio. La luz y el sonido fluctuantes crean atmósferas que dan una sensación del paso del tiempo y las estaciones. Los cuerpos parecen sólidos y fluidos al mismo tiempo, a veces casi desapareciendo. Pasado, presente y futuro se fusionan, el oráculo se desenvuelve, las estrellas se involucran. Se emprende un viaje de descubrimiento. *Oracle Bones fue presentada originalmente con IONE, Pauline Oliveros y Miya Masaoka - PhonoFemme 2006, Austria.

Semblanzas

Daniel Weintraub (US)

Deep Listening: The Story of Pauline Oliveros ha sido el enfoque principal de Daniel desde que una conversación con Oliveros lo inició en este camino. Durante el proceso, Daniel creó dos cortometrajes documentales sobre la obra de Oliveros: Don't Call Them Lady Composers y Montage for Improvisors, que se exhibieron en museos y festivales en California, Nueva York, Reino Unido, España y Suiza. Además, actuó como consultor de video en la exposición de la obra de Pauline en El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Córdoba, España. Ha escrito y dirigido varios cortometrajes narrativos que se han presentado en festivales alrededor del mundo.

IONE (US)

Es autora, dramaturga, directora y artista de texto y sonido. lONE enseñó y actuó en todo el mundo con Pauline Oliveros, su esposa y socia creativa. Juntas crearon múltiples obras narrativas de teatro musical contemporáneo. La película de IONE, Dreams of the Jungfrau, se proyectó en Estados Unidos, España e Irlanda. The Nubian Word for Flowers; a Phantom Opera, el ápice de su colaboración con Pauline Oliveros, se estrenó en Roulette Intermedium. Ha sido directora artística del Instituto de Deep Listening durante 15 años y actualmente es consultora en el Center for Deep Listening in Troy, Nueva York. Como directora fundadora del The Ministry of Maåt, IONE imparte talleres y retiros.

Heloise Gold (US)

Instructora y artista de múltiples talentos que vive en Austin, Texas. Tiene experiencia en ballet y formas experimentales de danza, y ha actuado con prestigiosas compañías como los ballets Bolshoi y Kirov. Además de coreógrafa e intérprete, también es instructora de T’ai Chi/Qi Gong y directora-cofundadora de Art From the Streets, un proyecto para artistas sin hogar. Heloise ha recibido numerosas becas y su trabajo ha sido presentado en varios festivales e instituciones de Estados Unidos y Europa. Heloise Gold codirige Deep Listening Retreats con la compositora Y pionera de la new music Pauline Oliveros y la escritora IONE en los EE. UU. y Europa.

Pauline Oliveros (US)

La vida de Pauline Oliveros como compositora, intérprete y humanista consistió en abrir su propia sensibilidad y la de los demás al universo y las facetas de los sonidos. Su carrera abarcó cincuenta años de creación musical que logró disolver varias fronteras. En los años 50 formó parte de un círculo de compositores, artistas y poetas iconoclastas reunidos en San Francisco. En la década de 1960, influyó profundamente en la música estadounidense a través de su trabajo con la improvisación, la meditación, la música electrónica, el mito y el rito. Entre sus muchos premios recientes se encuentran el Premio William Schuman por su Trayectoria, otorgado por la Universidad de Columbia en Nueva York, y el Premio Giga-Hertz por su Trayectoria en la Música Electrónica, otorgado por el ZKM, Center for Art and Media en Karlsruhe, Alemania.

IMÁGENES

Patricio Hidalgo y el Afrojarocho (MX) | Fandango

Fandango

Artistas: Reyna Sandoval, Yatzil Hidalgo Sandoval, Yaratzé Hidalgo Sandoval, Sergio Pulido Amador, Donají Esparza Reyes y Enrique Palacios Vega

El fandango jarocho es una fiesta de mestizaje en la que el elemento negro jugó un papel fundamental para su configuración. Según se sabe y se dice, esta fiesta tiene una existencia de aproximadamente 300 años. Para que el fandango suceda, tiene que haber un tablado o una tarima a ras del suelo, donde los bailadores de tal o cual comunidad se van relevando para zapatear los sones llamados de a montón, de parejas y mixtos o de cuadrillas. Al pie de la tarima se concentran los jaraneros para guiar el fandango, además de todos los músicos que puedan llegar de la misma comunidad y los pueblos vecinos. Las bailadoras improvisan pasos, los músicos improvisan melodías y los cantadores improvisan nuevos versos.

Para Poesía en Voz Alta 2023, Patricio Hidalgo y El Afrojarocho encabezaremos y guiaremos el fandango, con la inclusión de los músicos invitados por Casa del Lago. Se escucharán sones típicos del fandango como “El Siquisirí”, “Pájaro Cu”, “El Colás”, “La Morena”, “La Guacamaya”, “Zapateado”, “El Cascabel”, “El Toro Zacamandú”, “El Buscapiés”, “La Bamba”, “El Balajú”, entre otros. Además de sones de autoría propia como “Prieta Cimarrona”, “Bemba y Tablao”, “Caballo Suspiro” y “La Gallina”.

IMÁGENES